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'전장의 크리스마스'에 내릴 수 있는 기적이란 무엇일까[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   류이치 사카모토를 아는 사람이라면 영화는 몰라도 그의 대표곡인 '메리 크리스마스, 미스터 로렌스'(Merry Christmas, Mr. Lawrence)는 한 번쯤 들어봤을 것이다. 이 음악이 어떤 의미를 담고 탄생했는지, 음악의 멜로디가 무엇을 이야기하고자 했는지가 영화 '전장의 크리스마스'에 모두 담겼다.   제2차 세계대전, 인도네시아 자바섬. 무사도 정신을 맹신하는 일본군 대위 요노이(류이치 사카모토)는 포로수용소에서 영국군 소령 잭 셀리어스(데이비드 보위)와 마주하게 된다. 사형 직전의 잭을 자신의 수용소로 데려온 요노이는 알 수 없는 매력에 끌리면서도 그의 자유분방한 태도에 끊임없이 갈등한다. 한편, 유일하게 일본어를 구사하는 영국군 중령 존 로렌스(톰 콘티)는 영국군과 일본군 양측 사이에서 중재를 시도하지만, 수용소의 분위기는 점점 격화된다.   우리에게는 음악가로 잘 알려진 류이치 사카모토와 뮤지션 데이비드 보위의 연기 데뷔작이기도 한 '전장의 크리스마스'(감독 오시마 나기사)는 극 중 대사이자 OST 중 하나이기도 한 영문 제목 '메리 크리스마스, 미스터 로렌스'라는 마지막 대사와 하라 겐고(기타노 다케시)의 얼굴을 향해 직진해 나가는 작품이다.   국내 관객에게는 영화의 일부 묘사나 메시지가 불편하게 다가올 수도 있다. 전범국이자 가해자인 일본이 "우리는 서로 적이었지만, 우리는 모두 인간이었다"라는 메시지를 전한다는 것이 모순처럼 느껴질 수 있기 때문이다.   그러나 감독 자체가 좌익이자 일본을 가해자가 칭했으며, 영화를 만들 때도 제국주의를 찬양하는 영화에 출연한 배우들은 철저히 배제했다. 그렇기에 류이치 사카모토와 데이비드 보위, 기타노 다케시 등 당시 배우가 아니었던 이들이 대거 출연하게 된 것이다.   영화는 특수성 안에서 보편성을 발견해 나간다. 전쟁터 안에서 벌어지는 부조리 안에서 어떤 식으로 인간이 갈등하고 부딪히는지 보여주고, 그 사이에서 어떻게 전쟁과 군인이 아닌 인간이 존재하는지 드러낸다.   '전장의 크리스마스'가 특별한 지점은 흔히 전쟁영화에 등장하는 전쟁 신이나 전투 신은 나오지 않는다는 점이다. 대신 영화는 대규모 무력 충돌 뒤에 가려진 전쟁의 민낯, 인간의 내면으로 깊숙하게 들어간다. 적대적인 행위 뒤에 어떻게 서로 다른 인간이 서로 충돌하고 서로를 적대하는지, 어떻게 스스로가 인간임을 잊고 있는지를 그리며 전쟁이 낳은 폭력성과 잔혹함을 보여주기 위함이다.   영화 속 일본군과 포로수용소에 수감된 영국군은 문화적인 차이와 시각을 좁히지 못해 사사건건 충돌한다. 영국군에게 일본의 무사 문화는 잔혹한 행위일 뿐이고, 목숨을 부지하기 위해서라면 타협할 줄 아는 영국군의 모습은 일본군에게는 비굴하게 비칠 뿐이다. 문화적인 차이를 넘어 서로 적대관계라는 위치는 한쪽은 다른 한쪽을 폭력으로 대하고, 폭력에 노출된 이들은 저마다의 방식으로 저항하게 만든다. 그러나 이들 사이의 선과 악의 구분은 사실상 무의미하다. 폭력을 가하는 쪽과 폭력을 당하는 쪽은 언제 어디서든 바뀔 수 있기 때문이다. 로렌스와 하라의 위치가 바뀌었듯이 말이다. 그렇기에 애당초 영화는 어느 한쪽을 선으로, 악으로 나누어 그려내지 않는다. 일본인 개인을 증오하진 않는다는 로렌스의 말처럼 개개인을 증오하도록 만들지도 않는다. 누구도 옳지 않은 이들이며, 모두가 가해자이자 피해자이기 때문이다. 로렌스의 말마따나 영화는 '자신들이 옳다고 생각하는 사람들의 희생물'을 만든 건 누구이며, 그 원인은 무엇인지, 왜 서로가 서로의 적이 됐는지를 생각하게 만든다.   서로 반목하면서도 때로는 친한 친구처럼 웃고 떠드는 일본군과 영국군의 모습에서 발견할 수 있는 건 그들은 군인이기 전에 '인간'이라는 점이다. 인간이기에 적대적인 관계이지만 살리고자 하고, 문화적으로는 이해할 수 없지만 비슷한 과거를 지녔다는 공통점에 이끌려 서로에게 다가가게 만든다.   그렇게 '전장의 크리스마스'는 인간과 인간 사이, 인간 내면에서 벌어지는 전쟁 끝에 어떻게 화해와 용서로 나아가는지 보여준다. 그래서 마지막 하라와 로렌스의 대화, 그리고 로렌스를 향해 "메리 크리스마스, 미스터 로렌스"라고 말하는 하라의 모습은 강렬하게 관객의 마음을 관통한다.   어쩌면 전장 속에 내릴 수 있는 크리스마스의 기적이란 우리가 '인간'임을 깨닫는 것인지도 모른다. 엔딩에서 만난 하라의 모습은 이 세상에 크리스마스의 기적 같은 선물이 주어지길 바라게 된다. 무엇이 인간을 전쟁으로 이끌고, 폭력과 잔혹성에 노출된 채 서로를 적대하게 만드는지, 그리고 그 전에 우리는 모두 인간이었음을 돌아보게 된다.   그렇게 전쟁과 군인이라는 특수성 안에서 지워졌던 인간을 만나고, 그 안에 담긴 보편성에 관한 탐구를 통해 "메리 크리스마스, 미스터 로렌스"로 치환됐던 "우리는 서로 적이었지만 우리는 모두 인간이었다"라는 문장이 남는다.   '전장의 크리스마스'가 유명한 건 류이치 사카모토에게 '영화음악의 거장'이라는 수식어를 달게 해 준 시작점이라 할 수 있는 OST '메리 크리스마스, 미스터 로렌스' 때문이기도 하다. 류이치 사카모토에게 또 다른 전환점이 된 작품 안에서 그가 작곡한 음악이 흐르는 가운데 배우 류이치 사카모토를 마주한다는 건 여러모로 흥미롭다.   여기에 대중음악은 물론 여러 방면에서 큰 영향을 미친 문화 아이콘이자 뮤지션인 데이비드 보위가 연기하는 잭 셀리어스를 만날 수 있다는 것만으로도 '전장의 크리스마스'는 큰 가치를 지닌다.   123분 상영, 11월 20일 국내 최초 디지털 리마스터링 개봉, 15세 이상 관람가. 2024.11.21 08:00

새 출발선에 선 모든 자립청년 향한 응원 '문을 여는 법'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   만 18세, 아직 어린 나이지만 '성인'이라는 이름표를 달고 세상에 나와야 하는 자립준비청년들에게 가장 필요한 것은 무엇일까. 영화 '문을 여는 법'은 자립준비청년에게 세상을 향해 문을 열고 나올 수 있도록 응원함과 동시에 우리와 사회에는 그들이 문을 열 수 있도록 무엇을 준비해야 할 것인지 질문한다.   보육원을 나와 자립하게 된 하늘(채서은)은 부동산 중개인의 소개로 첫 자취방을 구한다. 자립 지원금 천만 원에서 한 줌 햇빛이 들어오는 방을 구하고, 하늘 취향의 가구와 소품들로 채우다 보니 어느새 통장 잔고는 0원이다.   그러던 어느 날 눈을 떠보니 집의 구조는 바뀌었고, 살림살이는 물론 밖으로 나갈 수 있는 문마저 모두 사라진 가운데 현금 인출기만 덩그러니 놓여 있다. 인출기 화면에 나타난 '다시 시작하겠습니까' 문구와 함께 점점 좁아지는 집, 때마침 보육원 친구 철수(김남길)가 하늘을 돕기 위해 나타난다.   철수는 집을 되찾기 위해선 '노랑새'를 찾으라는 미션을 주고, 하늘은 '노랑새'를 찾기 위한 만만치 않은 여정을 시작한다.   '문을 여는 법'은 자립준비청년들의 사회 첫걸음을 응원하고, 사회적 관심을 독려하기 위해 배우 김남길과 KB국민은행이 함께 기획 제작한 영화다. 기본적으로 현실과 비현실을 오가는 경쾌한 톤의 판타지 드라마로 접근하기 쉽게 만들었다.   자립준비청년이란 아동양육시설 및 위탁가정의 보호를 받다가 만 18세 이후 보호가 종료되어 홀로서기를 준비해야 하는 청년을 의미한다.  만 18세 기점으로 그들을 '성인'으로 구분 짓지만, 사실 청소년 관람 불가 영화도 관람할 수 없는 나이다. 그런 아이들에게 우리는 법적으로 '성인'이 되었으니 '자립'해야 한다며 세상으로 등을 떠민다. 주인공 하늘도 만 18세가 되어 자립 지원금 천만 원을 들고 보육원을 나온다.   '문을 여는 법'은 지하철 계단을 올라 지상에 선 하늘의 모습으로 시작한다. 시작부터 하늘이 오로지 홀로 세상에 나와 '성인'으로서 자립해 나가야 함을 보여주는 영화는 곧바로 자립준비청년의 경제적인 자립 과정, 즉 본격적인 홀로서기의 현실을 그린다.   자립 지원금이라는 이름으로 하늘의 손에 쥐어진 돈은 천만 원. 많다면 많다고 할 수도 있지만, 집부터 모든 것을 하나하나 새롭게 마련해야 하는 하늘에게 천만 원은 결코 많은 돈이 아니다. 성인으로서의 삶을 시작하는 데 있어서 천만 원은 사회가 일방적으로 건넨 최소한도 안 되는 출발선이 다. 더군다나 자취방 계약부터 모든 것이 하늘에겐 처음 만나는 순간들이다. 어른들조차 어렵고 낯선 세상을 하늘은 홀로 헤쳐 나간다.   하늘이 원한 건 그저 한 줌 햇빛이 들어오는 방이었다. 비록 반지하라 할지라도 그토록 바라는 햇빛 드는 방, 자신만의 방을 가진 하늘은 방을 조금씩 채워나간다. 그러던 어느 날, 눈을 뜬 하늘 앞에 나타나는 건 자신의 집이 아닌 사방에서 자신을 옥죄어 오는 공간이다. 당황하고 두려워하는 하늘 앞에 뜬금없이 나타난 어른이 된 철수(김남길)는 하늘에게 눈앞에 문을 열고 나가 '노랑새'를 찾으라는 미션을 부여한다.   정체불명의 문을 연 후 하늘은 도무지 알 수 없는 일들과 마주한다. 진실과 거짓의 방, 자동은 없는 자동 세차장 알바, 미아보호소 등의 장소에서 하늘은 자신의 과거를 마주한다. 모두 하늘의 마음속에 꾹꾹 눌러 담은 채 상처로 남았던 기억들이다.   어른 철수의 조언에 따라 하늘이 열었던 문은 내면의 문이었다. 지금까지 홀로 살아내고, 견뎌내며 부딪혀야 했던 현실과 미처 고백하지 못했던 진실, 부모의 부재와 이로 인해 겪어야 했던 아픔과 외로움 등 자립준비청년이라면 누구나 한 번쯤 겪고, 공감할 기억들이다. 그러한 과거를 하나씩 거쳐오며 하늘은 마음의 문을 점차 닫았을 테다. 결국 어른 철수가 준 미션은 하늘이 닫아놓았던 문을 열고 나오길, 새로운 마음으로 출발선에 서길 바란 마음이었다.   한여름 밤의 꿈 같은 내면의 여정을 마친 하늘은 스스로 문을 만들어 열고 나온다. 그 과정을 통해 하늘이 배운 것은 그동안 애써 닫아왔던 내면의 문을 열어도 된다는 것, 문을 열고 도움을 청해도 된다는 것, 그리고 열면 안 되는 문은 없다는 것이다. 그것이 어떤 문이든 말이다.   내면의 여정을 판타지로 그려낸 영화는 혼자 외로움을 삼키고, 삼켜진 외로움을 다시 자기 안에 가둬두며 상처받아야 했던 하늘과 모든 자립준비청년에게 다정한 손길을 내민다. 문을 열고 나와도 된다고, 문을 열고 나오면 손잡아 줄 누군가가 서 있을 것이라고 말이다.   이처럼 '문을 여는 법'은 자립준비청년에게는 다정한 응원을 보내는 동시에 우리 사회와 시스템을 다시금 되돌아보게 만든다. 그리고 역으로 질문한다. 우리는 하늘이가 문을 열 수 있는 사회를 만들어 놓았는지, 문을 여는 법을 알려주기 전에 문을 열어주고 문을 열고 나와도 되는 사회를 먼저 만들어야 하지 않겠느냐고 말이다.   사회적이면서도 무거울 수 있는 주제를 두 감독은 영화라는 매체가 가진 힘을 충분히 사용하며 재기발랄한 판타지로 풀어내되, 다정함과 세심함을 잃지 않으며 다가갔다. 여기에 채서은, 심소영, 노이진, 김남길, 고규필, 유현수는 엉뚱한 상상의 공간 안에서 각자 맡은 캐릭터에 생명력을 불어넣었다. 그들의 호연 덕분에 영화가 관객들 마음의 문을 열었다. 한 가지 더 바란다면, 배우 김남길이 앞으로도 이런 선한 영향력을 발휘해 사회가 변화할 수 있는 용기를 불어넣어 주길, 우리가 먼저 문을 열고 다정함을 건네도 된다고 이야기해 주길 바란다.   31분 상영, 11월 20일 롯데시네마 단독 개봉, 전체관람가. 2024.11.20 09:00

뒤틀린 관계와 욕망의 스릴러 '히든페이스'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   '방자전' '인간중독' 김대우 감독이 10년 만에 밀실 스릴러 '히든페이스'로 돌아왔다. 동명의 원작을 바탕으로 한 '히든페이스'는 감독의 욕망을 통해 더욱더 뒤틀린 관계와 어두워진 욕망의 스릴러로 재탄생했다.   지휘자 성진(송승헌)이 이끄는 오케스트라의 첼리스트이자 약혼녀 수연(조여정)이 어느 날 영상 편지만 남겨둔 채 자취를 감춘다. 성진은 수연을 잃은 상실감에 고통스러워하지만, 그녀를 대신한 첼리스트 미주(박지현)에게 강한 끌림을 느낀다.   비 오는 밤, 서로의 욕망에 휩쓸린 성진과 미주는 수연의 집에서 용서받지 못할 짓을 저지른다. 한편, 사라진 줄 알았던 수연은 혼자서는 절대 나올 수 없는 집 안 밀실에 갇혀 숨겨진 민낯을 지켜본다.   안드레스 바이즈 감독의 동명 영화를 원작으로 한 '히든페이스'는 '방자전' '인간중독' 김대우 감독답게 자신의 영화 철학인 '에로티시즘'을 더하고 더 어둑하게 뒤틀린 관계와 욕망으로 채워 넣었다.   기본 뼈대는 원작과 동일하다. 남자의 마음을 확인하고자 하는 여자가 스스로 밀실에 자신을 가두지만, 밀실에서 빠져나가지 못하게 되면서 남자의 숨겨진 욕망을 마주한다는 것이다.   여기서 '히든페이스'가 원작과 다른 길을 가는 데 있어서 중요한 지점 중 하나는 '밀실'이라는 공간과 이로 인한 상황보다 성진, 수연, 미주의 관계와 그들의 욕망이 이야기를 전개해 나가고 극의 긴장을 자아내는 핵심 요소로 작용한다는 점이다.   이를 위해 캐릭터들의 기본 설정 역시 원작과 다르게 갈 수밖에 없었다. 그들을 떼려야 뗄 수 없는 관계이자 서로의 욕망을 이용할 수밖에 없는 관계로 묶어두면서 '히든페이스'는 세 인물의 외피 아래 숨겨진 진짜 욕망을 자극한다. 영화가 진짜 보여주고자 했던 건 각자 내면이라는 밀실 안에 억눌러 뒀던 숨은 욕망을 꺼내놓는 데 있기 때문이다.   이 때문에 밀실이 주는 긴장감도 다를 수밖에 없다. 원작이 인간의 숨겨진 욕망을 바탕으로 누군가 사라졌다는 사건과 '밀실'이라는 공간성을 활용해 긴장감을 유발하고자 했다면, 김대우 감독의 '히든페이스'는 밀실이라는 물리적 공간보다 인물 내면의 밀실이라는 심리적이고 정신적인 측면을 활용해 긴장감을 자아내고자 했다.   이러한 점에서 영화는 사건의 스릴러라기보다는 인간, 더 정확히는 관계의 스릴러이자 욕망의 스릴러다. 그렇기에 '히든페이스'가 스릴러 영화로서의 진정한 면모를 나타내는 건 세 인물이 어떻게 얽히고설켜 있는지 그 관계가 드러날 때다.   흥미로운 건 세 사람이 지닌 욕망의 근원은 사실상 비슷하다는 데 있다. 자신이 원하는 것은 얻고 말겠다는 욕망, 그것이 어떤 수단을 통해 어떤 형태로 이뤄지든 결과적으로 '소유'한다는 데 목적이 있다는 점에서 세 인물은 닮은꼴이다. 다른 것은 무엇을 소유하고 싶은가 하는 점이다.   '히든페이스'가 엔딩에 다다랐을 때, 세 인물의 욕망이 실현된 결과를 보며 복잡하면서도 흥미로운 질문들이 남는다.   그중 하나는 수연과 미주의 관계에서 진짜 노예가 된 것은 누구일 것인가 하는 지점이다. 수연에게 길들어진 후 순종적으로 굴다가 결국 스스로 발목에 족쇄를 찬 미주가 노예일까. 아니면 세상 모든 것을 다 가진 것처럼 자신감을 가득 찼던, 끝끝내 미주에게 족쇄를 채운 수연이야말로 진정한 미주의 노예가 된 것은 아닐까. 누구의 히든페이스가 가장 광기 어렸을까. 스스로 밀실에 갇힌 미주 그리고 그런 미주를 위해 다시 밀실을 오가길 자처한 수연의 관계는 여러모로 여운을 남긴다.   '히든페이스'는 감독의 전작들을 생각해 보면 당연하다는 듯이 배우들의 노출 신이 등장한다. 그러나 원작과 리메이크작의 특성상 배우들의 노출 자체는 불필요한 노출이 아니다. 다만 아쉬운 건, 노출이 아니라 '보여주기'의 문제다.   노출 신과 베드 신이라도 어떤 방식으로 얼마만큼, 무엇에 중점을 두고 보여줄 것인가가 관건이다. 청소년 관람 불가의 에로티시즘 밀실 스릴러라 해도 영화가 가고자 하는 길에서 '히든페이스' 속 베드 신이 과연 지금의 결과물만큼 필요했는지 질문했을 때, 과잉이었다는 인상을 지울 수 없다. 관계와 욕망을 영화의 중심에 뒀다면, 자연스럽게 그들의 욕망에 설득될 수 있도록 인물의 감정선을 구축하는 데 조금 더 공을 들였으면 좋았을 거란 아쉬움이 남는다.   영화 외적으로 우려되는 지점은, 영화가 의도와 다르게 왜곡된다는 점이다. '히든페이스'는 얽히고설킨 세 인물의 관계 그리고 거기에서 비롯된 다양한 스펙트럼의 욕망과 사랑의 형태를 보여주며 관객에게 각자가 마주한 엔딩은 해피 엔딩인지 배드 엔딩인지, 관계의 최종 승자는 누구인지, 누구의 욕망이 더 뒤틀렸는지 등 이야깃거리를 제공한다.   그런데 감독의 업보라면 업보일까, 일부 예비 관객들이 영화 자체와 배우들의 열연을 놓고 기대하기보다 '노출' '고수위'에만 관심을 갖고 있다. 에로티시즘이라는 요소를 단순하게 포르노처럼 소비하려는 방식이 우려될 따름이다. '히든페이스'를 '배우의 재발견'이라는 측면에서 다가가도 좋을 것이다. 세 배우 모두 열연을 선보였지만, 그중에서도 눈에 띄는 건 조여정과 박지현이다. 조여정은 자신감이 두려움으로, 두려움이 광기 어린 질투로, 질투가 소유욕으로 변하는 과정을 눈빛과 근육의 미세한 떨림으로 표현하며 관객들을 스크린 안으로 빨려 들어가게 한다. 특히 '올드보이' 오대수의 군만두 먹방 못지않은 생라면 먹방은 생라면을 향한 식욕을 자극한다.   박지현이 연기한 미주는 어떻게 보면 세 인물 중 가장 잔잔한 인물일 수 있다. 그러나 미주 안에 숨겨졌던 욕망은 그 누구보다도 어둡고 깊다. 박지현의 연기는 고요한 호수에 서서히 일렁이는 파문으로 시작해 해일처럼 덮쳐온다. 노출이란 단어에 가려지기에는 아까운 열연이다.   116분 상영, 11월 20일 개봉, 청소년 관람 불가. 2024.11.20 07:00

가성비·가심비 모두 잡은 마법의 세계 '위키드'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   팬데믹 이후 여러 차례 오른 티켓 값에 영화관에 갈 엄두가 나지 않는 관객, 일반관 1만 5천원-특수관 2만 2천원(주말 기준)에 달하는 티켓 값을 지불하고 극장을 갈 것인지 고민하는 관객에게 '위키드'는 가성비는 물론 가심비까지 모두 잡을 수 있는 '극장용' 뮤지컬 영화다.   자신의 진정한 힘을 미처 발견하지 못한 엘파바(신시아 에리보), 자신의 진정한 본성을 아직 발견하지 못한 글린다(아리아나 그란데), 전혀 다른 두 사람은 마법 같은 우정을 쌓아 간다. 그러던 어느 날, 마법사의 초대를 받아 에메랄드 시티로 가게 되고, 운명은 예상치 못한 위기와 모험으로 두 사람을 이끈다.   2003년 10월 뉴욕 브로드웨이에서의 초연을 시작으로 전 세계 6천만 명이 관람한 뮤지컬 '위키드'가 드디어 영화로 재탄생했다. '인 더 하이츠' '크레이지 리치 아시안' '나우 유 씨 미 2' 등 개성 넘치는 작품을 선보였던 존 추 감독은 환상적인 마법의 세계를 스크린 너머 관객들에게 생생하게 전달한다.   그레고리 매과이어의 소설 '위키드'를 원작으로 하는 브로드웨이 인기 뮤지컬 '위키드'를 영화화한 '위키드'의 강점 중 하나는 뮤지컬 무대라는 현실의 한정적인 공간 안에서 펼쳐질 수 없는 오즈의 세계가 무한하게 뻗어 나간다는 점이다.   특히 소설이나 뮤지컬에서는 만날 수 없는 마법의 세계, 판타지라는 장르만이 가질 수 있는 상상의 나래가 스크린에 펼쳐지는 것을 목격하는 것만으로도 영화 '위키드'는 충분히 매력적인 작품이다.   엘파바와 글린다의 우정을 그린 여성 투톱 뮤지컬 '위키드'는 '디파잉 그래비티'(Defying Gravity) '파퓰러'(Popular)를 비롯한 넘버로 전 세계인을 사로잡았다. 무엇보다 이번 영화 버전 '위키드'가 더욱더 기대되는 것은 후시녹음이 아닌 현장 라이브를 그대로 스크린에 옮겼다는 점이다. 라이브는 현장성은 물론 배우들의 감정선이 스크린이라는 벽을 뚫고 관객에게 생생하게 전달되는 데 일등공신 역할을 한다.   이처럼 뮤지컬적인 측면에서의 장점도 상당하지만, '위키드'는 환상적인 마법의 세계에서 펼쳐지는 엘파바와 글린다의 우정 이야기를 메인으로 하면서 그 안에 차별과 이에 대한 저항 정신을 담았다는 점에서 눈여겨봐야 할 지점들이 있다.   엘파바는 초록색 피부를 타고났다는 이유만으로 차별과 혐오의 대상이 됐지만, 꿋꿋하게 자신을 지켜나가며 살아왔다. 그런 엘파바가 쉬즈대학교에 입학한 후, 동물들을 향한 무차별적인 폭력과 차별을 마주하게 된다.   인간들이 말(언어)하는 동물들에게서 말을 빼앗고, 동물들을 철창 안에 가두거나 제거하는 모습 등이 나온다. 언어를 빼앗긴다는 것은 발언권을 빼앗는 것이자 정체성을 빼앗는다는 의미이기도 하다. 또한 약자에게 침묵을 강요하는 일이기도 하다.   "실망이 반복되어 희망을 잃으면 모두가 침묵하게 된다"라는 말처럼 다른 학생들이 동물들을 탄압하는 모습을 보며 침묵할 때, 엘파바는 동물들을 위해 나선다. 그 역시 혐오와 차별의 대상으로서 공감하고 약자에 연대하기 위함이다. 영화에서처럼 약자에게서 말을 빼앗고, 약자를 폭력적으로 대하는 사회, 그리고 이에 저항하는 연대는 현실에도 존재한다.   또한 학생들은 과거를 배우는 것에 회의적인 반응을 보이고, 인간 교수는 과거는 불필요하고 오로지 미래만이 중요하다고 강조한다. 과거란 역사고, 역사를 잊은 민족에게 미래는 없다고 했지만 오즈의 인간들은 이를 외면한다. 그런 가운데 차별의 중심에 선 엘파바와 곧 말을 빼앗기게 될 말하는 염소 딜라몬드 교수만이 과거, 즉 역사의 중요성을 강조한다.   이처럼 엘파바와 글린다의 우정 아래 담긴 '위키드'의 메시지들은 모두 지금 현실에도 유효하다. 혐오와 차별이 만연하고, 이에 침묵하고, 또 폭압의 역사를 부정하고 잊어가는 사회에서 '위키드'는 여러 가지 질문들을 남긴다.   우정과 저항의 메시지를 담은 '위키드'의 중심축은 바로 엘파바와 글린다이고, 두 캐릭터를 연기한 신시아 에리보와 아리아나 그란데는 지금까지와는 다른 자신들만의 엘파바와 글린다를 보여준다.   신시아 에리보는 토니상 여우주연상 수상자다운 면모를 제대로 보여준다. '겨울왕국'의 엘사로 유명한 이디나 멘젤의 엘파바를 기억하는 이들에게 신시아 에리보의 엘파바는 스크린뿐 아니라 무대에서도 만나고 싶다는 마음이 들 정도로 강렬하면서도 완벽하다.   특히 1막을 마무리하는 '디파잉 그래비티'가 신시아 에리보의 목소리를 타고 울려 퍼지는 순간 느껴지는 전율을 다시 만나고 싶어서라도 N차 관람을 할 수밖에 없다.   글린다 역의 아리아나 그란데는 글린다라는 캐릭터의 특성을 특유의 음성과 노래 실력으로 잘 그려냈다. 특히 신시아 에리보의 엘파바와 아리아나 그란데의 글린다의 음성은 조화롭게 어우러지며 또 다른 엘파바와 글린다 조합을 완성했다.   '위키드'가 갖는 독특한 지점 중 하나는 보통 애니메이션을 포함한 외화의 경우 원어 버전을 선호하는 데 반해 많은 관객이 '더빙판'을 기대한다는 점이다. 뮤지컬 '위키드' 한국 초연부터 엘파바와 글린다를 맡아 '엘파박'과 '정글린다'라는 수식어를 얻은 박혜나와 정선아를 비롯해 국내 정상급 뮤지컬 배우들이 대거 더빙에 참여했다. 신시아-아리아나 버전과 박혜나-정선아 버전은 각각 어떤 매력을 가졌는지 비교해 보는 것 역시 '위키드'의 관전 포인트가 될 것이다.   160분 상영, 11월 20일 개봉, 전체관람가. 2024.11.20 05:00

돌아온 올림픽홀, 엑스디너리 히어로즈가 일으킨 전율[노컷 리뷰] JYP엔터테인먼트 소속 밴드 엑스디너리 히어로즈(Xdinary Heroes)는 코로나 팬데믹 시기인 2021년 말 데뷔해, 1년 만인 2022년 12월 서울 송파구 올림픽공원 올림픽홀에서 첫 번째 콘서트를 열었다. 그로부터 2년이 흐른 현재, 다시 올림픽홀로 돌아왔다. 그동안 예스24 라이브홀에서 15차례에 걸쳐 콘서트를 진행하며 내공을 쌓았고, 처음으로 '매진'을 이뤄냈다. 예스24 라이브홀보다 규모가 2배 이상 커진 이번 공연은 지난 15일부터 17일까지 평일인 금요일을 포함해 사흘간 치러졌음에도 전 회차가 매진됐다. 추가로 연 좌석까지 모조리 팔렸다.  '국내 공연 6연속 매진'이라는 기분 좋은 기록을 안고, 첫 단독 콘서트를 연 장소로 돌아온 엑스디너리 히어로즈는 전율을 일으키는 '뜨거운 음악'으로 보답했다. 지난 16일 저녁 6시 서울 송파구 올림픽공원 올림픽홀에서 엑스디너리 히어로즈 단독 콘서트 '리브 앤 폴'(LIVE and FALL) 두 번째 날 공연이 열렸다. 건일(리더/드럼)·정수(키보드)·가온(기타)·오드(신시사이저)·준한(기타)·주연(베이스)으로 이루어진 엑스디너리 히어로즈는 다양한 악기 구성과 넘치는 보컬풀을 십분 활용해 열정 가득한 공연을 3시간 넘게 펼쳤다. 둘째 날 공연이었음에도 모든 힘을 쏟아붓는 '막콘'(마지막 콘서트) 분위기가 물씬 났다. 가장 최근에 낸 미니 5집 '리브 앤 폴'과 동명의 콘서트였던 만큼, 앨범 수록곡 8곡 전 곡이 세트 리스트에 포함돼 있었다. '엑스에이치_월드_세븐티파이브'(XH_WORLD_75)가 장식한 오프닝은 웅장했다. '엑스디너리 히어로즈는 이런 음악을 하는 밴드입니다'라는 명확한 인사 같았다. 여러 곡의 무대를 연이어 할 때, 분명히 맺고 끊기보다 하나의 플레이리스트를 듣는 것처럼 곡과 곡이 자연스럽게 이어지는 구성이 인상적이었다. 6월부터 매달 새 디지털 싱글을 내는 시리즈 '오픈 베타'(Open ♭eta)와 콘서트 시리즈 '클로즈드 베타'(Closed ♭eta)를 두 갈래로 선보인 엑스디너리 히어로즈는, 더 많은 관객을 품을 수 있는 더 넓은 공연장에서 그동안 쌓은 경험치를 공연으로 승화했다. 밴드 공연이었기에, 가창만큼이나 악기 연주가 공연장의 분위기를 좌우하는 중요한 요소였다. 곡마다 두드러지는 '악기 솔로'를 마음껏 감상할 수 있다는 점이 '리브 앤 폴' 공연의 강점이었다. 우선 '심포니'(XYMPHONY)에서는 정수의 건반 연주가 백미였다. 건반은 이 노래의 기묘하면서도 긴장감이 도는 정서를 표현하는 역할을 톡톡히 해냈다. '심포니' 때 무척 긴장했다고 털어놓은 정수는 "저를 너무 힘들게 하지만 여러분을 너무 행복하게 해서 안 할 수가 없더라. 앞으로도 저의 손가락을 불살라보겠다"라고 각오를 다졌다. '프리킹 배드'에서의 연주도 기억에 남는다. 오드는 '서커 펀치!'(Sucker Punch!)에서 전위적인 연주로 시선을 사로잡았다. 어쩌면 이질적으로 들릴 수 있지만 한편으로는 곡에 '유니크함'을 심어주는 연주였다. 오드는 "진짜 깜짝으로 하고 싶다고 해 가지고 길게 생각해서 준비도 열심히 했다. 앞으로도 계속 진행해도 될 것 같나?"라고 물었고 빌런즈(공식 팬덤명)로부터 긍정의 답을 받았다. 공연 초반부 '브레이크 더 브레이크'(Break the Brake)와 '노 매터'(No Matter)부터 기타 연주가 '장난 아니구나!' 하고 느꼈던 준한은 여러 곡에서 뛰어난 실력을 뽐냈다. 정통 록의 향기가 짙었던 '머니 온 마이 마인드'(Money On My Mind)의 귀를 찢는 듯한 날카로운 속주를 듣고 나서는 다소 얼얼한 기분마저 들었다. '서커 펀치!'와 '플루토' 땐 엄청난 기교나 속도 없는 '여유로운 연주'만으로 곡을 더 풍부하게 할 수 있다는 것을 증명했다. 엑스디너리 히어로즈를 아주 약간만 아는 사람이 흔히 그리는 '관념적 엑디즈 노래'에 가까웠다고 생각한 '페인트 잇'(Paint It)에서는 가온의 기타 솔로가 발군이었다. 리더 건일은 기타 솔로가 멋있었다며 가온을 치켜세웠고, 가온은 멘트 시간에 다시 기타를 메고 일부를 연주해 환호받았다. 건일은 "가온이가 이 솔로 진짜 열심히 준비했다"라고 덧붙였다. 후반부에 등장한 '워킹 투 더 문'(Walking to the Moon) 무대 땐 멋진 재즈 클럽에 방문한 것 같은 기분이 들었다. 아름다운 피아노와 베이스의 조화가 인상적이었다. 건일은 이번에도 어김없이 "달나라로 떠나기 전에 해 주셨던 연주가 너무 좋았다"라며 "주연이의 베이스 솔로였다"라고 짚어줬다. 주연은 빌런즈를 위해 한 번 더 연주를 들려줬다. 개인적으로 제일 강력한 '진동'으로 다가온 것은 건일의 드럼 연주였다. 오프닝 곡부터 존재감을 발휘한 드럼 소리는 '프리킹 배드' '러브 앤드 피어'에서도 힘차고 또렷하게 들렸다. '언틸 디 엔드 오브 타임'(until the end of time)은 드럼이 더해지면서 곡의 서사가 본격화되는 느낌이었다. '맨 인 더 박스'에선 놀라운 몰입력으로 2분가량의 긴 솔로 연주를 해냈다. 건반의 맑은 소리와도 합이 좋았다. 다시 쳐 달라고 멤버들이 요청하자 "다시 보기는 유료 결제 서비스"라고 능청을 부린 건일은 "멋있는 부분만 추려가지고 해 보겠다"라며 웃음기 뺀 연주로 호응을 끌어냈다. 준한은 "건일이 형 (연주가) 아주 멋있어서 (여러분이) 당연히 좋아해 주실 줄 알았다"라고 거들었다. 주연, 정수가 보컬을, 가온과 오드가 보컬과 랩을 고루 맡고, 건일과 준한까지 전원이 가창 파트를 맡는 데선 새삼 '넉넉한 보컬풀'을 실감했다. 둘째 날 공연에서 라이브로 확실히 존재감을 드러낸 멤버는 정수였다. 성량도 음정도 흠잡을 데 없었고, 까랑까랑한 음색이 귀에 꽂혔다. 노래할 때 평소보다 편해 보이지 않아 의아하다고 생각했는데, 알고 보니 주연은 목과 몸 상태가 좋지 않았다. 주연은 "솔직히 말하면 저 이주연 공연 역사상 가장 좋지 않은 컨디션이었다. 그래서 오늘 여러분들께도 굉장히 사과하고 싶었고, 무대 올라오기 전부터 걱정 많이 했다"라며 "사실 목소리가 아예 안 나오는 상황이었다"라고 털어놓아 주위를 놀라게 했다. 하지만 주연은 관객 덕분에 본인이 '살았다'고 강조했다. 그는 "아이컨택(눈맞춤)도 하고 뛰면서 즐기는 분들을 보니까 없던 힘도 생기더라. 저는 항상 말하지만 여러분들이 엄청난 힘을 갖고 있다고 믿고, 그걸 오늘 또다시 느꼈다. 여러분들이 우리를 일으키고 노래하고 음악 할 수 있게 하고, 사랑할 수 있게 한다"라고 말했다. 앙코르 첫 곡이었던 '세이브 미'(Save me) 무대를 언급한 주연은 "굉장히 뭉클해지는 감정이 셌는데 그 이유가 여러분들 덕분인 거 같다. 무대 올라오기 전까지만 해도 너무 컨디션적으로 힘들었는데 막상 올라오고 나니 '와, 이 사람들이 나를 살려주는구나. 이 사람들 앞에 서니 내가 살아있구나' 하는 감정을 다시 한번 느꼈다. 그래서 오늘 '세이브 미'는 유독 감정에 충실했던 거 같다"라고 밝혔다. 이어 "내일 하루만 더 살려줄 수 있나? 그러면 여러분들만 믿고 있겠다. 여러분들을 믿고 노래하겠다. 정말 감사하다. 아이 러브 유. 사랑한다"라며 '세이브 미'의 가사인 "플리즈 갓, 세이브 미"를 외쳤다. 오드는 "오늘도 여러분들의 찰나의 순간에 함께할 수 있어서 너무 기뻤다"라며 "우리에게 주는 사랑만큼 여러분들 자기 자신도 많이많이 사랑해 주셨으면 좋겠다. 제가 함께 여러분들을 사랑하겠다. 사랑한다, 빌런즈"라고 말했다. 가온은 "사실 좀 바쁘고 굉장히 도전도 많았다. 그러면서 느낀 거는 난 힘들다고 생각했는데 막상 여기 올라와 보니까 힘든 게 하나도 아니었구나 하는 거다. 진짜로 너무 예쁘다, 여러분. 진짜 이제 앞으로 힘들다는 말을 잘 안 하려고 한다. 이거를 보고 있는 사람이 어떻게 힘들 자격이 있을까"라며 "여러분 에너지 덕분에 힘들었던 순간들이 잊혀지고 있다"라고 고마움을 전했다. 또한 가온은 "저는 진짜 아무것도 아닌 사람인데 제가 특별해질 수 있었던 이유는 얘네들(멤버들)을 만나서다"라며 "저희가 어떤 이유로 엑디즈를 좋아하는 이유, 빌런즈를 좋아하는 이유로 이렇게 한자리에 모이지 않았나. 저희는 지금 굉장히 행복한 사람이지 않을까. 서로 좋아하는 사람을 보러 온 것이지 않나"라고 말했다. 그러자 주연은 "이 멘트 미쳤다, 진짜"라고 감탄했다. 건일은 "이렇게 많은 빌런즈를 한 자리에서 볼 수 있다는 게 정말 좋은 것 같다"라며 "엑디즈 건일이 아닌 한 명의 인간 구건일로서, 여러분과 똑같이 삶을 살아가는 인생을 걸어가는 한 사람으로서 정말 너무 고맙다는 말씀을 드리고 싶다"라고 말했다. 한때 자신에게 향하는 관심이 두렵고 힘들었다고 고백한 준한은 요즘 들어 생각이 바뀌었다며 "좋은 무대, 퍼포먼스를 보여드리는 게 나의 최선이자 노력이고 보답이라고 생각하게 됐다"라고 전했다. 그는 "더욱더 많은 사람들에게 '와, 재밌었다!' '좋은 시간이었다' '감동이었다' 그런 기억이 남을 수 있도록 연습하고 고민하고 만들어 나갈 것"이라고 예고했다. 정수는 "이 수많은 사람들이 엑디즈 노래를 따라 불러주고 있다는 사실 자체가 저한텐 너무 행복해서 그게 눈물로 다가왔던 거 같다"라며 "우리 애들이 정말 너무 잘 컸구나 생각이 들어서 사실 리허설 때부터 너무 행복했다. 쫙 돌이켜보니까 여러분들이 주신 사랑 덕분에 여기까지 올 수 있었지 않나"라고 밝혔다. 그러면서 "초심 잃지 않고, 여러분들이 사랑할 수 있는 아티스트 정수가 되도록 하겠다"라고 마무리했다. "뜨겁게 불태우고 뜨겁게 사랑하고 뜨겁게 음악하고 그렇게 살고 싶다"(가온)라고 한 엑스디너리 히어로즈는 그 말처럼 꽉 찬 공연을 돌려줬다. 예정된 세트 리스트에는 없었던 '컴 인투 마이 헤드'(Come into my head)와 '머니볼'(MONEYBALL) '바이시클'(Bicycle)을 추가하고, '불꽃놀이의 밤'으로 마무리해 3시간 넘게 관객과 호흡했다. 빌런즈도 적재적소의 떼창은 물론 그로울링까지 멋지게 소화해 멤버들을 깜짝 놀라게 했고, 슬로건 이벤트로 감동을 안겼다. ▶ 11월 16일 '리브 앤 폴' 세트 리스트 1. 엑스에이치_월드_세븐티파이브 2. 심포니 3. 브레이크 더 브레이크 4. 노 매터 5. 머니 온 마이 마인드 6. 필링 나이스 7. 페인트 잇 8. 스트로베리 케이크 9. 잠꼬대 10. 서커 펀치! 11. 프리킹 배드 12. 소년만화 13. 러브 앤드 피어 14. 헤어 컷 15. 해피 데스 데이 16. 맨 인 더 박스 17. 인스테드! 18. 워킹 투 더 문 19. 플루토 20. 어리고 부끄럽고 바보 같은 21. 언틸 디 엔드 오브 타임 22. 패러노이드 23. 나이트 비포 디 엔드 (앙코르) 24. 세이브 미 25. 꿈을 꾸는 소녀 (추가) 26. 컴 인투 마이 헤드 (추가) 27. 머니볼 (추가) 28. 바이시클 29. 불꽃놀이의 밤 2024.11.18 05:00

'글래디에이터Ⅱ' 막시무스 죽음 24년 만에 찍은 마침표[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   "이번 생에 하는 일이 영원까지 남는다." 막시무스의 유훈을 이어받으며 ​24년 만에 돌아온 '글래디에이터2'는 막시무스가 미처 이루지 못한 로마의 꿈을 이루고, 애도하며 '글래디에이터' 시리즈의 기나긴 여정에 진정한 마침표를 찍는다.   로마의 영웅이자 최고의 검투사였던 막시무스(러셀 크로우)가 콜로세움에서 죽음을 맞이한 뒤 20여 년이 흐른 후, 쌍둥이 황제 게타(조셉 퀸)와 카라칼라(프레드 헤킨저)의 폭압 아래 시민을 위한 자유로운 나라 '로마의 꿈'은 잊힌 지 오래다.   한편 아카시우스 장군(페드로 파스칼)이 이끄는 로마군에 대패한 후 모든 것을 잃고 노예로 전락한 루시우스(폴 메스칼)는 강한 권력욕을 지닌 마크리누스(덴젤 워싱턴)의 눈에 띄어 검투사로 발탁된다.   로마를 향한 걷잡을 수 없는 분노, 타고난 투사의 기질로 콜로세움에 입성하게 된 루시우스는 결투를 거듭하며 자신이 진짜 누구인지 알게 되고, 마침내 로마의 운명을 건 결전을 준비하게 된다.   '글래디에이터'(2000) 이후 무려 ​24년 만에 돌아온 '글래디에이터2'는 오프닝 시퀀스부터 전편의 유산을 잇겠다는 것은 물론 막시무스의 유훈과 로마의 꿈은 이어진다는 것을 명확하게 알린다. 동시에 전편을 본 관객들의 추억을 자극하면서 시작한다.   영화의 전반적인 플롯은 전편과 유사하다. '글래디에이터2'는 '글래디에이터'의 무엇을 누가 이어받아 그때 이루지 못한 것들을 어떻게 이룰 것인지가 주요한 이야기이다. 그렇기에 어떻게 보면 '글래디에이터2'는 '틀린그림찾기'와도 같다. 전편을 본 관객이라면 무엇이 다른지를 찾아볼 수 있을 테고, 전편을 보지 않은 관객이라면 '글래디에이터2'는 그 자체로 새로운 이야기로 다가올 것이다.   막시무스가 아우렐리우스와 함께 꿈꾸며 그로부터 이어받아 실현하고자 했던 로마의 꿈은 사실상 새로운 로마의 건국이나 마찬가지다. 지금까지의 기조를 버리고 시민을 위한 자유로운 나라를 만들겠다는 게 막시무스와 아우렐리우스가 그린 '로마의 꿈'이다.   이러한 '로마의 꿈'이 주요한 소재이자 이뤄내야 할 과업이 된 만큼, '글래디에이터2'에서는 로마 건국 신화인 로물루스와 레무스 이야기가 여러 부분에서 상징적으로 작용한다.   쌍둥이 형제였던 로물루스와 레무스처럼 게타와 카라칼라 쌍둥이 형제가 황제로 등장한다. 건국신화를 떠올리게 하는 쌍둥이 황제인 게타와 카라칼라는 폭압으로 로마를 더욱더 최악으로 몰아가고 있다. 이 폭압의 신화를 무너뜨리고 막시무스가 꿈꿨던 새로운 로마를 다시 세울 수 있을지가 '글래디에이터2'의 관전 포인트 중 하나다.   그렇기에 로물루스와 레무스 형제의 상징 아래에서 싸우는 루시우스와 마크리누스의 모습은 누구의 로마가 미래로 향할지 결정하는 중요한 결투다. '로마'라는 상징성과 정당성을 과연 누가 획득할 것인가, 그리고 누가 꿈꾸는 로마가 이어질 것인지 판가름 나는 과정을 상징적으로 보여준다.   영화의 처음부터 마크리누스와 루시우스는 전편의 프로시모와 막시무스와는 다른 관계가 될 수밖에 없음을 드러낸다. 둘의 관계는 '글래디에이터'와 '글래디에이터2'의 틀린 그림 중 하나이기도 하다.   마크리누스는 분노와 증오를 일으키며 오로지 힘의 폭력적이고 권위적인 속성을 추구했다. 이와 반대로 루시우스는 힘의 논리가 지배하는 콜로세움의 세계에 들어왔지만 '힘과 명예'라는 구호, 즉 힘을 어떤 식으로 사용할 것인가를 생각한 인물이다. 둘의 대립은 구시대 로마와 새 시대 로마의 대립처럼 이어졌다. 그런 만큼 마지막 두 사람의 결투는 필연적이었다.   루시우스가 막시무스의 유훈을 잇는 여정은 '글래디에이터' 시리즈의 필연적인 여정이기도 하다. 영화는 시작은 물론 곳곳에서 막시무스의 흔적을 보여주고, 루시우스는 이를 잇고 로마의 꿈을 이룬 후 막시무스를 애도했다. 그렇게 2편에 걸쳐 구축한 하나의 거대한 영웅 서사에 진정한 마침표를 찍었다.   '글래디에이터'가 관객에게 남긴 유산도 있다. 당시 콜로세움을 통해 폭력성을 엔터테인먼트로 소비했듯이, 스크린 안에서 벌어지는 콜로세움 전투는 관객들의 엔터테인먼트가 됐다. 콜로세움 관람에 관객을 참여하게 만드는 이 기묘한 위치와 이러한 위치로부터 생겨나는 감정은 이번에도 이중적인 태도로 루시우스와 검투사들, 로마 시민과 두 황제를 바라보게 한다.   막시무스와 똑같은 운명을 걷게 된 루시우스 역의 폴 메스칼을 보다 보면 의도하지 않아도 자연스럽게 러셀 크로우를 떠올리게 된다. 과연 막시무스의 유훈을 받아 든 루시우스처럼 '글래디에이터2'의 검투사가 된 폴 메스칼이 제대로 러셀 크로우의 유산을 이어받되 어떻게 자신만의 글래디에이터를 구축했는지 지켜보는 재미가 있다.   여기에 마크리누스 역의 덴젤 워싱턴의 연기는 왜 리들리 스콧 감독이 '아메리칸 갱스터' 이후 17년 만에 다시 그의 손을 잡아야만 했는지 보는 순간 납득할 수밖에 없게 만든다. 폭력적인 힘에 대한 갈망과 정치적인 탐욕에 물든 그의 눈빛은 콜로세움 전투만큼 강렬하다.   전편을 봤다면 '글래디에이터2'의 폭력성을 짐작할 수 있을 것이다. 여전히 피와 살이 튀는 콜로세움은 폭력적이고, 마치 고어 장르처럼 잔인하다. 이러한 액션에 취약한 관객이라면 주의가 필요하다.   148분 상영, 11월 13일 개봉, 청소년 관람 불가. 2024.11.13 05:00

나는 누군가에게 먼저 손 내밀 수 있을까 '연소일기'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   단 한 사람의 손길이 절실한 누군가를 위해 먼저 손 내밀 수 있을까. 그리고 그러한 손길이 건네졌을 때 기꺼이 맞잡을 수 있을까. 이런 다정함으로 우리는 우리가 바라던 어른이 될 수 있을까. '연소일기'는 마음속에 파문을 일으키면서도 사려 깊게 이러한 물음을 건넨다.   "나는 쓸모없는 사람일까?" 한 고등학교 교실의 쓰레기통에서 주인 모를 유서 내용의 편지가 발견된다. 대입 시험을 앞두고 교감은 이 일을 묻으려고 하고, 정 선생(노진업)은 우선 이 편지를 누가 썼는지부터 찾아보자고 한다.   편지와 학생들의 글씨 모양을 비교하던 정 선생은 편지 속 한 문장에 자신의 어린 시절을 떠올리며 오래된 일기장을 꺼내 든다. 열심히 쓰다 보면 바라던 어른이 될 거란 믿음으로 써 내려간 열 살 소년의 일기를 읽으며 정 선생은 묻어뒀던 아픈 과거와 감정들을 마주하고, 학생들을 위해 마음을 열기 시작한다.   제29회 부산국제영화제를 눈물바다로 만들었다는 '연소일기'(감독 탁역겸)는 한 고등학교 교사가 교실의 쓰레기통에서 발견된 주인 모를 유서를 보며 기억 속에 묻어버린 어린 시절을 마주하게 되는 이야기를 담았다.   "나는 쓸모없는 사람이고, 빠르게 잊힐 것이다"라는 문장이 담긴 한 장의 편지가 발견되지만, 학교는 이를 조용히 묻고자 한다. 학생의 안위보다 대입 시험을 앞두고 학교가 어수선해질 것이 걱정이기 때문이다. 그러나 정 선생은 편지를 쓴 학생을 찾아 나선다. 그 역시 어릴 적 "나는 쓸모없는 사람"이라는 문장을 봤기 때문이다.   영화는 현재의 정 선생과 과거의 요우제(황재락)의 시점을 오가며 진행된다. 동생 요우쥔(하백염)은 공부면 공부, 피아노면 피아노, 뭐 하나 못 하는 게 없는 반면 형 요우제는 모든 게 동생에 뒤처졌다. 대신 요우제에게는 다른 가족에게는 없는 풍부한 상상력과 상냥함이 있지만, 아이를 계량적으로만 측정하려는 아빠와 엄마는 그런 요우제를 물리적이고 정신적인 폭력적으로 대한다.   그럼에도 요우제는 만화책 '해적 이야기'를 보며 '내가 원하는 모습'의 어른이 될 것을 꿈꾸고, 아빠와 엄마를 '가족'으로서 사랑한다. 동생 요우쥔을 질투하지도 않고 그저 '가족'으로 사랑한다. 요우제는 그런 아이이다. 요우제에게 필요한 것은 따뜻한 말 한마디, 그저 작은 사랑 한 조각뿐이다.   어린 시절 모두에게 외면받는 요우제에게 유일하게 다정함을 베푼 건 피아노 과외를 해 준 천 선생님뿐이다. 원하는 어른이 되고 싶었던 요우제는 천 선생님처럼 좋은 선생님을 꿈꾼다.   그 꿈을 떠올린 현실의 정 선생은 "나는 쓸모없는 사람"을 쓴 편지의 주인공을 적극적으로 찾으며 아이들을 만난다. 마음의 상처를 지닌 아이들에게 진심으로 다가가며 위로한 정 선생의 진심을 받은 아이들은 닫혀있던 마음의 문을 연다. 아이들 역시 어린 요우제처럼 다정함의 한 조각이 절실했기 때문이다.   이 과정에서 마음의 문을 열고 오래된 내면의 상처, 즉 트라우마를 극복해 가는 건 학생들뿐만이 아니다. 정 선생 역시 한 장의 편지에서 시작한 여정에서 오랜 시간 펼쳐 들지 못했던 일기장을 다시 마주할 용기를 얻는다.   정 선생이 일기장을 펼쳐 든 순간, 정 선생과 영화가 감춰왔던 비밀이 드러난다. 그리고 이 비밀은 관객들을 영화의 제일 첫 장면으로 다시금 데리고 간다. 영화는 제일 처음, 관객들을 충격으로 빠뜨리나 싶더니 이내 안심시키며 시작했다. 이에 경계를 허물고 영화를 대했던 관객들은 일기를 다시 꺼내 맨 처음 장을 들추듯이 다시 한번 영화의 시작 장면을 떠올리게 된다.   영화의 반전은 관객들의 집중력을 높이며 조금 더 정 선생의 이야기 안으로 파고들게 만드는 동시에 우리가 지금까지 요우제와 요우쥔의 이야기 그리고 학생들의 이야기를 보며 무엇을 놓치고 있었는지 더듬어 보게 한다.   어린 시절, 폭력적인 아빠와 엄마와는 다르지만 '외면'이라는 방식으로 형에게 손을 내밀지 못했던 요우쥔은 죄책감에 휩싸여 공부도, 피아노도 손에서 놓는다. 대신 형 요우제가 못다 이룬 꿈인 선생님이 된다. 그러나 상처를 상처로 덮으며 살아온 요우쥔은 어른이 되어서도 곳곳에서 어릴 적 상처를 만나고, 이는 행복이라는 길로 나아가는 것을 가로막는다.   모든 것이 산산조각이 난 건 요우쥔뿐만이 아니다. 그의 아버지 역시 요우제를 잃고 나서야 회한 속에 삶을 산다. 그 역시 정 선생처럼 밖으로 드러나지 못한 채 속으로만 끌어안고 살아온 것이다. 아버지를 원망했던 정 선생 그리고 죽음이 임박한 아버지는 결국 마지막의 마지막에서야 가까스로 서로 묻어왔던 마음을 밖으로 토해낸다.   형을 향한 죄책감과 아버지에 대한 원망이라는 오랜 트라우마를 하나둘 꺼내어 마주한 정 선생은 그제야 진정으로 그동안 차마 애도할 수 없었던 형 요우제를 애도한다. 그렇게 어린 요우쥔을 내면의 어둠 속에 가둬놨던 정 선생은 어린 요우쥔과 어른이 된 요우쥔을 용서하고 마주 안아준다. 단 한 번의 진심 어린 손길을 원했던 학생들을 품에 안아줬던 것처럼 말이다.   영화는 정 선생의 과거의 현재를 통해 모든 것을 아이의 나약함으로 치부하는 어른들의 모습, 아이들을 성적이라는 수치로 계량해 대하고, 꿈을 빼앗는 어른들의 사회를 부끄럽게 만든다. 그러나 단순하게 부끄러움을 느끼는 것으로 그치지 않는다.   누군가에게 먼저 손을 내밀 수 있는 다정함은 물론 그러한 다정함을 받아 드는 것조차 용기가 된 세상에서 '연소일기'는 잊고 있었던 그 다정함이라는 제목의 일기장을 다시 펼쳐 들고 한 줄 한 줄 새겨 넣을 용기를 전한다. 그러나 결단코 이를 강요하지 않는다. 그저 정 선생과 함께 그의 과거를 한 장씩 넘기다 보면 자연스럽게 다가온다. 필요한 건 영화가 건넨 다정함을 받을 용기뿐이다.   감독은 과거와 현재를 오가며 어수선해질 수 있는 동선을 깔끔하게 정리하며 관객들이 그저 스크린에 몰입만 할 수 있게끔 했다. 또한 어둡고 무거울 수 있는 이야기지만 그조차도 다정하고 사려 깊게 펼쳐냈다. 여기에 정 선생 역 노진업과 요우제 역 황재락, 요우쥔 역 하백염의 섬세한 연기는 그 자체로 설득력을 갖는다. 그렇기에 관객들은 머리가 아닌 마음으로 영화에 다가갈 수 있다.   95분 상영, 11월 13일 개봉, 15세 이상 관람가. 2024.11.12 05:00

JX 김재중-김준수, 동방신기 노래로 추억 소환[노컷 리뷰] 일렉(전자) 기타 연주가 격해졌고, 무대 위에서는 불이 뿜어져 나왔다. 익숙한 전주가 나오자, 관객석은 단숨에 열광의 도가니가 됐다. 9일 저녁 6시, 서울 송파구 올림픽공원 체조경기장(케이스포돔)에서 김재중과 김준수가 '제이엑스'(JX)라는 이름으로 연 합동 콘서트 '아이덴티티'(IDENTITY) 둘째 날 첫 곡은 동방신기(TVXQ!)의 대표곡인 '라이징 선'(Rising Sun)(순수)이었다. 유노윤호·영웅재중·믹키유천·시아준수·최강창민까지 총 5인으로 데뷔해 신드롬적인 인기를 끌고, '2세대를 열었다'라는 평가를 받는 그룹 동방신기는 전속계약 분쟁으로 인해 김재중·박유천·김준수가 팀을 탈퇴하고 현재 유노윤호·최강창민으로 활동 중이다. 이날 JX의 콘서트 세트 리스트는 5인 시절 동방신기 곡이 대다수를 차지했다. 앙앙코르였던 '러브 인 디 아이스'(Love In The Ice)까지 총 25곡(완곡하지 않고 일부만 부른 곡까지 전부 포함) 중 18곡이 동방신기 시절 노래였다. 양쪽 소속사에 따르면, 이번 '아이덴티티' 콘서트 세트 리스트는 '팬들이 가장 보고 싶어 하는 곡들로 의견을 모아' 구성했다고. 두 번째 곡은 일본 발표곡으로 한국어 번안 버전도 나온 '퍼플 라인'(Purple Line)이었다. 곡명에 맞게 무대 위 조명도 보랏빛으로 변한 가운데, 일렉 기타와 드럼 사운드가 특히 돋보이는 밴드 라이브 연주와 함께 모처럼 두 사람의 목소리로 부르는 '퍼플 라인'이 체조경기장을 가득 채웠다. 대표적인 SMP(SM Music Performance) 곡으로 꼽히는 '오정반합'(O-正.反.合)에서는 고음은 물론 댄스 브레이크까지 너끈히 소화했다. 합동 콘서트를 위해 15~20년 전 노래의 무대를 준비한 것에 관해, 두 사람은 어느 정도 걱정했다고 밝혔다. 김준수는 "사실 어제(8일) 좀 긴장을 많이 했다. 아무래도 거의 20년 만에 부르는 곡들이 있다 보니까… 물론 우리가 이걸 잘할 수 있을까에 대한 걱정도 있었지만, 여러분들이 이걸 얼마나 좋아해 주실까 하는 기대 반 걱정 반이 있었는데 어제 무사히 잘 끝났다. (오늘도) 여유롭게 즐기면서 그렇게 잘 마지막까지 잘 가볼 수 있도록 하겠다"라고 말했다. "제가 어제 느낀 게 있다"라고 한 김재중은 "저희가 오랜만에 부르는 노래와 음악이 있다 보니까 '어, 내가 단숨에 같이 따라 불러도 되는 건가?' 하고 몇 초의 딜레이(지연)하는 분들을 (관객석에서) 발견했다. 생각나시면 바로 부르셔도 좋다, 한마음으로"라고 권했다. "여러분들은 저희 (공연에서) 뭐 부르는지 전혀 모르시지 않나"라고 하자 "네!"라고 하는 관객을 향해 김준수는 "거짓말하네~"라며 웃은 후, "그러면 너무 놀라시겠다. 여튼 여러분들의 연기가 참 대단한 걸 알았다. 마지막까지 정말 오랜만에 듣는 곡들로 거의 모두가 꾸며져 있으니까 여러분들은 그저 즐겨주시면 된다"라고 말했다. 예고한 대로 김재중과 김준수가 속해 있던 시절 동방신기 노래가 등장했다. 이번에는 발라드 섹션이었다. 밴드는 금세 감미로운 분위기로 변했고, 두 사람은 핸드 마이크로 '왓에버 데이 세이'(Whatever They Say)를 라이브를 들려줬다. 후렴을 포함해 화음 파트가 특히 많았던 '믿어요'를 부른 두 사람은 손을 잡는 것으로 훈훈하게 무대를 마무리했다. 한국은 물론 일본에서도 큰 사랑을 받았던 만큼, '스카이'(Sky) '스탠드 바이 유'(Stand By U) '아스와 쿠루카라'(明日は來るから, 내일은 오니까) '도우시테 키미오 스키니낫테시맛탄다로'(どうして君を好きになってしまったんだろう?, 왜 너를 좋아하게 돼 버렸을까?) '비긴'(Begin) '프라우드'(Proud)처럼 '토호신기'(Tohoshinki)로 발표한 곡도 이날 공연에서 무대에 올렸다. 토호신기는 동방신기가 일본에서 불린 이름이다. 또, 일본어 곡은 좌우 전광판을 활용해 일본어 가사와 한국어 뜻을 띄워 관객들을 배려했다. 가벼운 안무를 곁들인 밝은 분위기의 '스카이'를 부를 때, 김준수는 "여러분 이 노래 아시나?"라며 관객들을 일으켜 세웠다. 같이 춤춰달라고 요청한 김준수는 화려한 골반 돌리기는 물론 꽃받침 포즈로 어마어마한 환호를 끌어냈다. '스탠드 바이 유'부터 '아스와 쿠루카라' '도우시테 키미오 스키니낫테시맛탄다로'의 발라드 섹션에선 두 사람의 20대 시절 영상이 등장해 장내를 뭉클하게 했다. "이번 콘서트가 너무 오랜만이기도 하고 사실 또 언제 다시 하게 될지 모를 콘서트이기 때문에"라고 운을 뗀 김준수는 "좋은 곡들을 많이 들려드리고 싶어서 일본에서 들려드렸던 토호신기의 노래를 불러봤는데 어떠셨나. (여러분) 입 모양을 보니까 다 따라 불러주시더라. 너무 감사하다. 너무 꿈만 같다"라고 감격스러워했다. 김재중은 "저희 둘이 함께해서 그동안 부르지 못했던 노래를 여러분들 앞에서 부르고는 있지만 아직도 못했던 이야기가 참 많다. 너무 많은 이야기들이 있지만 사실 '저희들은 그랬었지' 하면서 이야기할 수 있지만 뭔가 말 못 할, 그리고 말 못 한 이야기가 어쨌든 이 음악 속에 놓여 있다. 이 음악을 느낄 때, 노래를 할 때 답답함이 좀 해소되는 게 있는 것 같다"라고 털어놨다. 그러자 김준수는 "노래할 때 팬분들 보면서 노래하는 것도 너무 울컥하지만, 제가 발라드 하면 거의 오른쪽 끝에 있고 재중이 형이 가운데쯤 있었고 화음 할 때 이런 식으로(서로 바라보며) 했다. 막 그 생각이 나면서… 형 눈을 보고 싶은데 울까 봐"라고 말했다. 이어 "저희도 그때 시절로 돌아간 듯하고 그 시절이 저희에게는 어떻게 보면 아프기도 하고 영광스럽기도 하고 그게 되게 복잡미묘하게 있는 추억들"이라며 "가장 중요한 건 그 시절이 있었기 때문에 그 노래를 또 여러분들이 들으러 와 주셨고 여러분 앞에서 노래한다는 것 자체가 너무나 영광스럽고 너무나 기쁘고 오늘 너무나 행복한 거 같다. 너무나 감사드린다"라고 부연했다. 공연 중반부는 개인 무대가 등장했다. 김준수는 '타란탈레그라'(Tarantallegra) '꽃' '락 더 월드'(ROCK THE WORLD)를, 김재중은 '디보션'(Devotion) '서머 제이'(Summer J) '글로리어스 데이'(Glorious Day)로 각자의 개성이 담긴 음악색을 보여줬다. 베이스와 기타 연주가 인상적이었던 '더 웨이 유 아'(The Way U Are)에서는 팬들의 응원법이 뒤따랐다. 김재중과 김준수가 노래 한 소절을 부르고 나면 '영웅재중' '시아준수'라는 옛 활동명을 외치는 함성이 우렁찼다. 기세를 이어받은 마지막 곡은 '주문-미로틱(MIROTIC)'이었다. 밴드 라이브로 편곡해 새로운 강렬함을 선사했다. 이렇게 본 공연이 끝났다. 앙코르곡은 '허그'(Hug)였다. 교복 스타일링을 하고 나온 두 사람은 앉아서 그들의 '처음'을 노래했다. 가장 어렸을 때 부른 데뷔곡이라 그런지, 특히 멤버들의 깜찍함이 두드러졌다. 댄스 브레이크에서 작은 실수를 하고 "내가 틀렸다!" 하고 큰 소리로 실토한 김재중은 '야옹' 하며 고양이 같은 포즈를 취했고, 손하트를 그렸다. 두 사람은 사이좋게 어깨동무한 채로 노래하기도 했다. 김재중과 김준수의 미성이 인상적인 '풍선'(Balloons)을 부를 때는 무대를 벗어나 1층과 2층 객석으로 가 팬들과 더 가까이 호흡했다. 이동차를 타고 2층을 돌아다닐 때 어느 때보다 큰 함성이 쏟아졌다. JX로 뭉친 후 '5세대 아이돌'을 자처하는 이들은 노련하게 다양한 표정과 애교를 선보이기도 했다. 김준수는 김재중을 바라보며 "형은 진짜 잘한다. 오늘 재중이 형이 론칭한 그룹분들이 오셨는데, 대표님이 이러고 있는 모습 보는 거 어떻냐?"라고 해 폭소를 자아냈다. 김재중은 '21년 차의 진득한 애교를 보여줬다' 같은 제목의 기사가 나갈 수 있게 하자며 김준수에게 애교를 보여달라고 요청했다. 김준수는 "애교를 보여준다? 사실 제가 이런 걸 잘 부끄러워하고 민망해한다. 은근히 좀 이런 게 낯간지럽고…"라고 경계하다가 꽃받침을 한 모습으로 호응을 받았다. 김준수를 보고 "진짜 변한 게 없다. 화면으로 보니까 너무 똑같다"라고 한 김재중은 "요즘 많이 하는 거"라며 아궁빵(아기궁뎅이빵) 포즈를 취했다. 팬들과 함께 완성한 노래도 있었다. '넌 언제나' 무대 때 김준수가 "지금부터 여러분만 노래 불러보겠다. 어제보다 더 잘 불러야 한다"라고 하자, 팬들은 정연한 떼창으로 화답했다. 본 공연을 마친 후 앙코르 시간에는 팬들이 '돈트 세이 굿바이'(Don't Say Goodbye)를 부르는 이벤트도 있었다. 김재중은 "너무 잘 불러. 아니 어떻게 그렇게 노래를 잘하냐"라고, 김준수는 "옷 갈아입으면서 감동받았다"라고 감탄했다. "불러줘! 불러줘!"라는 연호가 나오자, 김준수는 원래 이 곡을 세트 리스트에 넣을까 고민했다는 뒷이야기를 들려줬다. 하지만 "약간의 아쉬움을 드리고 싶어서" 결국 빠졌다고 덧붙였다. 김재중은 다시 한번 팬들이 부르는 '돈트 세이 굿바이'를 듣고 싶다며 밴드 연주를 부탁했다. 두 번째로 부른 '돈트 세이 굿바이'는 김준수도 함께 불러 아름답게 완성했다. 김재중은 "저는 화면 속 여러분을 봤었는데 눈물을 흘리시는 분들을 보면서도 사실 저는 되게 속으로는 너무 미소를 짓고 싶다고 생각하고 있었다. 뭔가 그립고 슬프고 외롭고 그런 감정보다도 결국에 지금 같이 있지 않나. 지금 함께하고 있는 이 순간에 감사함을 느낀다"라고 말했다. 앞으로 JX 콘서트를 다시 연다면 '돈트 세이 굿바이'를 부르겠다고 밝힌 김준수는 "이 노래는 정말 부르기 힘들더라. 정말 눈물 많이 나오고. 이 노래가 저희가 헤어지기 전에 마지막으로 불렀던 한국에서의 노래여서 그런지 몰라도 유독… 의미가 남다른 곡"이라고 고백했다. 코러스, 댄스 크루, 밴드 등 공연을 함께 만든 주역을 소개한 후, 이번 공연 안무를 전담한 정건영 퍼포먼스 디렉터를 무대 위로 올려 고마움을 전했다. 제이와이제이(JYJ) 시절의 곡 '엠프티'(Empty)로 공연을 끝내는 듯했으나, 앙앙코르(앵앵콜)곡 '러브 인 디 아이스'로 180여 분의 공연을 끝맺었다. 빠르게 전석 매진돼 시야제한석까지 추가 판매한 이번 서울 공연은 관객의 열기로 가득했다. 소속사는 오늘(10일) 열리는 마지막 날 공연까지, 회당 1만 명씩 총 3만 관객을 동원했다고 설명했다. JX는 12월 14~15일 일본 사이타마 베루나 돔에서도 '아이덴티티' 공연을 잇는다. ▶ 11월 9일 '아이덴티티' 세트 리스트 1. 라이징 선 2. 퍼플 라인 3. 오정반합 4. 왓에버 데이 세이 5. 믿어요 6. 스카이 7. 넌 언제나 8. 그리고… 9. 타란탈레그라+꽃 10. 락 더 월드 11. 디보션 + 서머 제이 12. 글로리어스 데이 13. 스탠드 바이 유 + 아스와 쿠루카라 + 도우시테 키미오 스키니낫테시맛탄다로 14. 비긴 + 프라우드 15. 더 웨이 유 아 16. 주문 (앙코르) 17. 허그 18. 풍선 19. 엠프티 (앙앙코르) 20. 러브 인 디 아이스 ※ 완곡하지 않고 일부만 부른 노래도 모두 세었을 때 25곡입니다. 2024.11.10 10:00

도영 "여러분 곁에서 제 노래는 떠나지 않을 거예요"[노컷 리뷰] 솔로 첫 투어를 시작한 지 5개월여 만에 다시 한국으로 돌아온 그룹 엔시티(NCT) 도영은, 앙코르 콘서트에서 본인을 "열심히 노래하고 있는" 도영이라고 소개했다. 사실상 이번 공연에 관한 예고장이었다. 공연의 문을 연 첫 곡 '반딧불'(Little Light)부터 팬들의 뜨거운 '앙앙코르'(앵앵콜) 요청으로 부른 진짜 마지막 곡 '시리도록 눈부신'까지, 도영은 한 곡 한 곡을 정성스럽게 불렀다. 3일 오후 4시, 서울 송파구 올림픽공원 SK핸드볼경기장에서 도영의 앙코르 콘서트 '디어리스트 유스'(Dearest Youth,) 마지막 날 공연이 열렸다. 8년 만에 나온 솔로 데뷔곡 '반딧불'을 첫 곡으로 택한 도영은 무반주 상태에서 일부 구절을 불러 초반부터 '가창'으로 관객들의 주의를 끌었다. 웅장한 기타 연주와 풍성한 콰이어가 조화로운 팝 록 '로스트 인 캘리포니아'(Lost In California), NCT 멤버인 해찬과 함께한 '매니악'(Maniac)의 솔로 버전을 차례로 불렀다. 앙코르에 맞춰 달라진 공연명은 기존 '디어 유스'에서 한 단계 발전한 '디어리스트 유스'다. 도영은 "제가 할 수 있는 노래로 (여러분을) 응원해 보겠다는 의미가 담겼다"라고 설명했다. 오늘 부르는 노래가 '각자 열심히 청춘을 사는 관객'에게 '오늘의 OST'처럼 다가간다면 이번 공연은 성공일 것 같다고도 덧붙였다. 아직 솔로로는 한 장의 앨범만 낸 '신인'이고, 새 콘서트가 아닌 앙코르 콘서트이기에 '디어리스트 유스'의 세트 리스트 뼈대는 '디어 유스'를 기초로 했다. 도영이 솔로로서 세상에 내놓은 '첫 앨범'을 귀 기울여 감상할 수 있도록 한 것은 같았지만, 신곡이 추가되고 기존 코너를 확장·발전해 변화를 꾀했다. 우선 신곡 무대만 4곡이 추가됐다. 가수 정준일의 원곡을 리메이크한 프로젝트 발표곡 '첫사랑'은 호흡이 많이 섞여 촉촉하면서도 아련한 느낌을 주는 도영의 목소리와 잘 어울렸다. 플레이리스트를 만드는 유튜버로 유명한 '에센셜'(essential;) 프로젝트 발표곡 '17'은 청량하면서도 희망찬 분위기의 노래였다. 곧 음원으로 발표할 예정인 '눈의 꽃'은 드라마 '미안하다 사랑한다'의 OST로, 국내에서는 박효신이 불러 큰 사랑을 받은 바 있다. 피아노 연주와 도영의 목소리만 있는, 최대한 '덜어낸' 무대여서인지 더 노래에 몰입할 수 있었다. 특히 피아노 연주는 곡이 지닌 슬픈 정서를 아름답게 표현하는 데 큰 역할을 했다. 도영은 "사실 '눈의 꽃' 이 버전은 이 공연에서만 볼 수 있다. 음원은 확장 버전으로 악기가 합쳐져 있다"라고 귀띔하기도 했다. 신곡 중 가장 마지막에 등장한 곡은 '시리도록 눈부신'이다. 올해 스물아홉이 된 도영이 20대를 달려온 본인과 같은 시간대를 사는 모든 이들을 응원하는 곡이다. 수많은 히트곡을 쓴 작곡가 켄지가 작사했고, 도영과 '새봄의 노래'(Beginning)로 합을 맞춘 적이 있는 서동환이 공동 작곡했다. 도입부터 고음을 내질러야 하는 '시리도록 눈부신'은 저음부터 고음까지 넓은 음역을 오가면서도, 진성을 쓰는 부분이 대부분이고 이른바 '고음 파티' 구간은 숨 쉴 틈도 없어 보여서 상당히 어려운 곡으로 느껴졌다. 그러나 도영은 튼튼한 성량과 깨끗한 발음, 특유의 섬세한 표현력으로 관객에게 신곡을 '잘 전달'했다.   지난 콘서트에서 팬들에게 가장 큰 화제가 됐던 랩 퍼포먼스 영상 '디와이 트랙'(DY TRACK)과 NCT 노래 메들리는 이번에도 세트 리스트에 포함됐다. 여기에 도영은 본인이 속한 팀 엔시티 127(NCT 127) 곡 랩을 라이브로 선보여 열광적인 환호를 받았다. '퍼레이드'(Parade)(행진)과 '팩트 체크'(Fact Check)(불가사의; 不可思議) 같은 비교적 최신곡부터 '체인'(Chain)과 '매드 시티'(Mad City) 등 초기 곡까지 4곡을 소화했다. 전 곡을 '밴드 라이브'로 진행했고, 안무가 전혀 없는 콘서트였기에 랩 메들리는 세트 리스트 가운데 가장 이질적이었다. 하지만 도영이 속한 그룹 'NCT'를 좋아하는 관객에게는 오히려 익숙한 구석도 있었다. 관객석의 시즈니(공식 팬덤명 '엔시티즌'의 별칭)는 누가 시키지 않았는데도 자연스럽게 랩 파트를 떼창해 열기를 돋웠다. 팀 내 메인보컬로 계속 '노래'만 해 온 도영은 랩을 라이브로 들려주는 것에 조금은 부담이 있었는지 관객들에게 "여러분 준비됐어요? 저는 아직 안 됐어요!"라고 해 웃음을 자아냈다. 또, 관객들은 도영이 완전히 마무리하지 않았음에도 '팩트 체크'의 하이라이트 부분을 무반주로 떼창해 눈길을 끌었다. 관객이 적극적으로 참여해야 하는 곡도 있었다. '로스트 인 캘리포니아' '17' '댈러스 러브 필드'(Dallas Love Field)에서는 특정 파트를 따라 부르도록 했고, 김세정과의 듀엣곡 '별빛이 피면'(Star Blossom), 태연·마크와 함께한 '타임머신'(Time Machine)에선 김세정과 태연 파트가 관객 몫이었다. 도영은 "절대 멋있으려고 랩을 한 게 아니다. '잘하지도 못하는데 왜 랩을 하지?'라고 생각할 수도 있지 않나. 그런데 자기소개를 하자면, 저는 NCT 127이라는 그룹에서 노래를 많이 불렀고 랩은 한 번도 안 해봤는데 VCR과 연결해서 찐으로 보여드리면 도파민이 좀 터지지 않을까 하고 준비한 무대다. 너무 진지하게 '요놈 잘하나 보자!' 하기보다는 '생각보다 좀 치네(잘하네)?' 하고 그냥 그렇게 유쾌하게 봐주시면 좋겠다"라고 말했다. 커버곡 중 하나였던 '깊은 밤을 날아서'(원곡 이문세)는 도영이 안무까지는 아니지만 유일하게 살랑거리는 몸짓을 선보여 뜨거운 반응이 나왔다. 분위기를 환기하는 역할을 톡톡히 했을 뿐 아니라, 노래 파트를 자꾸만 권하는 도영과 이를 사양하는 피아노 연주자와의 '밀당'이 펼쳐져 보는 재미가 있었다. '디어리스트 유스,'는 '보컬리스트' 도영이 어디까지 할 수 있는지를 충분히 넘치게 드러내는 공연이었다. 솔로 첫 투어 '디어 유스'의 시작이었던 서울 공연 때도 부족함 없는 무대를 보여줬다고 생각했는데, 5개월 여만에 돌아온 앙코르 콘서트에서, 도영은 가창력과 표현력으로 '성장'을 증명했다. 이전보다 성량도 커졌고, 음정의 정확도가 높아진 것을 어렵지 않게 확인할 수 있었다. 세트 리스트에 있던 몇몇 곡은 공연장에서 밴드 연주와 함께하는 '라이브'가 훨씬 듣기 좋았다. '첫사랑'은 절절한 감정이 더 생생하게 다가왔고, '인형' '끝에서 다시'(Rewind) '온기'(Warmth)는 감정 표현도 그렇지만 기술적인 부분을 흠잡을 데 없이 '구현'했다. '나의 바다에게'(From Little Wave)와 '새봄의 노래' '쉼표'(Rest) 등 '청춘의 포말' 수록곡은 거듭해 부른 덕인지 도영 안에서 더 '잘 익은' 듯 노련하게 들렸다. 곡과 한 몸인 듯 착 붙는 밴드 연주의 훌륭함도 꼭 언급하고 싶다. 원래 밴드 사운드로 만들어진 곡의 오리지널 연주뿐 아니라, NCT 메들리에서의 색다른 편곡을 듣는 재미가 있었다. 악기를 최소화했을 때도, 모든 악기가 다 움직여야 했을 때도 저마다의 매력이 피어났다. 밴드는 도영이 옷 갈아입을 때는 순식간에 공연장을 재즈 바로 바꿔버렸고, 앙코르 땐 공연 마지막 날을 기념해 토끼 핀을 꽂고 나와 귀여움을 뽐내기도 했다. 11월인데도 낮 기온 20도를 넘긴 더운 날씨에 자기를 보러와 준 관객들에게 고마움을 표한 도영은 "여러분도 각자 인생이 있을 텐데, 여러분이 주인공인 영화의 가장 벅찬 순간에 나올 수 있는 OST를 부르고 싶은 사람이다. 여러분들의 가장 의미 있는 순간에 떠오르는 노래가 제 노래였으면 좋겠다는 생각을 가끔 하는 것 같다"라고 말했다. 제작진이 본인을 "더 좋은 무대"에서, "더 좋은 음향 환경"에서 노래할 수 있게끔 최선을 다해줬다고 언급한 도영은 "공연을 준비하면서 솔직히 제가 좀 잘 살았구나 하는 걸 느꼈다"라며 "어떠한 방법이 되든 꼭 보답하는 제가 되겠다"라고 강조했다. 팬이 보낸 편지에서 따온 구절에서 영감을 받은 팬 송 '디어'(Dear)를 부른 후, 도영은 '오해 없이 듣길 바란다'라며 팬들이 본인을 "너무너무 사랑하지는 않았으면 좋겠다"라고 밝혔다. "그냥 적당히 좋아하고 적당히 응원"하길 바란다고 덧붙였다. "저는 진짜 오래오래 노래를 할 거기 때문에 여러분들의 곁에서 제 노래는 떠나지 않을 거예요. 진짜 어느 순간 갑자기 힘들다? 너무 힘들잖아요, 스탠딩에서 공연 보면. 힘든 일 자처하면서까지 보러와 준 게 너무 고마운 거예요. 너무 힘들다고 생각하면 쉬셔도 돼요. 어느 순간에 '아, 너무 힘들다' 할 때 제 노래가 여러분 곁에 있을 거예요. 아무 음원 사이트 들어가서 제 노래 한 번 들으세요. 그게 저는 여러분과 저희가 오래오래 함께할 수 있는 방법이라고 봐요." 이날 공연장에는 NCT 127 멤버인 쟈니, 정우를 비롯해 엑소(EXO) 수호와 디오, 레드벨벳(Red Velvet) 슬기, 방송인 조나단 등이 응원 방문했다. 관객들은 사진 촬영 시간에 "도영아 사랑해!"라고 외치고, '쉼표' 떼창 이벤트를 진행했다. '김도영'을 연호하며 앙앙코르를 요청했고, 도영은 다시 나와 첫 곡인 '반딧불'과 신곡 '시리도록 눈부신'으로 공연을 마무리했다. 향기로도 기억되고자 하는 마음에 싱그러운 풀 향을 분사하고, 행운을 뜻하는 네잎클로버 모양의 콘페티를 터뜨린 도영의 공연은 지난 1일부터 3일까지 사흘 동안 시야제한석까지 매진돼 총 1만 5천여 관객을 모았다. 한편, 도영의 신곡 '시리도록 눈부신'은 오는 6일 저녁 6시에 정식 발매된다. 2024.11.04 07:00

불안하게 파고드는 악마적인 공포 '롱레그스'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   보이지 않는 듯 주변을 맴도는 공포, 그리고 공포의 실체를 추적해 가는 주인공의 심장박동이 안겨주는 불안과 긴장을 스크린에 옮긴 영화가 있다. 여기에 오컬트적인 해석은 물론 시대의 불안, 개인의 두려움을 '호러'라는 장르 안에 상징적으로 녹여낸 영화, 바로 '롱레그스'다.   30년간 계속된 일가족 연쇄 살인 사건, 유일한 증거는 피해자의 생일이 14일이라는 것과 '롱레그스'라는 서명이 적힌 암호 카드뿐이다. 영원히 미제로 남을 뻔한 사건에 남다른 능력의 FBI 요원 리(마이카 먼로)가 투입되고, 지금껏 아무도 알아내지 못한 암호를 해석한다.   '롱레그스'(Longlegs)라는 기묘한 제목을 지닌 영화는 오프닝 시퀀스부터 마치 최면을 걸듯 관객들의 무의식에 무언가를 삽입하려는 것처럼 몇 가지 이미지들을 시퀀스 안에 숨겨놓으며 시작한다. 이후 4:3 비율의 35㎜ 질감 화면으로 1970년대 과거 모습을, 우리에게 익숙한 16:9 비율로는 극 중 현재 시대인 1990년대를 표현하는 등 종횡비와 질감을 달리해 시대를 오간다. FBI 요원이 의문의 연쇄살인마를 추적해 나가는 '롱레그스'의 설정과 전개는 '양들의 침묵' '조디악' 나아가 '큐어' 등을 떠올리게 한다. 이에 기시감을 가질 수 있지만, '롱레그스'가 불안과 공포를 자아내는 방식은 남다르다. 슬래셔나 고어 등의 장면보다는 주인공과 그의 내면을 투영한 듯한 사운드 디자인을 통해 불안과 두려움을 피부밑으로 스며들게 만들며 관객들을 압도해 나간다. 또한 오히려 눈앞에 있음에도 그 실체를 제대로 파악하지 못하도록 연출한 점 역시 이 영화의 특징 중 하나다. 영화 초반, 키가 작은 어린 리 하커에게 찾아온 큰 키를 가진 롱레그스의 얼굴이 보이지 않는 것부터 시작해 영화 내내 눈에 잘 띄지 않게 숨겨져 있는 악마(사탄)의 형상처럼 말이다.   영화의 현재 시점의 배경이 되는 시기는 1990년대, 정확히는 빌 클린턴 대통령 재직 시기다. 적어도 1993년 이후로 추정되는 시기에 FBI 요원인 리 하커가 정체불명의 연쇄살인마 롱레그스를 추적해 나간다. 영화와는 무관하지만, 공교롭게도 1993년 빌 클린턴은 대통령이 된 직후 종교적 극단주의자들에 대한 FBI의 공격을 승인했다는 점은 제법 흥미롭게 다가온다.   영화의 주인공인 리 하커는 어딘지 모르는 직관, 마치 영적인 능력이 있는 것처럼 보이는 인물이다. FBI는 이러한 하커의 능력을 이용해 롱레그스를 잡으려고 한다. 하커가 여러 단서, 암호 편지 등을 분석하고 해독해 롱레그스의 정체를 찾아 나가는 것처럼 관객들 역시 영화 안에 담긴 여러 기호와 상징, 하커의 발자취를 뒤쫓고 파헤치며 영화를 해석해나가야 한다.   그렇기에 영화는 어떻게 보면 불친절하고, 특히 마지막 3장에서는 많은 것을 관객에게 맡겨둔다. 그러나 그만큼 종교적으로나 사회적, 심리적으로 해석할 여지가 많고 다양한 방식으로 이를 찾아내고 의견을 교환하는 재미가 있는 작품이다. 그리고 영화에 영향을 미친 요소들을 통해 '롱레그스'는 더욱더 확장된다.   재밌는 지점은 주인공의 이름이 리 하커라는 점이다. 소설 '드라큘라' 속 여자 주인공 미나 하커는 드라큘라에게 물려 그에게 정신적으로 종속되는 듯하지만, 정신이 연결됐다는 점을 이용해 드라큘라를 역추적한다.   '롱레그스'를 끝까지 보면 리 하커의 행보가 '드라큘라' 속 미나는 닮은 꼴이다. 사실상 하커는 사탄의 인형과도 같은 존재다. 다만 다른 인조 인형과 달리 하커는 살아있는 인형이라는 점이다. 영화 속 여러 단서, 사탄의 그림자 등은 하커의 능력이 사탄에게서 비롯된 것일지도 모른다는 의심에 확신을 불어넣는다.   이처럼 영화는 오컬트적인 면에서 '드라큘라'를 비롯해 사탄(악마)은 물론 초자연적인 요소와 사탄 숭배, 사탄주의자가 등장한다. 반복되어 나오는 요한계시록 13장 1절의 문구 "내가 보니 바다에서 한 짐승이 나오는데 뿔이 열이요, 머리가 일곱이라, 그 뿔에는 열 왕관이 있고 그 머리들에는 신성 모독하는 이름들이 있더라" 역시 '롱레그스'의 장르적 뿌리가 어디에 있는지와 함께 단서 중 하나로 제시된다.   동시에 롱레그스를 비롯한 영화 속 사탄숭배자는 심리적으로도 불안정한 존재들이다. 사탄 혹은 종교에 대한 강박적인 믿음과 숭배, 저장강박증, 자식을 지켜야 한다는 강박사고 등 불안정한 존재들이 비뚤어진 방식으로 내면을 표출하는 점은 인간 내면의 불안을 드러낸다. 심리적·정신적 측면에서의 접근도 가능한 지점이다.   여기에 리처드 닉슨의 1970년대와 빌 클린턴의 1990년의 비교라는 점도 주목할 만하다. '오멘 저주의 시작'이나 '악마와의 토크쇼'와 같은 호러 영화는 시대가 가진 불안과 혼돈에서 파생된 공포를 영화적으로 그렸다. 또한 영화에서 록 사운드를 자주 들을 수 있는데, 재밌는 건 록 음악을 사탄주의와 엮어서 생각하는 이들이 실제로 존재한다는 점이다. 상징을 연출에 활용한 점 역시 돋보인다. 특히 '롱레그스'의 주된 이미지인 사탄주의의 상징이자 666으로 해석된다는 역삼각형이 영화에 지배적으로 등장하는데, '역'(逆)이나 '삼각형'의 구도를 연출적으로나 스토리 전개, 화면 수도, 엔딩 크레딧 등에 적용했다.   이처럼 역삼각형과 사탄, 그리고 하커의 관계를 암시하는 단서는 영화 시작부터 마지막까지 다양한 방식으로 나타나고, 여러모로 흥미로운 배경과 조합, 상징과 사회·문화적인 요소가 담겼다. 그만큼 '롱레그스'는다양한 방식의 해석과 이야기가 존재한다. 그렇기에 처음부터 마지막까지 긴장을 놓칠 수 없고, 관객들은 '롱레그스'라는 영화의 정체를 추적해 가는 스크린 밖 '리 하커'가 되어야 한다. 영화의 주인공 하커가 추적하는 모든 사건의 중심에는 '사람'이 있다. 사탄은 오컬트적인 존재이자, 인간 내면의 악마를 뜻한다. 그러한 악마에 굴복해 자신이 살고자 다른 이들을 죽이는 존재는 이미 인간이 아닌 악마일 뿐이다. 롱레그스'가 공포스러운 가장 큰 이유는 바로 이러한 불안과 공포를 일으킨 주체가 결국 사람이라는 데 있다. 그렇기에 영화 내내 제대로 그 모습을 드러내지 않는 악마보다 배우들의 연기가 더 중요하다. 호러 영화를 언급하는 데 있어서 빼놓을 수 없는 배우인 마이카 먼로는 이번에도 탄성을 자아내는 연기를 선보인다. 특히 먼로의 연기는 그 자체로 관객들에게 불안과 공포를 안겨준다. 여기에 글램 록커이자 사탄숭배자로 변신해 기이하고 소름 돋는 모습을 완벽하게 연기한 니콜라스 케이지는 지금 할리우드에서 놓치지 말고 지켜봐야 할 배우임을 재확인시켰다.   두 배우뿐 아니라 감독의 다음 행보 역시 기대하게 했다. '이수' '싸이코' 등의 안소니 퍼킨스의 아들로 유명한 오스굿 퍼킨스 감독은 '저주받은 집의 한 송이 꽃' '그레텔과 헨젤'을 거쳐 '롱레그스'를 통해 '오스굿 퍼킨스'로서 주목해야 할 호러 감독임을 입증했다.   101분 상영, 10월 30일 개봉, 15세 이상 관람가. 2024.10.31 05:00

악취처럼 곳곳에 퍼진 혐오와 차별 '럭키, 아파트'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   혐오와 차별을 오감 중 하나로 느낄 수 있다면 어떤 형태로 다가올까. 우리 사회를 통찰해 온 강유가람 감독은 첫 장편 극영화 '럭키, 아파트'에서 '악취'라는 매개체를 통해 세상에 만연한 혐오와 차별을 찬찬히 들여다봤다.   영끌로 마련한 아파트는 선우(손수현)와 희서(박가영)가 꿈에 그린 보금자리다. 하지만 선우의 예기치 못한 실직으로 희서 혼자 대출이자를 떠안게 되자 둘 사이는 조금씩 삐걱대기 시작한다. 한편, 언제부턴가 아파트를 감도는 악취 때문에 두 사람은 극도로 예민해지고, 선우는 악취 원인을 밝히려 애쓰다 아파트 주민들과 충돌을 빚는다.   '이태원' '우리는 매일매일' 등을 통해 현시대에 대한 뛰어난 통찰과 해석을 보여준 강유가람 감독이 처음으로 장편 극영화를 선보였다. '럭키, 아파트'는 여성, 노인, 소수자 등을 향한 혐오와 차별을 감각적인 방식으로 포착해 '아파트'라는 일상적이면서도 사회 속 작은 사회 안에서 풀어냈다.   '럭키, 아파트'는 공동체인 듯 파편화된, 주거 공간인 듯 사유 재산인, 복합적인 현대 사회의 상징적인 공간에서 펼쳐지는 혐오와 차별, 그리고 단절과 애도에 대한 이야기다.   안정적인, 그야말로 '보금자리'라고 불려야 마땅한 주거 공간인 아파트는 악취로 인해 점차 불편한 공간이 된다. 그리고 악취는 아파트에 서서히 퍼져 나가며 불안과 아픔, 혐오와 차별을 끄집어내기 시작한다.   보이지 않지만 존재한다는 점에서 악취 그리고 혐오와 차별은 닮은 꼴이다. 영화에서 악취를 가장 크게 느끼고 불편해하는 인물은 바로 선우다. 성소수자라는, 일부 사회가 정상성을 벗어났다고 말하는 선우를 향한 혐오와 차별의 시선은 당사자인 선우 자신이 가장 크게 느낄 수밖에 없다.   그렇기에 다른 아파트 주민들 역시 악취를 느끼긴 하지만, 선우만큼 예민하지 않다. 오히려 예민하지 않은 척하려 한다. 그렇지만 주민들도 악취를 느낀다는 것은 그들은 아무렇지 않게 내뱉는 말이 알게 모르게 혐오와 차별이었음을 알려준다.   악취를 인지한 후 이에 어떻게 대응하는지 역시 선우와 다른 주민들 사이에 큰 차이를 보인다. 선우는 가장 적극적으로 악취를 없애기 위해 나서지만, 아파트 주민들의 고민은 오직 한 가지다. 바로 '집값'이다. 여기서 현대 사회의 또 다른 그림자가 하나 더 모습을 드러낸다.   악취의 원인은 선우와 희서의 아랫집 1310호에 사는 할머니의 고독사로 인한 것이다. 선우는 1310호 할머니가 홀로 외롭게 죽은 후 방치됐다는 사실을 안 후 악몽을 꿀 정도로 그 죽음을 마음 깊이 신경 쓴다. 극 중 대사에서도 나오지만 선우가 1310호 노인에게서 자신을 보았기 때문이다. 세상으로부터 격리되고, 단절되는 것에 대한 두려움 말이다.   앞서 말했듯이 아파트라는 공간은 집합체이지만, 파편화된 곳이기도 하다. 사람들은 노인의 죽음에 애도하기는커녕 혹시라도 아파트 바깥으로 사실이 알려지며 집값을 떨어뜨리지는 않을까 걱정한다. 그래서 주민들은 선우가 악취를 없애고자 하는 것도, 1310호 할머니를 애도하고자 하는 것도 못마땅하기만 하다.   그러나 선우는 이에 굴하지 않고 악취를 없애기 위해 적극적으로 행동한다. 악취를 없애려 나선 과정에서 할머니의 지인을 만난 선우는 할머니를 진심으로 애도하고자 하는 지인의 부탁까지 들어주고자 한다.   가장 낮은 곳, 사회 보장제도의 바깥, 공동체라는 울타리 밖에 놓인 약자이기도 한 선우는 같은 약자를 보듬고 도와주고자 한다. 이것이 바로 작은 연대이고, 제대로 된 애도다. 그리고 이는 지금 세상에 가장 필요하면서도 절실한 가치들이다.   아파트라는 공간은 우리 사회의 축소판이기도 하다. 그런 아파트라는 공간 안에서 악취라는 소재를 통해 벌어지는 일들, 보이는 모습들은 우리 사회가 어떤 모습이고 어떤 식으로 작동되고 있는지 압축해 보여준다.   영화가 전개되는 과정에서 여성과 노인, 소수자 심지어 길고양이라는 약한 존재들을 향한 여러 가지 혐오와 차별이 계속해서 드러난다. 이는 '정상성' '보통'이라는 말을 갖고 혐오와 차별임을 부정하며 나타난다.   그래서인지 영화를 보다 보면, 절대 스크린 밖으로 나올 수 없는 악취가 공기 중에 떠다니는 것처럼 느껴진다. 즉, 혐오와 차별이라는 악취를 느끼게 된다는 의미이다. 이게 바로 강유가람 감독의 힘이다.   '럭키, 아파트'는 혐오와 차별을 말하는 영화인 동시에 선우와 희서의 성장담이기도 하다. 두 사람은 서로의 관계와 각자의 내면에서 갈등과 충돌을 빚는다. 또한 각자가 어떻게 세상의 혐오와 차별에 맞서고 있는지, 그 안에서 그들이 어떤 고민을 안고 불안을 지니면서 살아내고 있는지 보여준다. 그렇지만 비 온 뒤에 땅이 굳어진다는 말처럼 두 사람은 혐오와 차별 앞에 함께 맞서고 서로를 좀 더 이해하며 둘의 관계는 물론 각자도 한층 단단해진다.   단편을 제외하고는 그동안 주로 다큐멘터리를 연출해 왔던 강유가람 감독은 우리 세상에 존재하는 혐오와 차별을 '악취'라는, 눈에 보이지 않지만 분명 존재하는 것으로 치환해 보여줬다. 우리 사회를 깊이 있게 들여다봐 온 감독의 시선이 장편 극영화에서 또 다른 방식으로 펼쳐지는 것을 목격한다는 건 그 자체로 즐거움이다.   여기에 손수현, 박가영이 보여준 현실에 발붙인 연기는 관객들을 '럭키, 아파트'에 발붙이며 선우와 희서의 성장에 함께 참여하게 만든다. 두 배우의 다음, 그다음 행보가 기다려지는 이유다.   96분 상영, 10월 30일 개봉, 15세 이상 관람가. 2024.10.30 05:00

내면을 뒤흔드는 긴장감 넘치는 만찬 '보통의 가족'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의 허진호 감독을 '멜로 대가'로 기억하는 사람들에게 '보통의 가족'은 감독의 새로운 대표작으로 기억될 수 있을 것이다. 감독은 인간의 양면성이란 오랜 질문으로 관객들의 내면을 뒤흔드는 '보통의 가족'이란 만찬을 숨 막히게 차려냈다.   '봄날은 간다' '8월의 크리스마스' '덕혜옹주' 등을 연출한 허진호 감독이 각자의 신념을 가지고 살아가던 네 사람이 아이들의 범죄 현장이 담긴 CCTV를 보게 되면서 모든 것이 무너져가는 모습을 담은 문제적인 작품 '보통의 가족'으로 관객들과 만나고 있다.   '보통의 가족'의 원작 소설인 네덜란드 작가 헤르만 코흐의 '더 디너'는 이번 영화를 포함해 서로 다른 나라에서 모두 네 차례 영화화된 작품이다. 그만큼 시간과 공간을 넘어 '보편성'을 가진 이야기, 바로 인간의 양면성을 다뤘기 때문이다.   보통 동전을 예시로 양면성을 표현하는데, '보통의 가족'이 양면성을 표현하는 방식은 뫼비우스의 띠에 가깝다. 서로 다른 면이 마주 보지 못하는 동전과 달리 '보통의 가족' 속 인물의 경우 선과 악, 겉과 속이 뒤집혀 맞물리고 이야기의 구조 역시 영화의 중심을 따라 이동하면 처음과 닮은 끝으로 돌아오기 때문이다.   영화는 인간 내면의 악이 어떻게 폭력적으로 발현되고, 그것이 어떤 결과를 가져오는지 보여주며 시작한다. 현실에서도 종종 뉴스에서 접할 수 있는 사건이다. 현실과의 접점을 만든 '보통의 가족'은 시작부터 겉과 속의 괴리에 대해 암시하며 관객들에게 본격적인 이야기를 들려준다.   표면적으로 가장 대비되는 건 속물적인 변호사 재완과 원칙주의 의사 재규다. 한쪽은 돈을 위해서라면 가해자도 '무죄'로 만드는 데 주저하지 않고, 한쪽은 돈과 별개로 환자의 목숨을 위해서 주저하지 않는다. 한눈에 봐도 서로 다른 신념을 지닌 듯한 두 형제는 그들의 아내조차도 대비되는 모습을 보인다. 물론 여기까지는 표면적인 모습이자 도덕적이고 이상적으로 보이는 재규 부부의 말을 통해 전달되는 모습이다.   저마다 정갈하게 세팅된 고급 레스토랑의 음식들처럼 각자 자신을 보기 좋게 포장해 온 두 부부, 정확히는 재완과 재규, 연경이 내면을 드러내기 시작하는 건 혜윤(홍예지)과 시호(김정철)의 폭력이 담긴 CCTV의 존재를 알게 되면서부터다. 여기서부터 내면에 잠들어 있거나 억눌러져 있던 본성이 어떻게 바깥으로 드러나는지가 본격적으로 시작된다.   재완과 재규, 연경의 내면에 감춰둔 진짜 모습이 차츰차츰 드러나며 이들을 바라보던 관객들의 인식 역시 변화를 맞이하게 된다. 보통의 경우, 극 중 화자의 시선을 따라가는 만큼 그동안 관객들 역시 재규를 중심으로 주변 인물들을 관찰했기 때문이다. 그렇기에 도덕적이고 원칙적인 재규, 치매에 걸린 시어머니 간병도 마다하지 않으며 봉사활동도 열심인 연경의 시선에서 바라봤을 관객들에게 재규와 연경이 아들의 폭력 앞에 드러낸 민낯은 충격일 수밖에 없다.   열 길 물속은 알아도 한 길 사람 속은 모른다고, 좀처럼 그 속을 들여다볼 수 없는 게 인간이기에 자연스럽게 겉으로 드러난 모습이 판단의 첫 번째 기준이 될 수밖에 없다. 이러한 인물들의 겉과 속이 뒤집히며 드러나는 순간 관객이 받는 충격 역시 '보통의 가족'이 인간의 양면성을 이야기하는 방식이다.   사실 재규와 연경의 위선과 폭력성은 영화 초반부터 조금씩 여러 방식으로 암시됐다. 재규는 중간중간 분노와 은근한 폭력성을 드러냈고, 재규의 엄마는 재규의 순해 보이는 겉모습 안에 폭력이 담겨 있다고 말했다. 연경은 이성적이고 이타적인 사람처럼 보였지만 지수를 향한 험담을 아무렇지 않게 하고, 지수 앞에서 대놓고 지수를 무시하는 발언을 했다.   재밌는 것은 겉과 속이 다른 인물들 사이에서 처음부터 끝까지 겉과 속이 그대로인 인물, 주변의 시선과 상관없이 자신의 민낯을 드러내길 주저하지 않았던 인물이 이들 중 가장 존재감이 없는 것처럼 나왔던 지수라는 점이다. 처음 두 부부가 함께한 식사 자리에서 지수는 처음부터 홀로 초장을 찾고, 열심히 초장에 찍어 회를 먹는다. 이는 재규 부부의 시선처럼 저속함이 아닌 솔직함이다.   재규와 연경, 그리고 어쩌면 관객들조차 지수를 돈 많은 연상의 변호사와 결혼한, 연경의 표현을 빌리자면 '취집'(취직 대신 시집)한 속물적인 여성으로 봤을 터다. 그러나 이는 그들이 지수에게 뒤집어씌운 겉모습일 뿐 지수의 진짜 모습은 아니었다. 하지만 우리는 겉모습에 속아 지수를 향한 시선 속 편견과 혐오를 방관했을 수도 있고, '가족'이란 이름으로 선긋는 것을 당연시했을 수도 있다.   여러 상황 속에서도 지수는 처음부터 자신의 모습을 유지했지만, 변했다고 느낀다면 그것은 지수를 바라보는 시각의 변화에서 기인한 것이다. 그 내면은 영화 속 인물들처럼 겉으로 드러내고 싶지 않은 우리가 지닌 양면성의 한 측면이기도 하다. 그런 점에서 지수는 강렬하지도 않고, 분량이 많지도 않지만 가장 반전적으로 관객들의 뒤통수를 얼얼하게 하는 인물이다.   어쩌면 저 정도쯤은 인간적이라는 말로, 혹은 지수는 그럴만한 대상이 될 수 있다는 내심으로 넘어갔을지도 모른다. 지수를 대하는 것처럼 누군가 혹은 사건을 향한 선입견과 사람을 저울질하는 내심들은 영화 처음부터 있었다. 영화 초반 차에 치여 죽은, 심지어 팔에 문신까지 가득한 게 불량해 보이는 한 남자, 신원불명의 노숙자라는 존재 말이다.   이처럼 처음부터 마지막까지 영화는 끊임없이 인간의 양면성에 대한 딜레마에 빠지고 질문한다. 재완과 재규, 연경의 딜레마는 부모라면, 가족이라면, 인간이라면 길든 짧든 당연하게 빠질 수밖에 없는 딜레마다.   '인간' 혹은 '인간적'이라는 단어 안에는 선과 악 양가적인 모습이 모두 포함돼 있기 때문이다. 그렇게 뻗어 나간 질문은 '위선'이라는 단어까지 가닿는다. '과연 재완의 위선도 선이라고 할 수 있을까' '재규의 위선도 선이라고 해야 할까'로 확장된다. 위선 역시 거짓이라도 때로는 선으로 작용할 수도, 때로는 악으로 작용할 수도 있다는 점에서 다시 한번 딜레마에 빠질 수밖에 없다. 이 숨 막히면서도 양면적인 구조의 '보통의 가족' 안에서 질문은 끊임없이 관객을 둘러싼다. 또한 혐오와 폭력, 위선이 흔해진 세상에서 어떠한 시각을 견지하며 세상과 인간을 바라봐야 하는지 끊임없이 시험대에 올린다. 쉽지 않은 질문이기에 영화관을 나와 대답을 찾아가는 시간까지도 '보통의 가족'의 러닝 타임에 속할 것이다.   허진호 감독은 섬세하면서도 인물들의 내·외면을 깊이 있게 포착해 내며 영화를 보는 내내 다음 장면이 궁금하게 만들었다. 특히 후반부 레스토랑 식사 장면은 한정된 공간 안에서 움직임 없이 대화만으로도 역동적이면서도 긴장감 넘치게 연출할 수 있다는 점에서 감독의 저력을 재확인하게 했다.   109분 상영, 10월 16일 개봉, 15세 이상 관람가. 2024.10.24 07:00

분열에 익숙해진 시대에 경종 울리는 '어프렌티스'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   사회는 양극단으로로 분열됐고, 민주주의는 위기에 빠졌다. 미국을 지금처럼 퇴보시킨 원인으로 지목받는 도널드 트럼프는 어떻게 지금의 '괴물'이 됐을까. 트럼프가 '쓰레기'라 부른 영화 '어프렌티스'는 괴물의 기원을 추적하며 현시대에 경종을 울린다.   세입자들에게 밀린 집세를 받으러 다니는 뉴욕 부동산 업자의 아들 도널드 트럼프(세바스찬 스탠)는 어느 날 정·재계 고위 인사들을 변호하며 정치 브로커로 활동하는 변호사 로이 콘(제레미 스트롱)을 만나게 된다.   성공을 향한 강한 야망을 품은 도널드 트럼프는 불법 수사와 협박, 사기, 선동으로 인간의 탈을 쓴 악마라고 불리는 로이 콘을 스승으로 삼고 더욱 악랄한 괴물로 거듭난다.   영화 '어프렌티스'는 이란 출신 덴마크 감독이자 '경계선'과 '성스러운 거미'로 전 세계가 주목하는 감독으로 떠오른 알리 아바시 감독이 메가폰을 잡은 작품이다.   우리에게 트럼프라는 인물은 피격 직후 미국의 상징인 성조기를 배경으로 주먹을 들어 올리며 "싸우자"라고 외치는 모습이나 판문점에서 김정은 북한 국무위원장과 악수하던 모습으로 익숙할지 모른다.   전 미국 대통령이자 현 미국 대선 후보인 도널드 트럼프는 지난 5월 제77회 칸국제영화제에서 공개된 직후 트럼프 측으로부터 "불태워야 할 쓰레기"라며 강하게 비판했다. 단지 성형수술, 첫 번째 부인 이바나 트럼프 강간, 로이 콘과의 관계를 그려서만이 아니다. 바로 패배를 모르는 성공 가도의 신화가 아닌 '괴물의 탄생'이라는 감추고 싶은 진실이 담겼기 때문이다.   1970~80년대를 배경으로 하는데 영화는 실존 인물들의 이야기를 그리는 만큼, 필름 영화의 화면을 구현하고 핸드헬드를 사용하며 시대 분위기와 현실감을 부여하며 관객들을 영화로 이끈다.   '어프렌티스'는 '수습생' 또는 '도제'라는 의미처럼 악마는 어떤 모습을 하는지 그리고 어떻게 또 다른 악마를 만드는지에 관한 이야기한다. 마치 '프랑켄슈타인'처럼 로이 콘은 트럼프라는 인물에게 자신의 법칙을 전수해 '제2의 로이 콘'으로 빚어낸다.   로이 콘의 법칙은 다음과 같다. '공격, 공격, 또 공격하라.' '아무것도 인정하지 말고, 모든 것을 부인하라.' '절대로 패배를 인정하지 마라'. 트럼프는 로이 콘의 법칙을 받아들여 자신의 DNA에 융합하고 진화시켜 자신만의 법칙으로 내재화했다. 패배를 인정하지 않는 트럼프의 탄생이 바로 여기 있었다.   로이 콘과 트럼프의 만남부터 배움의 모든 과정에서 드러나는 건 미국이 가리고 싶은 그림자다. 차별과 혐오, 배제가 당연한 것처럼 여기는 극단적인 보수주의자들이 자유 민주주의를 외치는 모습은 어떻게 미국이 이들을 거쳐 트럼프에 이르러 최악으로 분열하게 됐는지 보여준다. 특히 트럼프가 2016년 대선 출마 당시 슬로건으로 내세웠던 'Make America Great Again'(미국을 다시 위대하게) 뒤에 어떤 모습이 숨겨져 있었는지 적나라하게 드러난다.   성공을 위해 한 걸음씩 내딛던, 어느 정도는 인간적인 면을 남겨놨던 트럼프는 로이 콘을 만나 그의 손바닥 위에서 조련을 받으며 점차 '현재'의 트럼프로 바뀌어 간다. 그러나 트럼프가 로이 콘의 도제가 될 수 있었던 데에는 트럼프 안에 로이 콘과 같은 가능성이 있었기 때문이고, 로이 콘은 그 가능성을 꽃 피웠을 뿐이다.   그렇게 온갖 불법과 차별, 위선 속에서 트럼프는 실패를 모르는, 정확히는 실패를 인정하지 않는 '제2의 로이 콘'으로 성장해 나간다. 그리고 스승의 가르침대로 트럼프는 결국 로이 콘의 손바닥을 뒤집고 '도널드 트럼프'라는 '괴물'로 재탄생한다.   사실 '어프렌티스'는 트럼프의 알려지지 않았던 이면, 새로운 모습을 보여준다기보다는 그동안 미디어를 통해 익히 알려진 트럼프의 모습과 그의 과거를 영화적으로 재현했을 뿐이다. 그러나 트럼프가 미국 민주주의를 위협하는 상황에서 이미 잘 알고 있다고 생각했던, 그렇기에 익숙해진 위협을 다시 한번 상기시키는 데 이 영화의 의미가 있다.   그러한 점에서 영화의 엔딩은 여러모로 유의미한 동시에 섬뜩하게 다가올 수밖에 없다. 트럼프의 눈동자에 담긴 미국이 어떤 모습으로 변할지 우리는 이미 목도했기 때문이다. 엔딩에 이르른 '어프렌티스'는 트럼프라는 이름으로 대표되는 익숙해진 분열을 그 시작점부터 다시금 되새기며 경계하라고 경종을 울린다. 그렇기에 미국을 떠나 지금 우리에게도 필요한 영화다.   다만 아쉬운 건, 빤한 전기 영화의 스타일에서 벗어났던 전반부와 달리 후반부는 우리가 익히 아는 전기 영화처럼 전개됐다는 점이다. 그럼에도 불구하고 감독은 '영화'라는 매체가 가진 이점을 살리며 트럼프를 아는 관객은 물론 모르는 관객도 쉽게 빠져들어 볼 수 있도록 영리하게 연출했다.   또한 '이란 출신 덴마크 감독'이라는 알리 아바시 감독의 위치는 조금 더 객관적이면서도 과감하게 트럼프의 이야기를 그려낼 수 있도록 했다.   무엇보다 세바스찬 스탠과 제레미 스트롱의 열연은 '어프렌티스'를 완성하는 데 큰 역할을 했다. 두 배우는 단순히 트럼프와 로이 콘을 흉내 내는 게 아니라 두 괴물이 가진 본질적인 모습을 포착해 냈다. 그렇기에 어느 순간, 스크린 속 두 배우가 아닌 트럼프와 로이 콘이 존재하고 있음을 느끼게 된다. '어프렌티스'를 본 이후 로이 콘이 왜 '악마의 변호사'라 불리는지 그의 실체를 조금 더 들여다보고 싶다면, 다큐멘터리 '로이 콘-악마의 변호사'(감독 맷 타이노어)를 추천한다.   122분 상영, 10월 23일 개봉, 청소년 관람 불가. 2024.10.24 05:00

톺아보고 재해석하는 재미 가득한 4인 4색 '더 킬러스'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   작품에 대한 감상을 나누는 방법은 다양하지만, 네 명의 감독들은 자신들이 가장 잘하는 방식인 '영화'로서 관객들과 나누기로 했다. 미국 소설가 어니스트 헤밍웨이의 단편 '살인자들'에서 받은 네 감독의 영감과 상상력은 개성과 시대정신을 품고 '더 킬러스'로 응축했다.   '더 킬러스'는 헤밍웨이 단편소설 '더 킬러스'를 대한민국을 대표하는 네 명의 감독, 김종관, 노덕, 장항준, 이명세 감독이 각기 다른 시선으로 해석하고 탄생시킨 4편의 살인극을 담은 시네마 앤솔로지다.   '더 킬러스'는 헤밍웨이의 단편뿐 아니라 '살인자들'에서 영감을 받았다는 에드워드 호퍼의 그림 '밤을 지새우는 사람들'이 모티프가 된 작품이다. 소설을 각자만의 방식으로, 각자가 얻은 감상과 거기서부터 발아된 감독으로서의 상상력을 펼쳐낸 '더 킬러스'는 이번엔 관객에게 어떤 영감과 상상력을 받았는지 묻는다.   '더 킬러스'의 문을 여는 건 김종관 감독의 '변신'이다. '변신'은 호퍼의 그림을 호러라는 수사를 이용해 스크린에 펼쳐낸 느낌을 주는 작품이다.   현대 기담과도 같 '변신'은 그동안 김종관 감독에게서 볼 수 없었던 장르와 분위기를 지니는 동시에 어쩐지 김종관 감독이라 가능한 감성이 복합적으로 들어 있는 흥미로운 작품이다. 특히나 그동안 보지 못한 캐릭터로 변신한 심은경의 모습은 그 자체로 매혹적으로 다가온다.   두 번째 주자로 나선 노덕 감독의 '업자들'은 헤밍웨이의 단편 원제인 'The Killers'의 뜻 '살인청부업자'라는 소재를 가져와 '하청구조'와 맞물려 재기발랄하면서도 사회를 바라보는 감각을 녹여 그려냈다.   하청의 하청의 하청이라는 현실 속 기이한 노동 구조와 이로 인한 구조적인 문제를 살인 청부업자라는 소재와 엮어내면서도 부조리한 모습에 웃음까지 터트리게 만드는 풍자로 펼쳐낸 건 노덕 감독이라 가능한 점일 것이다.   김종관 감독과 노덕 감독이 모티프가 된 작품 그 자체와 작품이 주는 분위기에서 영감을 받아 자신만의 스타일로 변형했다면, 장항준 감독과 이명세 감독은 소설이 준 영감에 자신의 시대정신을 덧대어 보다 사회적인 시각을 가진 영화로 만들어 냈다.   장항준 감독의 '모두가 그를 기다린다'는 시작부터 작품이 1979년 10월 26일, 즉 10·26 사건을 연결시켰음을을 보여주며 시작한다. 영화는 어촌 마을의 조그마한 선술집을 배경으로, 오직 이름과 작은 단서만이 알려진 채 그 누구도 얼굴을 보지 못한 연쇄살인마를 기다리는 사람을 추적하는 사람들을 미스터리 스릴러 형식으로 그려냈다.   전반적으로 헤밍웨이의 하드보일드 문체를 닮은 '모두가 그를 기다린다'는 명령, 돈 등 서로 다른 목적과 목표를 갖고 모인 이들이 서로가 서로를 의심하고 죽인 끝에 오직 한 사람만이 살아남는 구조로 이어진다. 마치 10·26의 풍경처럼 말이다.   특히 작품의 엔딩 속 살아남은 한 사람의 발걸음은 10월 26일 그날이 남긴 것들과 그날을 지나 현재에 이른 현대사의 발걸음을 되짚어 보게끔 만드는 힘이 있다. 우리가 예능에서 봐왔던 '방송인' 장항준이 아니라 시대를 밟아나가는 한 명의 '감독'으로서 그가 가진 저력을 가늠할 수 있는 작품이다.   '더 킬러스'의 마지막은 이명세 감독이 장식한다. 이명세 감독의 '무성영화'는 앞선 장항준 감독의 '모두가 그를 기다린다'와 이어지는 의미를 가질뿐더러, 여러 의미에서 '더 킬러스'라는 작품에 깊이를 담아 온점을 찍는다.   '무성영화'는 영화에 대한 꿈이라는 알레고리 안에 또 다른 알레고리를 담아낸 작품이다. 영화에 대한 영화라는 점에서 '무성영화'는 초창기 영화가 지향했던 영화의 모습을 향한 꿈이자 헌사다. 시각적 특성에 기반한, '대사'라는 언어적인 방식에 제약받지 않고 이명세 감독의 미학적인 구성이 돋보인다.   이러한 '무성영화'를 특별하게 만드는 지점은 영화에 대한 영화를 그려내는 방식만이 아니다. 1979년, 한 발의 총소리로 시작하는 '무성영화'는 헤밍웨이의 소설 속 고장 난 시계라는 모티프를 6·10 민주항쟁과 엮어냈다는 점에서 감독의 시대정신을 가늠케 한다.   79년 부마항쟁 이후 한 발의 총탄이 만들어 낸 10·26사건 그리고 이어진 12·12 군사쿠데타와 군부정권의 폭압 속에서 민주주의를 향한 열망은 다시금 짓밟혔다. 어쩌면 이 시기 민주주의 시민들을 표현할 수 있는 단어는 '디아스포라'에 가까울 것이다.   '무성영화'의 배경 속 시계는 10분 빨리 흐른다. 마치 시민들의 열망만은 현실의 물리적인 시간을 앞서가고 있었음을 알려주는 것처럼 말이다. 그런 디아스포라 시티를 향해 살인자들이 찾아오고, 디아스포라 시티의 시민들은 6시 10분을 가리키는 시계 아래 폭력에 저항하고 투쟁한다.   목소리조차 낼 수 없이 무성(無聲)의 세계에서 숨죽이고 살았던 '보이스'가 되살아나는 장면, '아무 것도 하지 않으면 아무 일도 일어나지 않는다'는 반복된 구호가 반어적으로 힘을 갖게 되는 과정, 민주주의를 향한 열망과 시민의 저항이 다시 피어나는 순간 시침이 가리키는 '6'이라는 숫자는 여러모로 유의미하다.   여기에 처절하면서도 그마저도 아름답게 다가오는 디아스포라 시민들의 몸짓을 춤과 액션 등 다양한 움직임으로 표현한 감각적인 화면, 인물들의 몸짓이 어떤 식으로 동작하는지 보여주는 감독 특유의 연출은 앞선 세 편의 작품과는 또 다른 재미를 안긴다. 만약 내러티브가 중심인 기존 영화의 문법과 달라 낯설게 다가온다면, '무성영화'는 그저 보고 받아들이는 게 정답일 것이다. 무엇보다 '무성영화'는 다양한 메타포를 비롯해 영화를 이모저모 뜯어보고 해석하며 의견을 나누며 보는 재미가 상당하다. 그리고 그때 비로소 영화는 완성된다. 이는 다른 세 감독의 영화 역시 마찬가지다. 4인 4색의 '더 킬러스'를 즐기는 방법은 바로 톺아보며 각자의 방식으로 재해석하고 상상하는 것이다. 마치 네 감독이 헤밍웨이의 소설을 자신만의 시각에서 해석한 것처럼 말이다.   이처럼 네 명의 감독의 각기 다른 색의 작품 안에서도 감독의 색을 고스란히 입은 채로 자신만의 개성 역시 잃지 않은 심은경의 연기 역시 '더 킬러스'의 완성도를 높인 요인이다. 그것도 한국어 대사로 연기하는 스크린 속 심은경의 연기는 더욱더 반가울 따름이다. 심은경이라는 배우가 있었기에, 네 편의 이야기는 네 감독의 개성을 담아내되 '더 킬러스'라는 하나의 영화로 모일 수 있었다.   119분 상영, 10월 23일 개봉, 청소년 관람 불가. 2024.10.23 05:00

신인 한소희의 낯선 얼굴, 한해인의 재증명 '폭설'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   '스타' 한소희가 아닌 '신인' 한소희는 과연 드라마가 아닌 영화 안에서는 어떤 얼굴을 했을까. 2019년 첫 촬영을 시작한 후 드디어 세상 빛을 보게 된 '폭설'은 신인 배우 한소희에 대한 궁금증으로 시작해 그간 보지 못했던 한소희의 얼굴과 함께 한해인이라는 걸출한 배우를 재증명한다.   강릉의 예술 고등학교를 다니는 열아홉 배우 지망생 수안(한해인)은 어느 날 폭설처럼 갑자기 다가온 아역배우 출신 스타 설이(한소희)를 만나 서로 마음을 나누며 특별한 존재가 되지만 사소한 오해로 멀어지게 된다.   어느덧 어른이 되어 어엿한 배우가 된 수안은 설이를 향한 사무치는 그리움에 겨울 바다로 돌아가서 기억 속 설이를 다시 찾아 나선다.   배우 한소희의 스크린 데뷔작으로 일찌감치 화제를 모은 '폭설'(감독 윤수익)은 하이틴 스타 설이와 운명처럼 가까워진 배우 지망생 수안이 서로에게 솔직하지 못해서 엇갈렸던 시절을 지나 다시 서로를 찾아가는 겨울의 사랑 이야기를 담은 영화다.   '폭설'은 지난 2019년 첫 촬영을 시작한 작품으로, 지금은 톱스타가 된 한소희의 신인 시절 풋풋했던 모습을 만날 수 있다는 점에서 주목받는다.   영화는 설이와 수안의 사랑을 네 개 챕터로 나눠 보여준다. 영화는 '설이'와 '수안'이라는 두 개의 챕터를 통해 서로가 서로에게 어떤 존재인지, 그리고 수안이 '첫사랑'이라는 처음 만나는 감정에 어떤 혼란을 겪고 어떻게 사랑이라는 온전한 감정으로 받아들이는지 보여준다.   다른 듯 보이는 설이와 수안을 이어준 건 '배우'라는 꿈이자 현실이다. 설이는 이미 하이틴 스타이고, 수안은 배우 지망생이다. 설이에게 배우는 현실이지만 수안에게는 여전한 꿈이다. 이처럼 설이와 수안은 닮은 듯 다른 상황에 놓인 존재다. 특히나 어린 수안에게 설이는 첫사랑이라는 것 외에도 배우라는 꿈을 이룬 대상이자 자신만 바라봐 줄 것을 바라는 대상으로서 질투라는 감정을 피어나게 한 상대다. 이러한 복합적인 감정은 수안이 설이에게 '멜로 영화'가 아니라 '우정 영화'라며 스스로의 마음과 설이를 향해 다가가는 데 있어 머뭇거리게 만든다.   그런 수안은 배우가 되면서 설이가 지녔던 현실과 고민을 이해하며 온전히 설이를 마음으로 받아들이게 된다. 다른 삶을 살아오며 비슷한 듯 다른 상황에 놓인 두 사람이 어떻게 서로에게 '사랑'이라는 감정을 느끼고, 또 같은 감정으로 연결된 듯했지만 머뭇거려야 했던 수안이 설이 그 자체를 어떻게 이해해 나가는지 보여주는 게 바로 전반부다. 이처럼 영화에서 중요한 요소인 '배우'라는 배경은 현재의 한소희의 모습과 맞물리며 보다 더 가깝게 와닿는다. 마치 지금의 한소희가 가질 법한 불안과 고뇌를 과거의 한소희이자 영화 속 설이를 통해 고백하는 듯한 느낌이 들며 몰입을 높인다.   전반부 두 개 챕터에서 설이와 수안의 감정을 깊이 있게 들여다본 영화는 후반부 두 개 챕터에서는 현실과 비현실의 경계를 흐트러트리며 전반부와는 다른 결로 나아간다.   앞서 두 챕터에서는 보다 현실적으로 두 사람의 이야기를 구체적으로 보여주지만, 후반 챕터에서는 이미지적으로 감정을 그려내려 한다. 그러다 보니 모호함이 생기고, 이러한 모호함은 오롯이 관객에게 다소 혼란을 안긴다.   사랑을 온전하게 인지하고 받아들이기도 전에 설이와 헤어졌던 수안과 설이는 배우로서의 꿈을 저버린 후에야 '사랑'이라는 감정으로서 서로를 대하게 된다. 이를 표현하는 방식으로 감독은 영화의 제목인 '폭설' 그리고 바다라는 자연을 가져왔다. 특히 '폭설'이라는 제목은 수안의 사랑인 설이이자, 수안의 마음에 가랑눈처럼 내리다 어느새 폭설이 되어버린 설이를 의미한다. 그렇기에 폭설 위에서 펼쳐지는 장면들은 둘의 사랑과 감정을 드러낸다.   서로를 이해하며 사랑을 받아들인 둘의 결말은 해무가 자욱한 가운데, 파도치는 바다 위에서 서핑보드에 의지한 채 육지를 찾아 헤엄쳐야 하는 수안처럼 표류하듯 모호하면서도 난해하게 마무리된다. 폭설과 해무, 바다라는 이미지는 그 자체로 수안의 내면이 가시화된 상징인 만큼 이를 마주하는 관객들이 느끼는 혼란은 어쩌면 감독의 의도일 수도 있다.   이처럼 '폭설'의 후반부는 그저 흐름에 따라 몸을 맡겨야 한다. 몽환적인 이미지와 감정들이 어디서 기인한 것인지 앞선 설이와 수안의 시간을 차근차근 밟아나간다면, 어쩌면 머리로 명확하게 이해할 수 없더라도 감정적으로는 '폭설'의 결말을 받아들일 수는 있을지 모른다.   '폭설'은 무엇보다 풋풋했던 4년 전 한소희의 모습, 그리고 지금까지 볼 수 없었던 한소희의 얼굴을 만날 수 있다는 점에서 반가운 영화다. 또한 수안 역의 한해인은 배우라는 꿈과 배우가 된 후의 현실에서 고뇌하는 모습은 물론 사랑 앞에 머뭇거리다가 다시 그 사랑을 위해 한 발 나아가는 모습을 깊이 있게 그려냈다.   87분 상영, 10월 23일 개봉, 15세 이상 관람가. 2024.10.22 05:00