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악취처럼 곳곳에 퍼진 혐오와 차별 '럭키, 아파트'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   혐오와 차별을 오감 중 하나로 느낄 수 있다면 어떤 형태로 다가올까. 우리 사회를 통찰해 온 강유가람 감독은 첫 장편 극영화 '럭키, 아파트'에서 '악취'라는 매개체를 통해 세상에 만연한 혐오와 차별을 찬찬히 들여다봤다.   영끌로 마련한 아파트는 선우(손수현)와 희서(박가영)가 꿈에 그린 보금자리다. 하지만 선우의 예기치 못한 실직으로 희서 혼자 대출이자를 떠안게 되자 둘 사이는 조금씩 삐걱대기 시작한다. 한편, 언제부턴가 아파트를 감도는 악취 때문에 두 사람은 극도로 예민해지고, 선우는 악취 원인을 밝히려 애쓰다 아파트 주민들과 충돌을 빚는다.   '이태원' '우리는 매일매일' 등을 통해 현시대에 대한 뛰어난 통찰과 해석을 보여준 강유가람 감독이 처음으로 장편 극영화를 선보였다. '럭키, 아파트'는 여성, 노인, 소수자 등을 향한 혐오와 차별을 감각적인 방식으로 포착해 '아파트'라는 일상적이면서도 사회 속 작은 사회 안에서 풀어냈다.   '럭키, 아파트'는 공동체인 듯 파편화된, 주거 공간인 듯 사유 재산인, 복합적인 현대 사회의 상징적인 공간에서 펼쳐지는 혐오와 차별, 그리고 단절과 애도에 대한 이야기다.   안정적인, 그야말로 '보금자리'라고 불려야 마땅한 주거 공간인 아파트는 악취로 인해 점차 불편한 공간이 된다. 그리고 악취는 아파트에 서서히 퍼져 나가며 불안과 아픔, 혐오와 차별을 끄집어내기 시작한다.   보이지 않지만 존재한다는 점에서 악취 그리고 혐오와 차별은 닮은 꼴이다. 영화에서 악취를 가장 크게 느끼고 불편해하는 인물은 바로 선우다. 성소수자라는, 일부 사회가 정상성을 벗어났다고 말하는 선우를 향한 혐오와 차별의 시선은 당사자인 선우 자신이 가장 크게 느낄 수밖에 없다.   그렇기에 다른 아파트 주민들 역시 악취를 느끼긴 하지만, 선우만큼 예민하지 않다. 오히려 예민하지 않은 척하려 한다. 그렇지만 주민들도 악취를 느낀다는 것은 그들은 아무렇지 않게 내뱉는 말이 알게 모르게 혐오와 차별이었음을 알려준다.   악취를 인지한 후 이에 어떻게 대응하는지 역시 선우와 다른 주민들 사이에 큰 차이를 보인다. 선우는 가장 적극적으로 악취를 없애기 위해 나서지만, 아파트 주민들의 고민은 오직 한 가지다. 바로 '집값'이다. 여기서 현대 사회의 또 다른 그림자가 하나 더 모습을 드러낸다.   악취의 원인은 선우와 희서의 아랫집 1310호에 사는 할머니의 고독사로 인한 것이다. 선우는 1310호 할머니가 홀로 외롭게 죽은 후 방치됐다는 사실을 안 후 악몽을 꿀 정도로 그 죽음을 마음 깊이 신경 쓴다. 극 중 대사에서도 나오지만 선우가 1310호 노인에게서 자신을 보았기 때문이다. 세상으로부터 격리되고, 단절되는 것에 대한 두려움 말이다.   앞서 말했듯이 아파트라는 공간은 집합체이지만, 파편화된 곳이기도 하다. 사람들은 노인의 죽음에 애도하기는커녕 혹시라도 아파트 바깥으로 사실이 알려지며 집값을 떨어뜨리지는 않을까 걱정한다. 그래서 주민들은 선우가 악취를 없애고자 하는 것도, 1310호 할머니를 애도하고자 하는 것도 못마땅하기만 하다.   그러나 선우는 이에 굴하지 않고 악취를 없애기 위해 적극적으로 행동한다. 악취를 없애려 나선 과정에서 할머니의 지인을 만난 선우는 할머니를 진심으로 애도하고자 하는 지인의 부탁까지 들어주고자 한다.   가장 낮은 곳, 사회 보장제도의 바깥, 공동체라는 울타리 밖에 놓인 약자이기도 한 선우는 같은 약자를 보듬고 도와주고자 한다. 이것이 바로 작은 연대이고, 제대로 된 애도다. 그리고 이는 지금 세상에 가장 필요하면서도 절실한 가치들이다.   아파트라는 공간은 우리 사회의 축소판이기도 하다. 그런 아파트라는 공간 안에서 악취라는 소재를 통해 벌어지는 일들, 보이는 모습들은 우리 사회가 어떤 모습이고 어떤 식으로 작동되고 있는지 압축해 보여준다.   영화가 전개되는 과정에서 여성과 노인, 소수자 심지어 길고양이라는 약한 존재들을 향한 여러 가지 혐오와 차별이 계속해서 드러난다. 이는 '정상성' '보통'이라는 말을 갖고 혐오와 차별임을 부정하며 나타난다.   그래서인지 영화를 보다 보면, 절대 스크린 밖으로 나올 수 없는 악취가 공기 중에 떠다니는 것처럼 느껴진다. 즉, 혐오와 차별이라는 악취를 느끼게 된다는 의미이다. 이게 바로 강유가람 감독의 힘이다.   '럭키, 아파트'는 혐오와 차별을 말하는 영화인 동시에 선우와 희서의 성장담이기도 하다. 두 사람은 서로의 관계와 각자의 내면에서 갈등과 충돌을 빚는다. 또한 각자가 어떻게 세상의 혐오와 차별에 맞서고 있는지, 그 안에서 그들이 어떤 고민을 안고 불안을 지니면서 살아내고 있는지 보여준다. 그렇지만 비 온 뒤에 땅이 굳어진다는 말처럼 두 사람은 혐오와 차별 앞에 함께 맞서고 서로를 좀 더 이해하며 둘의 관계는 물론 각자도 한층 단단해진다.   단편을 제외하고는 그동안 주로 다큐멘터리를 연출해 왔던 강유가람 감독은 우리 세상에 존재하는 혐오와 차별을 '악취'라는, 눈에 보이지 않지만 분명 존재하는 것으로 치환해 보여줬다. 우리 사회를 깊이 있게 들여다봐 온 감독의 시선이 장편 극영화에서 또 다른 방식으로 펼쳐지는 것을 목격한다는 건 그 자체로 즐거움이다.   여기에 손수현, 박가영이 보여준 현실에 발붙인 연기는 관객들을 '럭키, 아파트'에 발붙이며 선우와 희서의 성장에 함께 참여하게 만든다. 두 배우의 다음, 그다음 행보가 기다려지는 이유다.   96분 상영, 10월 30일 개봉, 15세 이상 관람가. 2024.10.30 05:00

내면을 뒤흔드는 긴장감 넘치는 만찬 '보통의 가족'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의 허진호 감독을 '멜로 대가'로 기억하는 사람들에게 '보통의 가족'은 감독의 새로운 대표작으로 기억될 수 있을 것이다. 감독은 인간의 양면성이란 오랜 질문으로 관객들의 내면을 뒤흔드는 '보통의 가족'이란 만찬을 숨 막히게 차려냈다.   '봄날은 간다' '8월의 크리스마스' '덕혜옹주' 등을 연출한 허진호 감독이 각자의 신념을 가지고 살아가던 네 사람이 아이들의 범죄 현장이 담긴 CCTV를 보게 되면서 모든 것이 무너져가는 모습을 담은 문제적인 작품 '보통의 가족'으로 관객들과 만나고 있다.   '보통의 가족'의 원작 소설인 네덜란드 작가 헤르만 코흐의 '더 디너'는 이번 영화를 포함해 서로 다른 나라에서 모두 네 차례 영화화된 작품이다. 그만큼 시간과 공간을 넘어 '보편성'을 가진 이야기, 바로 인간의 양면성을 다뤘기 때문이다.   보통 동전을 예시로 양면성을 표현하는데, '보통의 가족'이 양면성을 표현하는 방식은 뫼비우스의 띠에 가깝다. 서로 다른 면이 마주 보지 못하는 동전과 달리 '보통의 가족' 속 인물의 경우 선과 악, 겉과 속이 뒤집혀 맞물리고 이야기의 구조 역시 영화의 중심을 따라 이동하면 처음과 닮은 끝으로 돌아오기 때문이다.   영화는 인간 내면의 악이 어떻게 폭력적으로 발현되고, 그것이 어떤 결과를 가져오는지 보여주며 시작한다. 현실에서도 종종 뉴스에서 접할 수 있는 사건이다. 현실과의 접점을 만든 '보통의 가족'은 시작부터 겉과 속의 괴리에 대해 암시하며 관객들에게 본격적인 이야기를 들려준다.   표면적으로 가장 대비되는 건 속물적인 변호사 재완과 원칙주의 의사 재규다. 한쪽은 돈을 위해서라면 가해자도 '무죄'로 만드는 데 주저하지 않고, 한쪽은 돈과 별개로 환자의 목숨을 위해서 주저하지 않는다. 한눈에 봐도 서로 다른 신념을 지닌 듯한 두 형제는 그들의 아내조차도 대비되는 모습을 보인다. 물론 여기까지는 표면적인 모습이자 도덕적이고 이상적으로 보이는 재규 부부의 말을 통해 전달되는 모습이다.   저마다 정갈하게 세팅된 고급 레스토랑의 음식들처럼 각자 자신을 보기 좋게 포장해 온 두 부부, 정확히는 재완과 재규, 연경이 내면을 드러내기 시작하는 건 혜윤(홍예지)과 시호(김정철)의 폭력이 담긴 CCTV의 존재를 알게 되면서부터다. 여기서부터 내면에 잠들어 있거나 억눌러져 있던 본성이 어떻게 바깥으로 드러나는지가 본격적으로 시작된다.   재완과 재규, 연경의 내면에 감춰둔 진짜 모습이 차츰차츰 드러나며 이들을 바라보던 관객들의 인식 역시 변화를 맞이하게 된다. 보통의 경우, 극 중 화자의 시선을 따라가는 만큼 그동안 관객들 역시 재규를 중심으로 주변 인물들을 관찰했기 때문이다. 그렇기에 도덕적이고 원칙적인 재규, 치매에 걸린 시어머니 간병도 마다하지 않으며 봉사활동도 열심인 연경의 시선에서 바라봤을 관객들에게 재규와 연경이 아들의 폭력 앞에 드러낸 민낯은 충격일 수밖에 없다.   열 길 물속은 알아도 한 길 사람 속은 모른다고, 좀처럼 그 속을 들여다볼 수 없는 게 인간이기에 자연스럽게 겉으로 드러난 모습이 판단의 첫 번째 기준이 될 수밖에 없다. 이러한 인물들의 겉과 속이 뒤집히며 드러나는 순간 관객이 받는 충격 역시 '보통의 가족'이 인간의 양면성을 이야기하는 방식이다.   사실 재규와 연경의 위선과 폭력성은 영화 초반부터 조금씩 여러 방식으로 암시됐다. 재규는 중간중간 분노와 은근한 폭력성을 드러냈고, 재규의 엄마는 재규의 순해 보이는 겉모습 안에 폭력이 담겨 있다고 말했다. 연경은 이성적이고 이타적인 사람처럼 보였지만 지수를 향한 험담을 아무렇지 않게 하고, 지수 앞에서 대놓고 지수를 무시하는 발언을 했다.   재밌는 것은 겉과 속이 다른 인물들 사이에서 처음부터 끝까지 겉과 속이 그대로인 인물, 주변의 시선과 상관없이 자신의 민낯을 드러내길 주저하지 않았던 인물이 이들 중 가장 존재감이 없는 것처럼 나왔던 지수라는 점이다. 처음 두 부부가 함께한 식사 자리에서 지수는 처음부터 홀로 초장을 찾고, 열심히 초장에 찍어 회를 먹는다. 이는 재규 부부의 시선처럼 저속함이 아닌 솔직함이다.   재규와 연경, 그리고 어쩌면 관객들조차 지수를 돈 많은 연상의 변호사와 결혼한, 연경의 표현을 빌리자면 '취집'(취직 대신 시집)한 속물적인 여성으로 봤을 터다. 그러나 이는 그들이 지수에게 뒤집어씌운 겉모습일 뿐 지수의 진짜 모습은 아니었다. 하지만 우리는 겉모습에 속아 지수를 향한 시선 속 편견과 혐오를 방관했을 수도 있고, '가족'이란 이름으로 선긋는 것을 당연시했을 수도 있다.   여러 상황 속에서도 지수는 처음부터 자신의 모습을 유지했지만, 변했다고 느낀다면 그것은 지수를 바라보는 시각의 변화에서 기인한 것이다. 그 내면은 영화 속 인물들처럼 겉으로 드러내고 싶지 않은 우리가 지닌 양면성의 한 측면이기도 하다. 그런 점에서 지수는 강렬하지도 않고, 분량이 많지도 않지만 가장 반전적으로 관객들의 뒤통수를 얼얼하게 하는 인물이다.   어쩌면 저 정도쯤은 인간적이라는 말로, 혹은 지수는 그럴만한 대상이 될 수 있다는 내심으로 넘어갔을지도 모른다. 지수를 대하는 것처럼 누군가 혹은 사건을 향한 선입견과 사람을 저울질하는 내심들은 영화 처음부터 있었다. 영화 초반 차에 치여 죽은, 심지어 팔에 문신까지 가득한 게 불량해 보이는 한 남자, 신원불명의 노숙자라는 존재 말이다.   이처럼 처음부터 마지막까지 영화는 끊임없이 인간의 양면성에 대한 딜레마에 빠지고 질문한다. 재완과 재규, 연경의 딜레마는 부모라면, 가족이라면, 인간이라면 길든 짧든 당연하게 빠질 수밖에 없는 딜레마다.   '인간' 혹은 '인간적'이라는 단어 안에는 선과 악 양가적인 모습이 모두 포함돼 있기 때문이다. 그렇게 뻗어 나간 질문은 '위선'이라는 단어까지 가닿는다. '과연 재완의 위선도 선이라고 할 수 있을까' '재규의 위선도 선이라고 해야 할까'로 확장된다. 위선 역시 거짓이라도 때로는 선으로 작용할 수도, 때로는 악으로 작용할 수도 있다는 점에서 다시 한번 딜레마에 빠질 수밖에 없다. 이 숨 막히면서도 양면적인 구조의 '보통의 가족' 안에서 질문은 끊임없이 관객을 둘러싼다. 또한 혐오와 폭력, 위선이 흔해진 세상에서 어떠한 시각을 견지하며 세상과 인간을 바라봐야 하는지 끊임없이 시험대에 올린다. 쉽지 않은 질문이기에 영화관을 나와 대답을 찾아가는 시간까지도 '보통의 가족'의 러닝 타임에 속할 것이다.   허진호 감독은 섬세하면서도 인물들의 내·외면을 깊이 있게 포착해 내며 영화를 보는 내내 다음 장면이 궁금하게 만들었다. 특히 후반부 레스토랑 식사 장면은 한정된 공간 안에서 움직임 없이 대화만으로도 역동적이면서도 긴장감 넘치게 연출할 수 있다는 점에서 감독의 저력을 재확인하게 했다.   109분 상영, 10월 16일 개봉, 15세 이상 관람가. 2024.10.24 07:00

분열에 익숙해진 시대에 경종 울리는 '어프렌티스'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   사회는 양극단으로로 분열됐고, 민주주의는 위기에 빠졌다. 미국을 지금처럼 퇴보시킨 원인으로 지목받는 도널드 트럼프는 어떻게 지금의 '괴물'이 됐을까. 트럼프가 '쓰레기'라 부른 영화 '어프렌티스'는 괴물의 기원을 추적하며 현시대에 경종을 울린다.   세입자들에게 밀린 집세를 받으러 다니는 뉴욕 부동산 업자의 아들 도널드 트럼프(세바스찬 스탠)는 어느 날 정·재계 고위 인사들을 변호하며 정치 브로커로 활동하는 변호사 로이 콘(제레미 스트롱)을 만나게 된다.   성공을 향한 강한 야망을 품은 도널드 트럼프는 불법 수사와 협박, 사기, 선동으로 인간의 탈을 쓴 악마라고 불리는 로이 콘을 스승으로 삼고 더욱 악랄한 괴물로 거듭난다.   영화 '어프렌티스'는 이란 출신 덴마크 감독이자 '경계선'과 '성스러운 거미'로 전 세계가 주목하는 감독으로 떠오른 알리 아바시 감독이 메가폰을 잡은 작품이다.   우리에게 트럼프라는 인물은 피격 직후 미국의 상징인 성조기를 배경으로 주먹을 들어 올리며 "싸우자"라고 외치는 모습이나 판문점에서 김정은 북한 국무위원장과 악수하던 모습으로 익숙할지 모른다.   전 미국 대통령이자 현 미국 대선 후보인 도널드 트럼프는 지난 5월 제77회 칸국제영화제에서 공개된 직후 트럼프 측으로부터 "불태워야 할 쓰레기"라며 강하게 비판했다. 단지 성형수술, 첫 번째 부인 이바나 트럼프 강간, 로이 콘과의 관계를 그려서만이 아니다. 바로 패배를 모르는 성공 가도의 신화가 아닌 '괴물의 탄생'이라는 감추고 싶은 진실이 담겼기 때문이다.   1970~80년대를 배경으로 하는데 영화는 실존 인물들의 이야기를 그리는 만큼, 필름 영화의 화면을 구현하고 핸드헬드를 사용하며 시대 분위기와 현실감을 부여하며 관객들을 영화로 이끈다.   '어프렌티스'는 '수습생' 또는 '도제'라는 의미처럼 악마는 어떤 모습을 하는지 그리고 어떻게 또 다른 악마를 만드는지에 관한 이야기한다. 마치 '프랑켄슈타인'처럼 로이 콘은 트럼프라는 인물에게 자신의 법칙을 전수해 '제2의 로이 콘'으로 빚어낸다.   로이 콘의 법칙은 다음과 같다. '공격, 공격, 또 공격하라.' '아무것도 인정하지 말고, 모든 것을 부인하라.' '절대로 패배를 인정하지 마라'. 트럼프는 로이 콘의 법칙을 받아들여 자신의 DNA에 융합하고 진화시켜 자신만의 법칙으로 내재화했다. 패배를 인정하지 않는 트럼프의 탄생이 바로 여기 있었다.   로이 콘과 트럼프의 만남부터 배움의 모든 과정에서 드러나는 건 미국이 가리고 싶은 그림자다. 차별과 혐오, 배제가 당연한 것처럼 여기는 극단적인 보수주의자들이 자유 민주주의를 외치는 모습은 어떻게 미국이 이들을 거쳐 트럼프에 이르러 최악으로 분열하게 됐는지 보여준다. 특히 트럼프가 2016년 대선 출마 당시 슬로건으로 내세웠던 'Make America Great Again'(미국을 다시 위대하게) 뒤에 어떤 모습이 숨겨져 있었는지 적나라하게 드러난다.   성공을 위해 한 걸음씩 내딛던, 어느 정도는 인간적인 면을 남겨놨던 트럼프는 로이 콘을 만나 그의 손바닥 위에서 조련을 받으며 점차 '현재'의 트럼프로 바뀌어 간다. 그러나 트럼프가 로이 콘의 도제가 될 수 있었던 데에는 트럼프 안에 로이 콘과 같은 가능성이 있었기 때문이고, 로이 콘은 그 가능성을 꽃 피웠을 뿐이다.   그렇게 온갖 불법과 차별, 위선 속에서 트럼프는 실패를 모르는, 정확히는 실패를 인정하지 않는 '제2의 로이 콘'으로 성장해 나간다. 그리고 스승의 가르침대로 트럼프는 결국 로이 콘의 손바닥을 뒤집고 '도널드 트럼프'라는 '괴물'로 재탄생한다.   사실 '어프렌티스'는 트럼프의 알려지지 않았던 이면, 새로운 모습을 보여준다기보다는 그동안 미디어를 통해 익히 알려진 트럼프의 모습과 그의 과거를 영화적으로 재현했을 뿐이다. 그러나 트럼프가 미국 민주주의를 위협하는 상황에서 이미 잘 알고 있다고 생각했던, 그렇기에 익숙해진 위협을 다시 한번 상기시키는 데 이 영화의 의미가 있다.   그러한 점에서 영화의 엔딩은 여러모로 유의미한 동시에 섬뜩하게 다가올 수밖에 없다. 트럼프의 눈동자에 담긴 미국이 어떤 모습으로 변할지 우리는 이미 목도했기 때문이다. 엔딩에 이르른 '어프렌티스'는 트럼프라는 이름으로 대표되는 익숙해진 분열을 그 시작점부터 다시금 되새기며 경계하라고 경종을 울린다. 그렇기에 미국을 떠나 지금 우리에게도 필요한 영화다.   다만 아쉬운 건, 빤한 전기 영화의 스타일에서 벗어났던 전반부와 달리 후반부는 우리가 익히 아는 전기 영화처럼 전개됐다는 점이다. 그럼에도 불구하고 감독은 '영화'라는 매체가 가진 이점을 살리며 트럼프를 아는 관객은 물론 모르는 관객도 쉽게 빠져들어 볼 수 있도록 영리하게 연출했다.   또한 '이란 출신 덴마크 감독'이라는 알리 아바시 감독의 위치는 조금 더 객관적이면서도 과감하게 트럼프의 이야기를 그려낼 수 있도록 했다.   무엇보다 세바스찬 스탠과 제레미 스트롱의 열연은 '어프렌티스'를 완성하는 데 큰 역할을 했다. 두 배우는 단순히 트럼프와 로이 콘을 흉내 내는 게 아니라 두 괴물이 가진 본질적인 모습을 포착해 냈다. 그렇기에 어느 순간, 스크린 속 두 배우가 아닌 트럼프와 로이 콘이 존재하고 있음을 느끼게 된다. '어프렌티스'를 본 이후 로이 콘이 왜 '악마의 변호사'라 불리는지 그의 실체를 조금 더 들여다보고 싶다면, 다큐멘터리 '로이 콘-악마의 변호사'(감독 맷 타이노어)를 추천한다.   122분 상영, 10월 23일 개봉, 청소년 관람 불가. 2024.10.24 05:00

톺아보고 재해석하는 재미 가득한 4인 4색 '더 킬러스'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   작품에 대한 감상을 나누는 방법은 다양하지만, 네 명의 감독들은 자신들이 가장 잘하는 방식인 '영화'로서 관객들과 나누기로 했다. 미국 소설가 어니스트 헤밍웨이의 단편 '살인자들'에서 받은 네 감독의 영감과 상상력은 개성과 시대정신을 품고 '더 킬러스'로 응축했다.   '더 킬러스'는 헤밍웨이 단편소설 '더 킬러스'를 대한민국을 대표하는 네 명의 감독, 김종관, 노덕, 장항준, 이명세 감독이 각기 다른 시선으로 해석하고 탄생시킨 4편의 살인극을 담은 시네마 앤솔로지다.   '더 킬러스'는 헤밍웨이의 단편뿐 아니라 '살인자들'에서 영감을 받았다는 에드워드 호퍼의 그림 '밤을 지새우는 사람들'이 모티프가 된 작품이다. 소설을 각자만의 방식으로, 각자가 얻은 감상과 거기서부터 발아된 감독으로서의 상상력을 펼쳐낸 '더 킬러스'는 이번엔 관객에게 어떤 영감과 상상력을 받았는지 묻는다.   '더 킬러스'의 문을 여는 건 김종관 감독의 '변신'이다. '변신'은 호퍼의 그림을 호러라는 수사를 이용해 스크린에 펼쳐낸 느낌을 주는 작품이다.   현대 기담과도 같 '변신'은 그동안 김종관 감독에게서 볼 수 없었던 장르와 분위기를 지니는 동시에 어쩐지 김종관 감독이라 가능한 감성이 복합적으로 들어 있는 흥미로운 작품이다. 특히나 그동안 보지 못한 캐릭터로 변신한 심은경의 모습은 그 자체로 매혹적으로 다가온다.   두 번째 주자로 나선 노덕 감독의 '업자들'은 헤밍웨이의 단편 원제인 'The Killers'의 뜻 '살인청부업자'라는 소재를 가져와 '하청구조'와 맞물려 재기발랄하면서도 사회를 바라보는 감각을 녹여 그려냈다.   하청의 하청의 하청이라는 현실 속 기이한 노동 구조와 이로 인한 구조적인 문제를 살인 청부업자라는 소재와 엮어내면서도 부조리한 모습에 웃음까지 터트리게 만드는 풍자로 펼쳐낸 건 노덕 감독이라 가능한 점일 것이다.   김종관 감독과 노덕 감독이 모티프가 된 작품 그 자체와 작품이 주는 분위기에서 영감을 받아 자신만의 스타일로 변형했다면, 장항준 감독과 이명세 감독은 소설이 준 영감에 자신의 시대정신을 덧대어 보다 사회적인 시각을 가진 영화로 만들어 냈다.   장항준 감독의 '모두가 그를 기다린다'는 시작부터 작품이 1979년 10월 26일, 즉 10·26 사건을 연결시켰음을을 보여주며 시작한다. 영화는 어촌 마을의 조그마한 선술집을 배경으로, 오직 이름과 작은 단서만이 알려진 채 그 누구도 얼굴을 보지 못한 연쇄살인마를 기다리는 사람을 추적하는 사람들을 미스터리 스릴러 형식으로 그려냈다.   전반적으로 헤밍웨이의 하드보일드 문체를 닮은 '모두가 그를 기다린다'는 명령, 돈 등 서로 다른 목적과 목표를 갖고 모인 이들이 서로가 서로를 의심하고 죽인 끝에 오직 한 사람만이 살아남는 구조로 이어진다. 마치 10·26의 풍경처럼 말이다.   특히 작품의 엔딩 속 살아남은 한 사람의 발걸음은 10월 26일 그날이 남긴 것들과 그날을 지나 현재에 이른 현대사의 발걸음을 되짚어 보게끔 만드는 힘이 있다. 우리가 예능에서 봐왔던 '방송인' 장항준이 아니라 시대를 밟아나가는 한 명의 '감독'으로서 그가 가진 저력을 가늠할 수 있는 작품이다.   '더 킬러스'의 마지막은 이명세 감독이 장식한다. 이명세 감독의 '무성영화'는 앞선 장항준 감독의 '모두가 그를 기다린다'와 이어지는 의미를 가질뿐더러, 여러 의미에서 '더 킬러스'라는 작품에 깊이를 담아 온점을 찍는다.   '무성영화'는 영화에 대한 꿈이라는 알레고리 안에 또 다른 알레고리를 담아낸 작품이다. 영화에 대한 영화라는 점에서 '무성영화'는 초창기 영화가 지향했던 영화의 모습을 향한 꿈이자 헌사다. 시각적 특성에 기반한, '대사'라는 언어적인 방식에 제약받지 않고 이명세 감독의 미학적인 구성이 돋보인다.   이러한 '무성영화'를 특별하게 만드는 지점은 영화에 대한 영화를 그려내는 방식만이 아니다. 1979년, 한 발의 총소리로 시작하는 '무성영화'는 헤밍웨이의 소설 속 고장 난 시계라는 모티프를 6·10 민주항쟁과 엮어냈다는 점에서 감독의 시대정신을 가늠케 한다.   79년 부마항쟁 이후 한 발의 총탄이 만들어 낸 10·26사건 그리고 이어진 12·12 군사쿠데타와 군부정권의 폭압 속에서 민주주의를 향한 열망은 다시금 짓밟혔다. 어쩌면 이 시기 민주주의 시민들을 표현할 수 있는 단어는 '디아스포라'에 가까울 것이다.   '무성영화'의 배경 속 시계는 10분 빨리 흐른다. 마치 시민들의 열망만은 현실의 물리적인 시간을 앞서가고 있었음을 알려주는 것처럼 말이다. 그런 디아스포라 시티를 향해 살인자들이 찾아오고, 디아스포라 시티의 시민들은 6시 10분을 가리키는 시계 아래 폭력에 저항하고 투쟁한다.   목소리조차 낼 수 없이 무성(無聲)의 세계에서 숨죽이고 살았던 '보이스'가 되살아나는 장면, '아무 것도 하지 않으면 아무 일도 일어나지 않는다'는 반복된 구호가 반어적으로 힘을 갖게 되는 과정, 민주주의를 향한 열망과 시민의 저항이 다시 피어나는 순간 시침이 가리키는 '6'이라는 숫자는 여러모로 유의미하다.   여기에 처절하면서도 그마저도 아름답게 다가오는 디아스포라 시민들의 몸짓을 춤과 액션 등 다양한 움직임으로 표현한 감각적인 화면, 인물들의 몸짓이 어떤 식으로 동작하는지 보여주는 감독 특유의 연출은 앞선 세 편의 작품과는 또 다른 재미를 안긴다. 만약 내러티브가 중심인 기존 영화의 문법과 달라 낯설게 다가온다면, '무성영화'는 그저 보고 받아들이는 게 정답일 것이다. 무엇보다 '무성영화'는 다양한 메타포를 비롯해 영화를 이모저모 뜯어보고 해석하며 의견을 나누며 보는 재미가 상당하다. 그리고 그때 비로소 영화는 완성된다. 이는 다른 세 감독의 영화 역시 마찬가지다. 4인 4색의 '더 킬러스'를 즐기는 방법은 바로 톺아보며 각자의 방식으로 재해석하고 상상하는 것이다. 마치 네 감독이 헤밍웨이의 소설을 자신만의 시각에서 해석한 것처럼 말이다.   이처럼 네 명의 감독의 각기 다른 색의 작품 안에서도 감독의 색을 고스란히 입은 채로 자신만의 개성 역시 잃지 않은 심은경의 연기 역시 '더 킬러스'의 완성도를 높인 요인이다. 그것도 한국어 대사로 연기하는 스크린 속 심은경의 연기는 더욱더 반가울 따름이다. 심은경이라는 배우가 있었기에, 네 편의 이야기는 네 감독의 개성을 담아내되 '더 킬러스'라는 하나의 영화로 모일 수 있었다.   119분 상영, 10월 23일 개봉, 청소년 관람 불가. 2024.10.23 05:00

신인 한소희의 낯선 얼굴, 한해인의 재증명 '폭설'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   '스타' 한소희가 아닌 '신인' 한소희는 과연 드라마가 아닌 영화 안에서는 어떤 얼굴을 했을까. 2019년 첫 촬영을 시작한 후 드디어 세상 빛을 보게 된 '폭설'은 신인 배우 한소희에 대한 궁금증으로 시작해 그간 보지 못했던 한소희의 얼굴과 함께 한해인이라는 걸출한 배우를 재증명한다.   강릉의 예술 고등학교를 다니는 열아홉 배우 지망생 수안(한해인)은 어느 날 폭설처럼 갑자기 다가온 아역배우 출신 스타 설이(한소희)를 만나 서로 마음을 나누며 특별한 존재가 되지만 사소한 오해로 멀어지게 된다.   어느덧 어른이 되어 어엿한 배우가 된 수안은 설이를 향한 사무치는 그리움에 겨울 바다로 돌아가서 기억 속 설이를 다시 찾아 나선다.   배우 한소희의 스크린 데뷔작으로 일찌감치 화제를 모은 '폭설'(감독 윤수익)은 하이틴 스타 설이와 운명처럼 가까워진 배우 지망생 수안이 서로에게 솔직하지 못해서 엇갈렸던 시절을 지나 다시 서로를 찾아가는 겨울의 사랑 이야기를 담은 영화다.   '폭설'은 지난 2019년 첫 촬영을 시작한 작품으로, 지금은 톱스타가 된 한소희의 신인 시절 풋풋했던 모습을 만날 수 있다는 점에서 주목받는다.   영화는 설이와 수안의 사랑을 네 개 챕터로 나눠 보여준다. 영화는 '설이'와 '수안'이라는 두 개의 챕터를 통해 서로가 서로에게 어떤 존재인지, 그리고 수안이 '첫사랑'이라는 처음 만나는 감정에 어떤 혼란을 겪고 어떻게 사랑이라는 온전한 감정으로 받아들이는지 보여준다.   다른 듯 보이는 설이와 수안을 이어준 건 '배우'라는 꿈이자 현실이다. 설이는 이미 하이틴 스타이고, 수안은 배우 지망생이다. 설이에게 배우는 현실이지만 수안에게는 여전한 꿈이다. 이처럼 설이와 수안은 닮은 듯 다른 상황에 놓인 존재다. 특히나 어린 수안에게 설이는 첫사랑이라는 것 외에도 배우라는 꿈을 이룬 대상이자 자신만 바라봐 줄 것을 바라는 대상으로서 질투라는 감정을 피어나게 한 상대다. 이러한 복합적인 감정은 수안이 설이에게 '멜로 영화'가 아니라 '우정 영화'라며 스스로의 마음과 설이를 향해 다가가는 데 있어 머뭇거리게 만든다.   그런 수안은 배우가 되면서 설이가 지녔던 현실과 고민을 이해하며 온전히 설이를 마음으로 받아들이게 된다. 다른 삶을 살아오며 비슷한 듯 다른 상황에 놓인 두 사람이 어떻게 서로에게 '사랑'이라는 감정을 느끼고, 또 같은 감정으로 연결된 듯했지만 머뭇거려야 했던 수안이 설이 그 자체를 어떻게 이해해 나가는지 보여주는 게 바로 전반부다. 이처럼 영화에서 중요한 요소인 '배우'라는 배경은 현재의 한소희의 모습과 맞물리며 보다 더 가깝게 와닿는다. 마치 지금의 한소희가 가질 법한 불안과 고뇌를 과거의 한소희이자 영화 속 설이를 통해 고백하는 듯한 느낌이 들며 몰입을 높인다.   전반부 두 개 챕터에서 설이와 수안의 감정을 깊이 있게 들여다본 영화는 후반부 두 개 챕터에서는 현실과 비현실의 경계를 흐트러트리며 전반부와는 다른 결로 나아간다.   앞서 두 챕터에서는 보다 현실적으로 두 사람의 이야기를 구체적으로 보여주지만, 후반 챕터에서는 이미지적으로 감정을 그려내려 한다. 그러다 보니 모호함이 생기고, 이러한 모호함은 오롯이 관객에게 다소 혼란을 안긴다.   사랑을 온전하게 인지하고 받아들이기도 전에 설이와 헤어졌던 수안과 설이는 배우로서의 꿈을 저버린 후에야 '사랑'이라는 감정으로서 서로를 대하게 된다. 이를 표현하는 방식으로 감독은 영화의 제목인 '폭설' 그리고 바다라는 자연을 가져왔다. 특히 '폭설'이라는 제목은 수안의 사랑인 설이이자, 수안의 마음에 가랑눈처럼 내리다 어느새 폭설이 되어버린 설이를 의미한다. 그렇기에 폭설 위에서 펼쳐지는 장면들은 둘의 사랑과 감정을 드러낸다.   서로를 이해하며 사랑을 받아들인 둘의 결말은 해무가 자욱한 가운데, 파도치는 바다 위에서 서핑보드에 의지한 채 육지를 찾아 헤엄쳐야 하는 수안처럼 표류하듯 모호하면서도 난해하게 마무리된다. 폭설과 해무, 바다라는 이미지는 그 자체로 수안의 내면이 가시화된 상징인 만큼 이를 마주하는 관객들이 느끼는 혼란은 어쩌면 감독의 의도일 수도 있다.   이처럼 '폭설'의 후반부는 그저 흐름에 따라 몸을 맡겨야 한다. 몽환적인 이미지와 감정들이 어디서 기인한 것인지 앞선 설이와 수안의 시간을 차근차근 밟아나간다면, 어쩌면 머리로 명확하게 이해할 수 없더라도 감정적으로는 '폭설'의 결말을 받아들일 수는 있을지 모른다.   '폭설'은 무엇보다 풋풋했던 4년 전 한소희의 모습, 그리고 지금까지 볼 수 없었던 한소희의 얼굴을 만날 수 있다는 점에서 반가운 영화다. 또한 수안 역의 한해인은 배우라는 꿈과 배우가 된 후의 현실에서 고뇌하는 모습은 물론 사랑 앞에 머뭇거리다가 다시 그 사랑을 위해 한 발 나아가는 모습을 깊이 있게 그려냈다.   87분 상영, 10월 23일 개봉, 15세 이상 관람가. 2024.10.22 05:00

더 커진 플레이브 팬콘, 기술로 극대화한 몰입[노컷 리뷰] "헤이터(Hater)들은 그냥 가세요 / 키득 키득 지긋 지긋 / 인사드리겠습니다 / 잘 부탁드립니다 / 자주 뵙고 싶습니다 / 예쁘게 봐주세요 / (예쁘게 봐달라니까?)" _ '버추얼 아이돌' 버추얼(가상) 아이돌은 물리적인 장소에서 어떻게 콘서트를 열까? 코로나 팬데믹 시절 '집합'이 사실상 금지돼 열렸던 아이돌 온라인 콘서트와는 어떤 점이 다를까? 강력한 팬덤을 바탕으로 인기몰이 중인 그룹 플레이브(PLAVE)의 팬 콘서트(팬콘)에 가기 전 가장 궁금했던 부분이다. 지난 5~6일 이틀 동안 서울 송파구 잠실실내체육관에서 열린 '헬로, 아스테룸! 앙코르'(Hello Asterum! ENCORE)는 플레이브가 무엇을, 어느 정도까지 할 수 있는지를 입증하는 공연이었다. 무엇보다 플레이브의 손짓과 눈짓 하나에도 반응을 쏟아낸, 플레이브를 '예쁘게 바라보는' 플리(공식 팬덤명)의 몰입이 굉장했다. MBC에서 20년 동안 컴퓨터그래픽 업무를 맡았던 이성구 대표가 이끄는 소속사 블래스트가 보유한 다채로운 기술, 플레이브가 '자체 제작'한 노래와 안무, 팬덤 형성 및 확장의 일등공신이라 할 수 있는 토크가 고루 어우러졌다. 90년대 말 윈도우(컴퓨터 운영체제 중 하나) 바탕화면처럼 보이는 화면이 어그러지면서 다른 차원에 진입하듯 시작한 '헬로, 아스테룸! 앙코르'의 첫 곡은 그들의 데뷔곡 '기다릴게'였다. 은빛 콘페티가 쏟아지며 마치 공연장에 온 관객을 환영하듯 시작한 '기다릴게' 무대부터, 플리(공식 팬덤명)의 응원 열기가 뜨거웠다. 각자 "비주얼"(노아) "오빠"(하민) 등으로 본인을 소개한 플레이브는 기존 올림픽홀에서 이번 잠실실내체육관으로 공연장 규모가 커졌음에도 다시 한번 '10분 만의 매진'을 기록한 것을 두고, 플리에게 고마움을 표했다. 은호는 "저희 단독 공연 많이 기다리셨나? 이번에 더 큰 공간에서 우리 사랑스러운 플리들을 만나게 돼서 너무 행복하다"라고, 밤비는 "오늘 정말 후회없이 즐겨주시면 감사하겠다"라고 말했다. 소속사 블래스트의 이성구 대표는 올해 4월 열린 기자간담회에서 데뷔 1년 간의 방향성과 올해의 목표를 언급한 바 있다. 앨범 발매, 팬 미팅과 팬콘 개최 등 "다른 아이돌이 하는 걸 버추얼 아이돌이 할 수 있다"라는 것을 보여주려고 했다던 이 대표는 인제 "저희가 잘할 수 있는 게 무엇인지 고민"하는 단계라고 설명했다. '헬로, 아스테룸! 앙코르'는 플레이브의 특장점이 무엇인지 드러나는 공연이었다. 겉모습은 애니메이션의 형태이지만, 노래하고 춤추고 말하는 등 모든 '행위'를 하는 실연자가 존재하는 플레이브는 버추얼 아이돌의 이점을 살려 빠르게 여러 벌의 의상을 선보였고 무대도 그때그때 바꿨다. '사람'이기만 한 아이돌 역시 곡마다 무대 세트나 연출을 다르게 할 수 있고 옷도 갈아입을 수 있지만 현실적으로 '시간'의 제약이 있다. 멤버들에게는 옷을 갈아입고 새로운 스타일링을 더할 시간이, 스태프들에게는 세트를 설치하고 옮기고 거두는 시간이 필요하다. 하지만 플레이브는 이렇게 '보이는 것'을 미리 준비할 수 있기에 금방 변신할 수 있다. 첫 곡 '기다릴게'를 마친 후 플레이브는 '아이 저스트 러브 야'(I Just Love Ya)에서 금세 군청색 제복을 입은 모습으로 나타났다. 바로 다음 곡인 '왜요 왜요 왜?'에선, 놀이공원 같은 알록달록한 분위기의 배경에서 하늘색을 중심으로 한 편안한 차림을 선보였다. 밴드 버전으로 들려준 '여섯 번째 여름'에서는 다들 교복을 입은 모습이었다. 이러한 장점은 멤버들이 솔로와 유닛 무대를 할 때 가장 두드러졌다. 밤비가 아이유의 '내 손을 잡아'를 부를 때는 봄날의 벚꽃길처럼 분홍빛이 시선을 끌었다. 밤비는 파란 벤치에 앉아서 노래하다가 누워있기도 했고 무릎을 꿇는 퍼포먼스도 했다. 벚꽃이 흩날리는 것처럼 사라진 것도 그가 '버추얼 아이돌'이기에 가능했다. 오토바이를 타고 멋지게 등장한 은호는 자작곡인 '릿'(LIT)으로 랩을 선보였다. 그룹 에스파(aespa)의 '넥스트 레벨'(Next Level)은 밤비와 유닛을 이뤄 소화했는데, 두 사람은 랩을 직접 추가해 들려주기도 했다. 하민은 솔로 무대 '더 서치'(The Search)에서 현란한 액션 연기를 보여줘 눈길을 끌었다. 노아가 우즈(WOODZ)의 '드라우닝'(Drowing) 무대를 할 땐 반투명한 천이 내려와 신비한 분위기를 배가했다. 노아 역시 누워서 노래하다가 자유롭게 이동하며 무대를 꾸몄다. 로제의 '온 더 그라운드'(On The Ground)를 선곡한 예준은 짤막하게 피아노를 연주한 후, 그랜드 피아노 위에 앉아 노래하기 시작했다. 공연의 하이라이트는 플레이브가 플로어 가운데 있는 돌출 무대로 왔을 때였다. "저희가 앞으로 갈 거예요"라고 예고한 플레이브는 다각형 형태의 스크린으로 등장했다. 고화질 화면이 부드럽게 전환되는 방식으로 멤버들은 계속 자리를 옮겨 팬들을 만났다. 돌출 무대에서 플레이브는 '프롬'(From)과 '디어 플리'(Dear. PLLI)를 불렀다. 노아는 플리를 향해 볼 하트를 했고, 멤버들도 "플리야 사랑한다!" "플리 사랑해! "플리야 이쁘지?" 등 팬덤명을 연호하며 호응을 유도했다. 예준은 "(저희가) 하늘에서 내려와서 깜짝 놀라셨죠? '디어 플리'가 플리를 위한 곡인 만큼 가까이서 들려드리고 싶어서 돌출 무대에서 해 봤다"라고 말했다. 노아는 "가까이서 예쁜 플리의 얼굴을 보면서 노래하니까 마음이 뭉클해졌다"라고, 예준은 "이렇게 가까이서 보니까 더 아름답다"라고 부연했다. 뛰어난 기술력은 공연의 볼거리를 더했다. 특히 응원봉 제어 기술이 독보적이었다. 객석의 응원봉은 다채로운 빛깔로 바뀌는 것은 기본이고, 도형부터 문구까지 다양한 메시지도 손쉽게 표현했다. 아쉬운 점은 오히려 기술 밖에 있었다. 아이돌은 '버추얼' 형태더라도, 라이브로 노래와 안무를 하는 건 '실제'였기에, 음정 불안이나 숨참 등 고스란히 드러났다. 대체로 안무 구현도가 높았지만 동작의 세밀한 부분 일부는 어색하게 느껴지기도 했다. 플레이브는 '웨이 포 러브'(WAY 4 LUV)를 비롯해 '기다릴게' '여섯 번째 여름' '왜요 왜요 왜?' 등 그간의 발표곡을 선보였다. 아직 발매되지 않은 '12시32분'(A to T) 무대도 깜짝 공개해 환호받았다.   첨단 기술, 많은 라이브 방송으로 다진 능숙한 토크, 충실한 세트 리스트 삼박자를 갖춘 공연에 플리는 엄청난 '몰입'과 '열광'으로 화답했다. 잠실실내체육관에서 공연한다는 것 자체가 탄탄한 팬덤을 보유했다는 의미겠지만, 이를 고려하더라도 플레이브 공연장의 열기는 유난히 뜨거웠다. 소속사 블래스트에 따르면, 플레이브는 이틀 간의 팬콘 앙코르 공연을 전석 매진시켰다. 다만 구체적인 관객 수는 밝히지 않았다. 2024.10.07 07:00

잠시 멈췄던 2NE1, '내일 없이' 뜨겁게 달린 라이브[노컷 리뷰] 데뷔곡 '파이어'(Fire)부터 대성공을 거뒀고 이후 '아이 돈트 케어'(I Don't Care) '그리워해요' '컴백홈'(Come Back Home) '고 어웨이'(Go Away) '어글리'(UGLY) '론리'(Lonely) '내가 제일 잘 나가' 등 여러 히트곡을 낸 그룹 투애니원(2NE1)의 활동 기간은 그리 길지 않았다. 2014년 2월에 낸 두 번째 정규앨범 '크러쉬'(CRUSH)가 사실상 마지막 앨범이었다. 올해 초까지만 해도 "잠시 사라진, 멈춰 있었던"(씨엘) 그룹이었던 2NE1이 화려하게 돌아왔다. 리더 씨엘(CL)을 시작으로 박봄, 산다라박, 민지까지 넷이 뭉친 2NE1의 단독 콘서트는 무려 10년 6개월 만이다.  멤버들은 "넷이 하고 싶었"(산다라박)다고 운을 뗸 후, 이렇게 다시 모인 무대는 "꿈에서 봤던 장면"(민지)이라며, "너무 그리웠"(박봄)다고 고백했다. 6일 오후 4시 서울 송파구 올림픽공원 올림픽홀에서 2024 2NE1 콘서트 '웰컴 백'(WELCOME BACK) 서울 마지막 날 공연이 열렸다. "뿌리로 가져가고 싶었던 건 '클래식한' 2NE1 모습 그 자체"이고, "정말 오리지널한 2NE1의 음악"과 "2NE1 무대의 정수"만을 완벽히 담아냈다고 자부한 씨엘의 말처럼, '웰컴 백'은 '2NE1 무대란 이런 것이다'를 온몸으로 증명하는 공연이었다. 타이틀곡뿐 아니라 수록곡도 좋다(산다라박)고 운을 떼면, "다 히트곡"(민지)이라고 맞장구칠 수 있을 정도로, 2NE1은 보유한 많은 히트곡을 세트 리스트에 넣었다. 2NE1 하면 떠오르는 대표곡으로 세 손가락 안에 들지 않을까 싶은, 어마어마한 데뷔곡 '파이어'가 첫 곡이었다. 오래 그룹 활동을 쉬었다는 것이 믿어지지 않게, 2NE1의 무대는 여전히 파괴적이었고 라이브는 힘찼다. '박수쳐' '캔트 노바디'(Can't Nobody)로 불을 지핀 2NE1은 간단한 인사와 무대에 오르기 전 꼭 하는 구호 '놀자!'를 남긴 후 이렇다 할 멘트 없이 무대, 또 무대를 이어갔다. 다만 오랜만에 만난 블랙잭(2NE1 공식 팬덤명)에게 '같이 놀고 즐길 것'을 여러 차례 권했다. 내는 곡마다 많은 대중의 사랑을 받았던 그룹이었기에, 세트 리스트는 찬란했다. 그중에서도 '메가 히트곡'이 나올 때 반응은 열화와 같았다. 대표적인 곡이 '아이 돈트 케어'다. 전주만 나왔을 뿐인데 관객의 흥분이 고조됐고, 스탠딩석이 아닌 2층 구역에서도 자진해서 자리에서 일어나 즐기는 관객이 등장했다. 후반부 등장한 '내가 제일 잘 나가' 무대는 정점이었다. 멤버들과 관객들의 에너지가 함께 터졌다. 중반부에는 '그리워해요'를 시작으로 '아파' '살아봤으면 해' '론리'(Lonely)까지 2NE1표 발라드가 나왔다. '나의 젊은 날의 사랑은 이렇게 끝이 나네요'라며 회한의 정서를 담은 이 곡은, 발표 당시보다 지금의 2NE1에게 더 어울리는 옷처럼 보였다. 시간이 흐르며 2NE1은 더 깊은 감성을 더 능숙하게 표현하는 아티스트가 됐다. 이날 공연은 밴드 세션과 함께해 듣는 재미를 배가했다. 귀에 감기는 중독적인 도입부를 지닌 일렉트로 팝 '아이 러브 유'(I Love You)에서는 드럼 소리가 특히 잘 들렸고, 알앤비(R&B), 레게, 힙합 등 다양한 장르를 결합한 곡이지만 밴드 편곡으로 좀 더 로킹해진 '컴백홈' 역시 드럼 연주가 귀에 꽂혔다. 가장 인상적인 멤버는 예상했던 대로 씨엘이었다. 팀의 리더이자 솔로로도 활동한 그는 '나쁜 기집애'(GZB)와 '멘붕' 두 곡을 포함해 유일하게 솔로 무대를 선보였다. 마치 왕위 즉위식처럼 장엄한 분위기 속에서 높은 구조물 위로 올라간 씨엘은 "언니랑 놀 준비됐어요?"라고 외쳐 환호받았다. 현란한 조명 연출로 시선을 사로잡은 '멘붕'은 밴드 연주 덕에 더 신나졌고, 더 근사해졌다. 댄스 브레이크 당시 전광판에 노출되는 장면은 약간 느리게 하는 효과를 넣어 동작 하나하나에 집중하도록 한 연출도 흥미로웠다.   씨엘은 발성, 성량, 발음 어느 것 하나 손색없었고 래핑과 가창을 자유자재로 넘나들면서도 여간해선 지친 기색을 보이지 않았다. 후반부에 살짝 음이 어긋나는 부분이 한두 차례 있었으나, '웰컴 백' 공연을 가장 앞장서서 책임진 것은 씨엘이었다. 팀 내 '메인 댄서'인 민지는 춤 실력만 언급하기 아쉬울 정도로 뛰어난 '올라운더'(다양한 분야를 두루 잘하는)로 활약했다. '파이어' '캔트 노바디'에서 열정적인 춤을 선보인 '폴링 인 러브'(Falling In Love)에서는 무대에 눕는 퍼포먼스로 환호를 끌어냈다. '두 유 러브 미'(DO YOU LOVE ME) '그리워해요' '아파' '어글리' 등 여러 곡 무대에서는 보컬이 돋보였다. 직접 "상큼 보컬"이라고 소개한 산다라박은 조금 더 가볍고 듣기 편한 목소리와 가창으로 확실하게 분위기를 환기했다. 산다라박 목소리 매력이 두드러진 곡으로는 '두 유 러브 미'와 '아이 돈트 케어'를 들고 싶다. '폴링 인 러브'에서의 춤은 기대 이상이었고, '어글리'에서는 "따뜻함이란 없어, 곁엔 블랙잭이 있어"라고 개사해 함성이 커졌다. '메인 보컬' 박봄은 여러 곡의 핵심 파트를 소화했고, '캔트 노바디' '폴링 인 러브' '너 아님 안돼' 등에선 특유의 매력적인 음색이 돋보였다. 다른 멤버들이 전성기를 연상케 하는, 혹은 그보다 나아진 실력으로 감탄을 자아낸 것과 달리 박봄은 라이브 면에서 꽤 아쉬움을 남겼다. 첫 곡 '파이어'부터 다소 막힌 소리를 냈고, '어글리'에선 앞부분을 잠깐 놓쳤으며, '그리워해요'나 '인 더 클럽'(In The Club)에서는 고음 처리에서 버거움이 느껴졌다. 첫 단독 콘서트를 열었던 올림픽홀에 다시 돌아온 2NE1은 감회가 남다르다고 고백했다. 박봄은 "저도 이번 공연을 준비하면서 멤버들에게 너무 고맙고 정말 뜻깊은 시간이 되었던 거 같다. 무엇보다 이렇게 여러분께 투애니원으로 인사드리게 돼서 너무 행복한 시간이었다"라고 말했다. 민지는 "사실 이 모습이, 네 명이 함께 다시 여러분을 찾아뵙는 모습을 꿈에서 봤는데 실제로 이루어진 걸 보면 진짜 꿈은 이뤄지는 거 같다"라며 "항상 이렇게 저희 곁에 머물러주셔서 너무나 감사드린다"라고 말했다. 또한 민지는 "10년 만에 콘서트 할 수 있어서, 그리고 언니들 진짜 내가 많이 사랑하는 거 알죠? 진짜 사랑해요"라고 밝혔다. 산다라박이 좋지 못한 민지의 무릎 상태를 걱정하자, 민지는 "오늘 결심했다. '내일은 없다'라고. 서울의 막(마지막)콘이지 않나. 그러니까 제대로 놀아야지!"라고 호쾌하게 답했다. 산다라박은 게스트로 무대를 꾸민 베이비몬스터(BABYMONSTER)를 언급하며 "예쁘고 너무너무 잘하더라. 그 친구들을 보니까 저희 데뷔 때 생각이 났다. 저희도 빅뱅(BIGBANG) 투어 할 때 게스트로 나갔었다"라며 "우리 멤버들 각자 솔로 활동을 했지만 넷이 하고 싶었다"라며 울컥하기도 했다. 그러면서 "안 보이는 곳에서 애써주신 스태프분들, YG 패밀리 그리고 우리 양현석 사장님 너무 감사하다"라고 덧붙였다. 씨엘은 "'15주년인데 그래도 우리 뭔가 기념을 해볼까, 기념사진이라도 찍어볼까' 이렇게 시작한 다짐이었는데 지금 오늘 여러분한테 서 있다. 저희가 어떻게 보면 4개월 전만 해도 사실 잠시 사라진, 멈춰 있었던 그런 그룹이었는데 여러 과정이 있었지만 지금 결과적으로 오늘 이 자리에 여러분들과 함께할 수 있어서 너무 꿈만 같다. 저희 네 명에게는 정말 치유가 많이 되는 자리인 거 같다. 이게 다 여러분 덕분"이라고 고마움을 표했다. 이어 "여러분들도 꼭 하고 싶은 게 있으시다면 조금 무섭고 막막하더라도 도전해 보시라고 저와 2NE1이 말하고 싶다. 오늘 좋은 에너지 주신 만큼 배로 좋은 추억 좋은 기분 갖고 돌아가시길 바라겠다"라며 "저희가 이제 몇 곡 안 남았는데 후회하지 말고 끝까지 달려라"라고 전했다. 15주년을 맞아, 10년여 만에 연 2NE1의 콘서트에는 윤도현, 노홍철, 세븐, 거미, 지드래곤, 대성, 위너(WINNER), 제니, 뉴진스(NewJeans), 보이넥스트도어(BOYNEXTDOOR) 등 수많은 이들이 참석해 공연을 즐겼다. YG 소속 후배인 베이비몬스터도 '쉬시'(SHEESH)와 '배러업'(BATTER UP) 무대를 꾸몄고, 2NE1의 곡을 무반주로 라이브 했다. 아이유, 에스파(aespa), 트와이스(TWICE), 지코, 트레저(TREASURE) 등 많은 팀이 콘서트 축하 영상을 보내기도 했다. 사흘 동안 4천 명씩 총 1만 2천 관객을 동원한 2NE1은 앙코르 콘서트에 관해서도 귀띔했다. 산다라는 "못 오신 분들이 많다고 한다. 저희 앙코르 콘서트해야 하지 않겠나"라고 운을 띄운 후, "이래놓고 안 오시면 안 된다"라고 당부했다. 씨엘은 "어쨌든 여기보단 큰 곳이어야 할 것 같다"라고 거들었다. 2NE1은 서울을 시작으로 마닐라·자카르타·고베·홍콩·도쿄·싱가포르·방콕·타이베이 등 총 9개 도시에서 15회에 달하는 아시아 투어를 이어간다. 2024.10.07 05:00

구조조정의 이면, 우리가 '해야 할 일'을 향한 질문[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   구조조정과 해고 등 노동문제를 다루는 미디어에서 주목했던 건 '해고 노동자'다. 그러나 '해야 할 일'은 초점을 옮겨 노동자를 해고해야 하는 노동자를 주목했다. 이를 통해 노사 갈등 아래 숨겨진 노노 갈등, 그 복잡한 노동자들의 현실과 내면, 노동자를 벼랑 끝으로 모는 시스템을 되묻게 만든다.   한양중공업 4년 차 대리 강준희(장성범)는 인사팀 발령과 동시에 150명을 정리하라는 구조조정 지시를 받는다. 하고 싶지 않지만, 회사를 살리기 위한 불가피한 일이라며 준희와 인사팀은 정리해고자를 선발하게 된다. 작업이 진행될수록 회사의 입맛대로 해고 대상자가 추려지면서, 준희는 해고자 명단에 존경하는 선배와 절친한 친구, 둘 중 한 명의 이름을 올려야만 한다.   명필름랩 6기 박홍준 감독이 각본과 연출을 맡은 '해야 할 일'은 실제로 조선소 인사팀에서 근무하며 직접 겪은 경험을 바탕으로 '해고의 과정'을 담아낸 리얼 현실 드라마다.   무엇보다 '해야 할 일'이 특별한 지점은 영화가 시선을 둔 방향이다. 보통 노동자나 노동문제, 특히 해고 노동자를 다루는 영화가 초점을 맞추는 대상은 '해고 노동자'다. 그러나 '해야 할 일'은 해고 노동자가 아닌 같은 노동자를 해고해야 하는 노동자에 초점을 맞췄다.   영화는 현실의 일터에서 벌어지는 여러 부당함을 '해고'라는 키워드를 통해 그려나간다. 회사의 위기 앞에 노동자들은 먹고 산다는 가장 기본이자 중요한 기반이 흔들릴 위기에 처한다. 회사의 방침은 간결하다. 직원 수를 줄이라는 것, 즉 구조조정을 단행하는 것이다.   그러나 절대 간결하지 않은 이 과정에서 노동자들은 서로 대립하게 된다. 해고해야 하는 자와 살아남아야 하는 자로 말이다. 문제는 이를 위해 같은 위치에 놓인 노동자끼리 대립해야 하고, 선을 그어야 한다는 점이다.   주인공인 인사팀 강준희 대리는 윗선에서 내려온 지시에 따라 누구를 해고하고, 누구를 회사에 남길지 분류해야 한다. 그게 강 대리가 '해야 할 일'이다. 해고 위기에 놓인 노동자 관점에서 강 대리와 인사팀은 사측과 다를 바 없는 '악'이다. 그저 위에서 시키는 대로, 자신이 속한 부서서의 '해야 할 일'을 하기 때문이다.   회사의 위기에서 언제나 가장 위험에 몰리는 건 가장 낮은 곳에 위치한 노동자다. 책임져야 할 주체는 뒤로 빠져 있고, 보호받아야 할 노동자들은 벼랑 끝에서 누군가를 정해 아래로 밀어야 하는 가혹한 선택에 놓인다. 영화에서도 책임을 짊어져야 하는 '회장님'은 보이지 않는다. 결국 해고 기준도 같은 노동자가 정해야 한다.   해고되어야 할 노동자와 그렇지 않은 노동자로 나눠야 하는데, 과연 이를 가르는 기준은 무엇일까. 노동자를 쉽게 수치화하고 구분 짓는 사회, 먹고 살기 위해서 먹고 살아야 하는 사람들을 해고해야 하는 사회는 건강한 사회일 수 없다.   이처럼 영화는 해고 문제를 다루면서도 노사 갈등을 부각하지도 않고, 해고 노동자에만 무게를 두지 않는다. 또한 어느 한쪽을 매도하지도 않는다. 그저 가장 극심한 갈등이 시작되는 순간 부상할 수밖에 없는 직장 내 온갖 부당함과 차별들을 보여준다. 영화 속 해고의 판단 기준이 되는 학력, 성별, 직급, 업무, 연차 등 말이다.   어느 노동자도 선과 악이라는 이분법으로 나누어 보지 않는 것처럼, 영화가 직시하고자 하는 것은 노동자들을 반목하고 갈등하게 만드는 노동 환경과 시스템이다.   새해가 밝아도 여전히 불안정하고 희망적인 내일을 단언할 수 없음을 보여주는 엔딩처럼, 특정 노동자 혹은 사측을 단순하게 '악'으로 바라볼 게 아니라 반복되는 갈등을 만드는 시스템의 폐해를 짚어야 한다. 그렇지 않으면 언젠가는 내가 '해야 할 일'을 하거나 해야 할 일의 대상자가 될 수 있기 때문이다.   우리의 시선이 진짜 가닿아야 할 곳, 진짜 해야 할 질문을 하기 위해 101분의 러닝타임 동안 노동자들의 내밀한 현실과 그 복잡성을 지켜봤다. 언제 또다시 해고의 칼바람이 불어올지 모른다는 불안과 어쩌면 나아지지 않을까 하는 희망이 공존하는 엔딩은 그래서 중요하다.   영화는 시작부터 촛불시위와 구조조정을 대비해 보여준다. 한쪽에서는 부당함에 항거하는 촛불이, 한쪽에서는 부당함에 꺾여나가는 사람들이 존재한다. 주인공의 마음은 올바른 사회를 만들기 위한 촛불을 향하지만, 집회에 참여하지는 못한다. 회사 안에서도 부당함에 저항하지 못한다는 부끄러움이 그를 더욱더 부끄럽게 만든다. 그런 강준희 대리와 연대할 수 있는 건 결국 우리, 즉 관객이다. 감독은 촛불과 노동자 사이 경계를 넘을 수 있도록 다리를 놓았다. 이를 건널지 말지는 관객에게 달렸다. 영화의 엔딩이 희망적으로 바뀌기 위해서는 극장 밖을 나가서 우리가 영화를 통해 만난 노동자들의 모습들을 곱씹어 보고, 지금의 노동 환경을 이야기해 봐야 한다.   이는 이어지지 않았던 재희의 일터와 촛불을 스크린 밖 관객들이 연결 짓는 행위가 될 수 있다. 그리고 그들만의 사회 안에서 갈등하며 외롭게 투쟁해야 했던 재희와 노동자들 그리고 현실의 노동자들을 향한 연대로 이어질 수 있다. 그것이 새해가 밝았음에도 여전히 암울한 재희의 회사를 올바르게 바꿀 수 있는 길이다.   영화 속 인물들은 마치 현실의 한 장면을 떼어와 스크린 위에 덧댄 것처럼 사실적으로 존재한다. 특히 자신의 손으로 노동자의 생사를 결정해야 한다는 데서 오는 부담과 절망, 생존과 부끄러움 등 복잡하고 혼란스러운 내면을 담담하게 그려낸 장성범은 관객과 스크린 사이 거리를 좁혔다. 그의 열연은 '해야 할 일' 이후 그 이상을 보여줄 수 있을 거라는 믿음을 전한다.   메가폰을 잡은 박홍준 감독은 '해야 할 일'을 통해 영화가 새로운 시각으로 노동 현실을 다룰 수 있음을 증명했다. 특히 어느 한쪽으로 치우치지 않는 균형감각과 우리가 놓치고 있었던 구석을 바라본 감독의 시각은 그가 다음에는 또 어떤 곳을 어떻게 바라볼지 기대하게 만든다.   101분 상영, 9월 25일 개봉, 12세 이상 관람가. 2024.09.26 05:00

아이유, 홀씨처럼 날아 상암에 도착하다[노컷 리뷰] "제 요즘 마음가짐은 최근에 낸 곡 '홀씨' 같은 마음인데요. 뭔가 큰 원대한 꿈을 가지고… 원래도 그런 스타일은 아니었지만 더 홀가분히, 세상 좀 멀리 바라보면서 여기 가면 여기 가고 저기 가면 저기 가고 그냥 오랫동안 생존해 있는 그런 가수가 되는 게 목표거든요. 이번에 좋은 세상 구경 잘하고 왔고요. 이번 투어에서 느낀 감사한 마음이든 무슨 마음이든 또 좋은 음악으로 녹여서 가져오겠습니다. 덕분입니다. 마지막 곡 들려드리고 인사드릴게요. 이만 아이유였습니다." 본인이 부르는 많은 곡의 가사를 직접 쓰는 편이기에, 아이유(IU)가 발표하는 음악에서는 그가 하는 생각과 느끼는 감정의 흔적이 남아있다. 지난 2월 낸 미니 6집의 타이틀곡 중 하나인 '홀씨'도 그렇다. "걔는 홀씨가 됐다구"라는 구절은 새침해 보이지만, "적당히 미끈한 곳에 뿌리내리긴 싫"고, "내가 누울 자린 아마도 한참 더 위"이며 "날 따라, 날아가 꼭대기루"라고 권하고는 "난 기어코 하늘에 필래"라고 하는 구절은 어떤 선언처럼 들리기도 한다. 단단히 박힐 뿌리도, 누군가를 사로잡을 화려한 꽃잎도 없지만, 그만큼 '가벼운 몸'이라서 어디든 자유롭게, 원한다면 드높게 떠오를 수 있는 홀씨. "하늘에 홀홀이 나부끼는 홀씨로 살고자 한다"(미니 6집 소개 글)라고 밝혔고, 5만여 관객 앞에서도 '홀씨 같은 마음가짐'으로 살고 있다는 답을 내놓은 아이유. 그는 정말로 홀씨처럼 날아올라 마침내 상암에 다다랐다. 2022년 한국 여성 가수 최초로 잠실종합운동장 올림픽 주경기장에서 단독 콘서트를 연 아이유는, 서울 마포구 상암동에 있는 서울월드컵경기장에서 단독 콘서트를 개최함으로써 또다시 신기록을 세웠다. '상암 입성'은 아이유에게도 처음이었고, 한국 여성 가수로서도 '최초'였다. 아이유는 '2024 아이유 허 월드 투어 콘서트 앙코르 : 더 위닝'(2024 IU HEREH WORLD TOUR CONCERT ENCORE : THE WINNING)으로 21~22일 이틀 동안 10만여 관객을 만났다. '홀씨'는 22일 마지막 공연의 첫 곡이자, 앙코르에서 한 번 더 불러 유일하게 두 번 부른 곡이었다. 하늘 위로 올라간 홀씨처럼, 그 역시 기구를 타고 공중을 누볐다. 어린이 댄서들의 안무와 해맑은 표정이 인상적이었던 오프닝 이후엔, 세트 리스트에서 가장 끈적이고 관능적인 노래가 아니었을까 싶은 '잼잼'이 등장했다. '어푸' 때는 오르락내리락하는 기구의 빠른 움직임에도 안정적으로 고음을 내지르는 모습이 인상적이었고, '삐삐'에선 '경고'의 의미를 나타내는 노란색과 검은색을 대비되게 배치한 것이 시선을 사로잡았다. 공연은 '힙노틱(Hypnotic) : 최면을 거는 듯한' '에너제틱(Energetic) : 활기찬, 힘이 넘치는' '로맨틱(Romantic) : 연애의, 사랑에 빠진, 정열적인' '익스테틱(Ecstatic) : 황홀경의, 열광적인' '히어로익(Heroic) : 영웅적인'과 '앵앵콜'이라고 부르는 두 번째 앙코르(EN-ENCORE)까지 총 6개의 구간으로 구성돼 있었다. "여러분의 오프닝 기억을 모두 다 모아서 제가 다 지워버릴 것"이라고 호언장담한 아이유는 '지금부터 기억을 지운다'로 시작하는 '오블리비아테'(Obliviate)로 첫 섹션 '힙노틱'을 마무리했다. '에너제틱'으로 넘어가기 전, 어린이 배우가 1층 객석과 가까이 있는 무대에 나타났다. 발걸음을 옮길 때마다 색색깔의 빛이 발자국처럼 남고, 흰 별이 그려진 드론을 좇아 달리는 연기를 펼쳤다. 본무대 쪽으로 길게 이어진 빛은 마치 길 같았고, 아이유는 활기차게 '셀러브리티'(Celebrity)를 불렀다. 꽃으로 장식한 기구를 타고 어린이 배우가 있던 그 자리로 와 한층 더 관객과 가까워진 아이유는 '블루밍'(Blueming) '라일락' '관객이 될게'(I stan U) 무대를 선보였다. '블루밍'은 메시지를 서로 나누는 것 같은 말풍선을 바닥에 띄워 보는 재미를 더했고, '라일락'으로는 가장 정석적인 '댄스 라이브'를 보여줬으며, '관객이 될게'는 가창만큼이나 후반부를 화려하게 장식한 밴드 연주가 백미였다. 앙코르 콘서트에서는 신곡 '바이 썸머'(Bye Summer) 무대도 공개됐다. 노란색 긴 콘페티가 터지면서 시작한 이 곡은 아이유가 일렉(전자) 기타를 연주하는 모습이 눈에 띄었다. '향긋한 웃음으로 일렁이는 목소리로' '내게 영원 같았던 우리를 닫는다' 등의 낭만적인 가사는 유독 길게 느껴졌던 올여름도 결국 아름답게 추억으로 간직할 수 있을 것 같은 기분이 되게 했다. "사실 여름을 싫어하는 사람"이라고 고백한 아이유는 "이번 투어를 하면서 인생에서 가장 긴 여름을 보낸 거 같다"라고 돌아봤다. 이어 "이번 여름이 너무 좋았다. 상암에서 공연하면서 타이밍 맞춰서 여름이 떠날 줄은, 거기까진 생각을 못 했다"라며 "인생에서 제게 가장 길었던 여름을 보내며 '바이 썸머, 사랑했다' 하는 노래"라고 소개했다. 가사를 한 글자 한 글자 음미하고 싶었던 또 다른 곡은 정규 2집 '라스트 판타지'(Last Fantasy) 수록곡 '비밀'이었다. 작사가 김이나가 쓴 이 곡은 시간이 지나 나이가 들수록 여간해선 털어놓기 어려운 비밀이 많아지는 내용을 담았다. 영어 단어와 표현 없이 모두 한국어로 된 가사여서 더 좋았던 이 곡에선 아이유의 맑은 음색이 특히나 돋보였다. "제 노래 중에서도 좀 많이 사랑하는 노래"라며 관객들이 따라 불러준다면 "이 여름을 보내며 가을을 맞는 사람 중에 (제가) 가장 행복한 사람이 될 것"이라고 소개한 '밤편지'는 잔잔한 가을바람이 부는 날씨와 해가 저물어 어둑해진 밤에 맞춤한 선곡이었다. 능숙한 완급 조절, 듣기 편한 라이브로 '보컬리스트 아이유'의 강점을 새삼 확인할 수 있는 무대이기도 했다. 실은 '허' 투어 앙코르의 마지막 날이었던 22일 아이유의 목 상태는 그리 좋지 않았다. 세트 리스트상 18번째 곡이었던 '러브 윈즈 올'(Love wins all) 무대를 앞두고, 아이유는 "항상 이 노래를 부를 때(시점)는 목이 최선의 컨디션은 아니"라고 언급했다. '하바나'(Havana)에서는 초반 음정이 살짝 불안했고, 고음이 반복되고 숨 쉴 틈 없이 몰아치는 전개의 '라스트 판타지'(Last Fantasy)에서는 일부 고음 처리에서 버거움이 느껴졌다. 여러 멤버가 파트를 나눠 갖는 그룹이 아닌 '솔로'로서 5개월 동안 투어를 진행했기에 예상 못한 바는 아니었다. 하지만 오히려 후반부로 갈수록 아이유의 목소리는 더 힘차고 단단해졌다. 최대 6만 6천여 석 규모의 거대한 스타디움에서 열린 공연인 만큼, 연출도 눈부셨다. 가장 강력한 존재감을 뽐낸 것은 드론 쇼였다. '라스트 판타지'는 7시에 맞춰진 시계 모양에서 시작해 노래가 끝날 때까지 내내 드론 쇼가 계속됐다. 두 번째 '홀씨' 무대에서는 노래의 중요한 오브제로 쓰인 망원경 모양이 하늘에 수놓아졌다. '쉬‥'(Shh‥) 무대에선 아이유가 존경을 표한 수많은 여성 아티스트의 초상이 대거 등장했다. 곡에 맞게 활약한 밴드, 오케스트라, 코러스, 댄서들의 공도 컸다. 아이유와 팬들이 함께 부르는 것으로 이미 널리 알려진 곡인 '너의 의미'에서는 관객석의 열창을 들을 수 있었다. 응원법이 있는 곡에선 거의 빠짐없이 유애나(공식 팬덤명)의 열띤 함성이 함께했다. 또한 팬들은 '기어코 승리를 이룬 그녀에 대하여 살루트(SALUTE)'라고 적힌 슬로건 이벤트를 준비해 장관을 이뤘다. 서울월드컵경기장에서 여는 단독 콘서트의 마지막 날이었던 22일은 아이유의 '100번째 단독 콘서트' 날이기도 했다. '앙앙코르'에 포함됐던 '가을 아침' 발매 7주년이기도 했고. 이날이 100번째라는 것을 세어준 팬에게 아이유는 "몇백 번을 더해야 이 가수의 인생이 끝날지 모르겠지만 세어 주신 그분도 닿는 데까지 세어달라. 언젠가 기념할 만한 숫자의 공연이 다다르면 또 감사하다고 말씀드리겠다"라고 말했다. 잠실에 이어 상암까지, 스타디움에 연달아 입성하며 한국 여성 가수로서 거듭 '최초'의 기록을 쓴 아이유는 관객에게 공을 돌렸다. 그는 "(여러분의) 그런 기도나 그런 응원이 없었으면 못 할 것"이라며 "관객분들이 사랑으로 쓰다듬어 주셨지만 '정신 차려! 일어나! 공연하러 가야지!' 해 줘서 겨우겨우 여기까지 온 것 같다"라고 밝혔다. 어느덧 아이유 콘서트의 트레이드마크가 된 방석을 비롯해, 관객들은 이날도 여러 선물을 받았다. 그중 망원경도 있었다. 아이유는 "되도록이면 많이 발견하고 되도록이면 많이 쟁취하시길 바라는 마음으로 망원경을 준비했다"라며 "제가 사랑하는 여러분이니까 그냥 여러분의 꿈을 응원하고 목표를 응원하고 진짜 많이 발견하시길, 크고 작은 승리를 만나시길 바라는 마음으로 준비한 투어였다. 이 투어를 보고 그런 용기가 생긴다면 더할 나위 없이 행복한 밤을 보낼 수 있을 거 같다"라고 전했다. 앙앙코르에서 아이유는 노래하는 순간에 맞춰 '아침'을 '저녁'으로 개사해 부른 '가을 아침'부터, 화면에 핑크빛 달을 띄운 '스트로베리 문'(strawberry moon), "좋은 날은 갑자기 온다. 행운 없어도 우리는 잘 살 수 있다. 그치만 조금 더 행운이 가기를 바라겠다"라는 멘트로 완성됐던 '언럭키'(unlucky)를 불렀다. 사전에 받은 세트 리스트상 마지막 곡은 '언럭키'였으나, 아이유는 '있잖아'와 '여름밤의 꿈'까지 2곡을 추가해 총 26곡 무대를 펼친 후 무대에서 퇴장했다. ▶ 9월 22일 세트 리스트 1. 홀씨 2. 잼잼 3. 어푸 4. 삐삐 5. 오블리비아테 6. 셀러브리티 7. 블루밍 8. 라일락 9. 관객이 될게 10. 바이 썸머 11. 하바나 12. 너의 의미 13. 밤편지 14. 라스트 판타지 15. 쇼퍼 16. 비밀 17. 너랑 나 18. 러브 윈즈 올 (앙코르) 19. 쉬‥ 20. 스물셋 21. 홀씨 (앙앙코르) 22. 가을 아침 23. 스트로베리 문 24. 언럭키 (추가) 25. 있잖아 26. 여름밤의 꿈 2024.09.23 07:00

'스픽 노 이블'의 진정한 공포는 엔딩에서 시작한다[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   현실의 불안과 공포를 포착해 스릴러로 표현하는 데 있어서 탁월한 능력을 선보이고 있는 블룸하우스가 이번에도 현실의 불안정함과 균열을 파고드는 서스펜스 스릴러를 내놓았다. '스픽 노 이블'은 원작인 동명의 덴마크 영화와 다른 길을 가며 엔딩에서 진짜 공포를 선사한다.   휴양지에서 처음 만나 우연히 함께 휴가를 보내게 된 두 가족. 패트릭(제임스 맥어보이)은 자신의 집으로 루이스(맥켄지 데이비스)의 가족을 초대한다. 다시 만나 즐거운 시간을 보낼 것이라 예상한 것도 잠시, 거절할 수 없는 호의와 불편한 상황들이 계속되며 불길한 두려움을 느끼고 집에 돌아가려 하던 중 숨겨진 진실을 마주하게 된다.   '블룸하우스'라는 이름은 어느덧 호러와 스릴러 장르에서 '기대감'을 나타내는 단어로 자리매김했다. '해피 데스데이' '메간' 등 호러테이닝 외에도 '겟 아웃' '인비저블맨' 등 서스펜스 스릴러 분야에서도 두각을 나타냈던 블룸하우스가 제임스 왓킨스 감독, 제임스 맥어보이의 손을 잡고 '스픽 노 이블'을 선보였다.   '인비저블 맨'에서 보여줬듯이 현실의 문제를 스릴러라는 장르 안으로 가져와 영화적으로 풀어냈던 블룸하우스는 이번에도 '스픽 노 이블'을 통해 현실의 문제, 현실에서 일어날 법한 일을 그려내며 불편한 공포를 자아냈다.   '스픽 노 이블'은 이탈리아 휴양지에서 만난 미국인 루이스 가족을 영국인 패트릭 가족이 자신의 집으로 초대하며 벌어지는 이야기를 그린다.   영화는 아름다운 휴양지가 가진 분위기와 달리 초반부터 '낯섦'에서 오는 긴장을 드러낸다. 생면부지의 사람들이 모이는 여행지, 그곳에서 사는 곳도 살아가는 방식도 전혀 다른 낯선 두 부부가 만나 친밀함을 이어간다는 이야기는 얼핏 보면 훈훈하다. 평화로워 보이는 낯선 두 가족 사이 어딘가 불편한 균열은 현실에서도 부딪히는 문화적·사회적 주제를 통해 실체를 드러낸다. 채식주의, SNS(소셜네트워크서비스), 총기 문제, 패스트 패션 등 문화와 개인적 신념, 사회적인 문제를 바라보는 시각에 대한 차이로 인해 두 가족 사이에는 내내 미묘한 불편함이 감돈다.   이처럼 낯섦과 다름이라는 현실 사회에서 만날 수 있는 일들은 '스픽 노 이블' 안에서 불편한 듯 불쾌한 긴장과 공포로 뻗어 나간다. 낯섦과 다름 속에 숨겨진 건 '불안정함'과 '불편함'이고, 이러한 감정이 차곡차곡 쌓여 불쾌함마저 느껴지는 공포로 이어지는 것이다.   낯선 이의 정체 모를 친절이 파고들 수 있었던 건 루이스 부부 사이에 불안정하다는 균열이 있었기에 가능했다. 루이스와 벤은 각기 직장 문제로 내면의 균열이 생겼고, 루이스와 벤 사이 역시 균열이 존재한다. 그러한 균열, 내면의 불안정을 패트릭이 파고들게 된다. 천천히 쌓아간 등장인물들의 불편함이 폭발하는 순간부터 패트릭은 잔혹하고 폭력적인 내면의 악을 외부로 서슴없이 드러낸다. 패트릭은 현실의 불안정과 불편함이 어떻게 '악마화' 될 수 있는지 보여주는 사례다. 그러나 패트릭이 선사하는 진짜 공포는 '스픽 노 이블'의 엔딩에 있다.   패트릭은 영화 중간중간 자신의 악이 어디서 비롯됐는지 이야기한다. 아버지로부터 비롯된 악은 불안정했던 패트릭을 파고들어 현재의 모습으로 만들었다. 그리고 이는 또 다른 불안정한 마음에 파고들어 어린 희생양이자 또 다른 악을 만들어낸다.   물론 영화의 엔딩은 완전한 악의 탄생이라고 보기에는 모호한 면이 있지만, 어쩌면 또 다른 악의 탄생의 시작점일지도 모른다는 불안함을 관객들에게 안겨준다. 패트릭의 모습을 처음부터 끝까지 지켜본 관객이라면, '제2의 패트릭'이 나타날 수 있다는 가능성은 그 자체로 불안이자 공포다. 우리는 현실에서도 비슷한 일들을 목도하기에 '스픽 노 이블'의 진짜 공포는 엔딩을 마주했을 때, 가장 마지막에 클로즈업된 얼굴에서 시작된다.   이처럼 영화는 시작부터 마지막까지 불안정함을 파고드는 다양한 공포를 이야기한다. 현실에 발붙인 채 현실에서 벌어지고 있는 혹은 벌어질 법한 사실을 가져와 천천히 쌓아가며 긴장과 공포를 자아낸다.   '인비저블 맨'에서도 그러했듯이 사회에서 현대인들이 마주하는 공포 중 하나를 영화에 녹여냈다는 점에서 '스픽 노 이블'은 블룸하우스만의 서스펜스 스릴러 계보를 이어간다.   동명의 덴마크 영화를 원작으로 하는 '스픽 노 이블'은 큰 줄기와 일부 작은 설정들은 같지만, 주요한 설정과 엔딩 등에서 다른 모습을 보인다. 이에 원작과 블룸하우스의 손길을 거친 '스픽 노 이블'을 비교해 본다면 또 다른 재미를 느낄 수 있다.   '23 아이덴티티' '글래스' 등에서 스릴러에 어울리는 얼굴임을 입증했던 제임스 맥어보이는 '스픽 노 이블'에서도 평범한 속에 숨겨진 악의 모습을 뛰어나게 표현해 냈다. 루이스 역의 맥켄지 데이비스 역시 불안정함 가운데서도 딸을 위해 용기 내는 강인한 엄마를 섬세하게 그려냈다.   109분 상영, 9월 11일 개봉, 15세 이상 관람가. 2024.09.14 08:00

정의를 묻는 류승완 감독의 영화적인 방식 '베테랑2'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   '사적 복수' 혹은 '사적 제재'라는 콘텐츠가 주는 사이다가 당연해진 요즘, 우리에게 '정의'란 어떤 모습을 하고 있을까. 류승완 감독은 자신이 제일 잘하는 '영화', 그중에서도 '액션'이라는 장르를 통해 당연하다 여기는 것을 어떻게 다시 바라볼 것인지, 우리가 놓치고 있는 것은 무엇인지 질문을 던진다. 바로 9년 만에 돌아온 '베테랑2'를 통해서 말이다.   베테랑 형사 서도철(황정민)과 강력범죄수사대 형사들은 지금도 여전히 가족들도 못 챙기고 밤낮없이 범죄들과 싸운다. 어느 날, 한 교수의 죽음이 이전에 발생했던 살인 사건들과 연관성이 있는 것으로 밝혀지며 전국은 연쇄살인범으로 인해 떠들썩해진다.   이에 형사들은 단서를 추적하며 수사를 시작하지만 이들을 비웃기라도 하듯, 연쇄살인범은 다음 살인 대상을 지목하는 예고편을 인터넷에 공개하며 또 한 번 전 국민을 흔들어 놓는다. 강력범죄수사대는 서도철의 눈에 든 정의감 넘치는 막내 형사 박선우(정해인)를 투입하고, 사건은 새로운 방향으로 흐르게 된다.   역시나 믿고 보는 액션 영화 장인 류승완 감독의 '베테랑2'는 '베테랑' 이후 9년이라는 긴 시간을 기다려 온 팬들의 기대를 저버리지 않는다. 오히려 '베테랑2'는 9년의 시간을 농축한 듯 깊이 있고 더욱 묵직해진 액션으로 돌아왔다.   1970년대 음악인 블론디(Blondie)의 '하트 오브 글래스'(Heart Of Glass)로 신명 나게 시작했던 '베테랑'처럼 '베테랑2' 역시 1970년대 음악인 스페인 여성 듀오 바카라의 '예스 썰, 아이 캔 부기'(Yes Sir, I Can Boogie)로 시리즈 특유의 분위기를 살리며 서도철 형사가 돌아왔음을 알리며 시작한다.   '베테랑2'의 오프닝 시퀀스는 '베테랑'의 분위기를 그대로 잇는다. 그러나 전반적으로 심플했던 '베테랑'과 달리 '베테랑2'는 서사나 카메라 무빙, 편집 등 모든 면에서 다변화한 모습을 보인다.   무엇보다 '베테랑'이 죄지은 놈을 때려잡는다는 서도철의 정의를 바탕으로 시원하게 직진해 나갔다면, '베테랑2'는 형사이자 아버지로서 갈등하고, '형사'라는 테두리 안에서 '정의'를 이야기하며 여러 길을 오간다.   사회적인 주제를 끌어안으며 깊어진 만큼 '베테랑'2에서는 때때로 누아르와 심리극에 가까운 색채를 드러낸다. 이는 영화의 주제와 관련이 있다. 어찌 보면 단순하면서도 명확하게 죄지은 놈들을 거침없이 때려잡았던 서도철 형사 앞에 놓인 질문은 '사적 복수'다. 그동안 '더 글로리' '모범택시' 시리즈, '비질란테' 등 다양한 콘텐츠에서 사적 복수 내지 사적 제재를 다뤄왔다. '정의 구현'이라는 이름으로 사적 복수를 다룬 콘텐츠가 내세운 것은 이른바 '사이다'다.   이러한 사적 복수를 다룬 콘텐츠에서 경찰과 법은 무기력하고, 무너져버린 세상의 정의를 바로 세우기 위해서는 법과 사회의 테두리를 벗어나야만 가능한 것처럼 그려냈다. 영화적인 것을 넘어 현실에 존재할 수 없는 '판타지'에 가깝지만, 시청자와 관객들은 이에 열광했다. 문제는 콘텐츠 속 '정의 구현' 방식은 오직 가해자만을 응징하는 것으로 이뤄진다는 데 있다. 현실에서 유스티티아의 저울은 돈과 힘 있는 자 쪽으로 기울어졌고, 힘없는 피해자들을 구해주지 못한다는 데 대한 실망감은 사적 복수에 열광하게 했다. 그러나 그러는 사이 현실 정의 구현을 위한 시스템과 사적 복수로 구원받지 못한 피해자들에 대한 고민은 한쪽으로 밀려나게 됐다.   실제로 최근 '밀양 집단 성폭행 사건' 가해자들의 신상 공개가 이뤄지며 사적 제재에 대한 딜레마에 직면하게 됐다. 누군가는 이를 두고 정의 구현이라 표현했지만, 시간이 지나면서 과연 가해자 신상 공개라는 사적 제재 방식이 성폭력 사건을 막는 데 도움이 될 것인지, 누구를 위한 사적 정의 구현인지 생각해 볼 수밖에 없는 것이다.   류승완 감독은 이러한 현시대의 질문을 과감하게 영화 안으로 가져왔다. 콘텐츠가 다루는 '사이다'에 대한 과정과 기준이 달라지고, 사회 역시 이에 대한 의문을 제기하는 가운데 범인을 때려잡는 사이다를 제공하는 것으로 그 역할을 했던 영화는 달라진 시대를 반영하게 된 것이다. '베테랑2'에서 서도철 형사가 말하듯 사적 정의 구현이 주는 통쾌함에 빠져든 사이, 우리는 좋은 살인과 나쁜 살인을 나눠 생각하게 된다. 영화는 서도철 형사에게 이러한 질문이 담긴 사건을 던져줌으로써 관객에게도 사적 복수는 정말 '정의 구현'이라 부를 수 있는지 질문한다.   그만큼 9년 전 '베테랑'이 나왔을 때와 비교해 현실은 격변했고, 시스템에 대한 불만과 문제가 쌓였다. 류승완 감독은 '베테랑'을 단순한 오락 영화만으로 다루지 않고 시대와 함께하는 영화로 깊이를 더했다. 사적 복수를 소재를 다루는 영화가 어떠해야 하는지, 그리고 영화라는 장르성을 어떻게 살려야 하는지 '베테랑2'가 보여준 것이다. 사회의 변화를 조금 더 파고들었고, 서도철의 정의이자 우리 사회의 정의를 고민하고 묻기에 영화는 자연스럽게 '베테랑'보다 더 깊고 무거워졌다. 서사적으로도 범인을 잡는 이야기에 더해 아들과의 관계까지 다루다 보니 복잡성을 가져간다. 이에 '베테랑'이 줬던 심플함을 기대했던 관객 그리고 '범죄도시' 시리즈가 안겨준 단순명료한 사이다에 익숙해진 관객에게 '베테랑2'가 어떤 식으로 작용할지가 이 영화의 관건이다.   그러나 '베테랑2'는 여전히 '액션영화'다. 감독의 표현을 빌리자면 '정형외과 액션'으로 돌아온 '베테랑2' 속 보다 강력하고 다채로워진 액션은 '액션 장인' 류승완 감독의 모든 것이 담겼다. 여기에 액션 베테랑 유상섭 무술감독까지 가세해 완성도를 높였다. '존 윅 4' 계단 액션 시퀀스 못지않게 보는 것만으로도 고통을 유발하는 계단 액션 시퀀스부터 옥상 액션, 지붕 액션 등에서 감독의 DNA를 확인할 수 있다.   서도철 형사라는 맞춤옷을 입고 등장한 황정민은 현실적인 액션은 물론 깊어진 감정선을 연기하며 '베테랑2'를 기다린 보람을 느끼게 한다. 황정민의 체력이 허락하는 한, '베테랑'이 시리즈를 거듭하며 서도철 형사를 오래 볼 수 있길 바랄 뿐이다. '존 윅' 시리즈의 키아누 리브스가 열일하는 것처럼 말이다.   '베테랑2'로 진가를 드러낸 또 다른 배우는 정해인이다. 이른바 '맑눈광'(맑은 눈의 광인) 캐릭터로 등장하는 정해인은 류승완 감독의 믿음에 완벽하게 보답한다. 황정민에 뒤지지 않는 액션을 선보인 정해인이 빨리 류승완 감독의 영화 내지 다른 액션 영화에서 '베테랑2'로 갈고닦은 실력을 자랑하길 기대해 본다.   118분 상영, 9월 13일 개봉, 쿠키 1개 있음, 15세 이상 관람가. 2024.09.12 05:00

스트레이 키즈 콘서트, 강-강-강으로 달려도 지침 없는[노컷 리뷰] K팝 아이돌 콘서트에서는 퍼포먼스를 보여주는 데 집중하기 위해서나, 긴 공연 길이를 감안해 체력 안배 차원에서 일부 곡을 이른바 '퍼포먼스용'으로 준비하는 경우가 잦다. 그런데 스트레이 키즈는 첫 무대부터 핸드 마이크를 썼다. 2시간 반 동안 32곡의 무대를 하면서도 지친 기색을 찾아보기 어려웠다. 이날 스트레이 키즈의 라이브만큼은 원 없이 들을 수 있었다. 데뷔 후 처음으로 서울 송파구 올림픽공원 체조경기장(케이스포돔)에서 2주 4회 공연을 연 스트레이 키즈. 세 번째 월드 투어 '도미네이트'(dominATE)는 무대를 점령하고 장악하며 압도하겠다는 각오가 고스란히 반영된 제목이었다. '씹어먹겠다'라는 뜻의 'ATE'를 대문자로 표기한 이유도 짐작할 수 있었다. 스트레이 키즈도, 객석을 채운 팬덤 '스테이'도 공연장을 삼킬 듯한 에너지를 분출했기 때문이다. 벌린 입처럼 보이는 형상이 위협적으로 나타난 자리에, 스트레이 키즈가 모습을 드러냈다. 올해 발매한 '에이트'(ATE) 앨범 수록곡 '마운틴스'(MOUNTAINS) 무대부터 멤버들은 큰 성량이 받쳐주는 탄탄한 라이브를 들려줬다. 지하 1층(플로어)이 아닌 좌석 자리였음에도, 도입부 창빈의 목소리부터 꽤 가까이서 부르는 것처럼 느껴졌다. 이어진 다른 멤버들의 라이브도 마찬가지였다. 32명의 댄서와 함께 규모 있게 시작한 '마운틴스' 후, '소리꾼' 때는 밴드 라이브로 곡을 한층 더 격정적으로 풀어냈다. 드럼과 기타 연주가 귀에 박혀 사운드로 밀어붙이는 곡이라고 여겼는데 가사에 맞춰 폭죽을 터뜨리는 연출까지 더해 쾌감을 극대화했다. 일렉트릭 기타-베이스 기타-드럼-키보드로 구성된 밴드의 라이브 연주는 끝까지 깨끗하게 손상 없이 전달돼 만족스러웠다. 거대한 전광판, 다양한 구조물과 곡마다 다른 주제를 가진 영상, 폭죽 등의 특수효과가 고루 어우러져, 전반적인 '연출'이 잘 보이는 공연이었다. 스트레이 키즈 역시 본무대, 돌출무대는 물론 지하 1층과 1층 객석을 누비며 부지런히 움직였다. '쨈'(JJAM)은 초록색, 보라색, 노란색 등 확 튀는 색을 강조하고, 'JJAM'이라는 글자를 젤리 같은 질감으로 표현하며, 전광판을 바탕화면 삼아 보라색 액체를 들이부으면 서서히 물들어 가득 차는 효과를 선보였다. '디스트릭트 9'(District 9)에서는 본무대 옆쪽 양 화면을 활용해 불길이나 모래바람 같은 잔상이 남는 연출을 선보였다. '백 도어'(Back Door)는 멤버들과 댄서들, 카메라맨의 '열일'이 단연 돋보이는 무대였다. 멤버들은 가사에 맞춰 문을 두드리는 동작을 취하기도 하고 복잡한 동선을 소화했고, 댄서들은 퍼포먼스의 흐름에 맞게 문의 위치를 옮기고 합쳤다. 필릭스는 그 틈에 생일 모자를 머리에 얹고 촛불을 끄는 시늉까지 했다. '탑라인'(TOPLINE)(Feat. 타이거 JK) 무대 때 화면에는 멤버들의 이름이 차례로 올라가는 장면이 나타났고, '아이템'(ITEM)은 과거 향수를 불러일으키는 게임 화면을 구성했으며, '신(神)메뉴' 때는 청록색 등 또렷한 빛깔이 시선을 사로잡는 한옥이 주요 이미지로 나왔다. 이날 세트 리스트(공연 목록)에 있는 단체곡 가운데 가장 정적인 노래였던 '또 다시 밤'은, 끊임없이 '강-강-강'으로 달려온 흐름과는 정반대의 결이었다. '이질적'이라기보다는 '신선함'에 가까웠다. 영어가 거의 없는, 사랑했던 사람을 그리워하는 가사와 아름다운 피아노 연주가 기억에 남는다. '소셜 패스'(Social Path)(Feat. LiSA)는 신나는 드럼 앤 베이스 기반의 록 사운드여서 분위기에 변화를 주는 역할을 톡톡히 했고, 일렉 기타와 드럼 소리가 잘 들리는 '죽어보자'는 제목처럼 스트레이 키즈가 끝없이 에너지를 쏟아내는 곡이었다. 절묘한 완급 조절이 매력적이었던 '거미줄', 신스 사운드와 드릴 비트가 어우러진 '아이 라이크 잇'도 이날 새롭게 발견한 곡이었다. 2년 전 열린 '매니악'(MANIAC) 서울 공연 당시 인상적이라고 느낀 부분을, 이번 '도미네이트' 때도 다시 한번 느꼈다. 주로 랩을 하거나 주로 보컬을 하는 멤버가 어느 정도 정해져 있긴 하지만, 그것이 꼭 절대적인 기준이 된다기보다는 두 영역을 상당히 유연하게 넘나든다는 점이었다. 방찬, 한, 리노는 보컬과 랩 모두 편안하게 들을 수 있는 안정적인 실력의 소유자였고, '또 다시 밤'에서는 창빈 보컬을 들을 수 있어 반가웠다. 미공개 곡으로 펼친 솔로 무대는 멤버 개개인이 가진 개성을 펼치는 자리였다. 한은 청량하고 시원한 기타 소리가 두드러진 록 사운드 '홀드 마이 핸드'(Hold My Hand)를, 리노는 진하늘색 후드를 입고 나와 댄서들과 '유스'(Youth) 무대를 밝고 경쾌하게 꾸몄다. 통기타를 메고 등장한 승민의 '그렇게, 천천히, 우리'는 호소력과 풍부한 성량이 특징이었다. 현진은 무대 연출은 거의 쓰지 않은 채로 댄서들과 합에 초점을 맞춰 이국적인 리듬의 '소 굿'(So Good) 무대를 공개했다. 튠 조절한 것 같은 독특한 질감의 음색이 잘 들렸던 방찬의 솔로 무대 '레일웨이'(Railway)는 재킷을 벗어 손자국이 남은 등을 보여주고 마지막에 추락하는 연출로 어마어마한 함성을 끌어냈다. 16명의 댄서와 함께 꾸민 아이엔의 '할루시네이션'(HALLUCINATION)도 노출이 있는 의상과 웨이브 안무 등으로 관능적인 모습을 뽐냈다. 쏟아지는 별빛 속 하늘에서 내려오며 등장해 신비로움을 더한 필릭스는 '언페어'(Unfair)에서 랩과 노래를 모두 들려줬다. 시종일관 넘치는 파워를 자랑한 창빈의 솔로곡 제목이 '울트라'(ULTRA)라서 재미있는 우연이라고 생각했다. "응원 진짜 미쳤다"(방찬) "뭐야? 오늘 진짜로 다들 각성하고 온 거야?"(현진) "뚜껑 뚫리는 거 아닌가?" (방찬) 등 스트레이 키즈도 여러 번 언급했을 만큼, 팬덤 스테이의 열기가 대단했다. 딱딱 맞는 응원법과 공연장을 뒤흔들 만큼 큰 환호에 멤버들도 마음껏 기뻐했다. 2018년 데뷔해 올해 6주년을 맞은 스트레이 키즈는 이제 더 이상 무대에 오르기 전 긴장하지 않지만, 새 투어 '도미네이트' 서울 공연에서는 떨었다고 고백한 창빈은 "'도미네이트'라는 투어명처럼 저희 스키즈는 무대를 씹어먹은 것 같고, 우리 스테이는 관객석을 씹어 드셨다"라고 말했다. 리노는 "쉽지만은 않은 콘서트였고, 긴장하기보다는 무대를 즐기자는 마인드가 큰데 컴백 활동과 여러 가지가 겹치다 보니까 부담감이 생겼고 어떻게 해야 조금 즐겁게 보여줄 수 있을까 만족시켜 줄 수 있을까 했다. 4회 공연을 해보니까 역시 스트레이 키즈는 무대 체질"이라며 "여러분들이 저희의 원동력이고 저희가 여러분의 원동력이고 싶다. 앞으로도 잘 부탁드린다"라고 밝혔다. 승민은 "너무 많은 일들을 겪으면서 저희도 많이 성장을 하고 스테이와 함께 보내는 시간 속에서 많은 것들을 배우고 느낀 거 같다. 매 순간 정말 최선을 다하고 있다는 거 알아주셨으면 좋겠다"라고, 창빈은 "마의 7년 걱정하실 필요 없다고 했는데 그 말 책임질 수 있는 스키즈가 돼서 너무너무 기쁘고 모든 분들께도 감사드린다"라고 전했다. 총 4회 서울 공연을 마친 스트레이 키즈는 이번 '도미네이트' 투어를 통해 싱가포르 내셔널 스타디움, 멜버른 마블 스타디움, 시드니 알리안츠 스타디움, 가오슝 내셔널 스타디움, 방콕 내셔널 스타디움, 자카르타 겔로라 붕 카르노 마디아 스타디움에 처음으로 입성한다. 내년 1월까지 예정된 투어 이후에도 남미, 북미, 유럽 지역 투어를 추가로 발표할 예정이다. 2024.09.02 07:00

7년 만의 콘서트에도, 태양은 늘 그 자리에[노컷 리뷰] "무려 7년이에요, 7년! 여러분들도 저 많이 기다리셨어요? 아, 진짜? 무려 7년이란 시간 동안 저를 기다려 주시고 이렇게 아름다운 모습으로 이 자리에 와 주셔서 너무너무 반갑고 감사드립니다. 그 어느 공연보다 오늘이 얼마나 떨리던지요" 8월의 마지막 날인 지난 31일 오후 6시, 서울 송파구 올림픽공원 올림픽홀에서 태양의 2024 투어 '더 라이트 이어'(THE LIGHT YEAR) 서울 첫날 공연이 열렸다. 태양은 지난 단독 콘서트부터 이번 단독 콘서트를 열기까지 걸린 시간이 '7년'이라는 점을 여러 차례 강조했다. 워낙 오랜만에 콘서트를 열어서인지, 꽤 떨리고 긴장했다고도 밝혔다. "진짜 오랜만의 콘서트이긴 한가 봐요. 중간중간 가사도 씹히고 박자도 놓치고… 그만큼 제가 떨린단 얘기겠죠? 떨리는 만큼 기분은 너무 좋습니다. 여러분들이 너무 즐겁게 노래 부르고 계셔가지고" 직접 말한 것처럼 작은 실수가 있긴 했지만 사실 직접 언급하지 않았더라면 틀린 부분을 바로 알아채지 못했을 것 같단 생각을 했다. 춤과 보컬을 모두 잘 해내는 덕에 일찍부터 '올라운더'로 불렸던 '가수' 태양의 본업을 즐기기에 손색없는 자리였다. 2006년 그룹 빅뱅(BIGBANG)으로 데뷔한 태양은 꽤 빨리 솔로 활동을 시작했다. 2008년 발표한 솔로 데뷔곡 '나만 바라봐'는 비록 가사를 향한 호불호가 나뉘긴 했지만, 대중과 청자에게 '솔로 보컬리스트 태양'의 존재감을 확실히 남긴 메가 히트곡으로 사랑받았다. '소울풀'하다고 평가받는 개성 있는 음색과 감미로운 가창에 유려한 춤이 어우러진 '나만 바라봐'는 이날 공연에서도 커다란 호응을 받았다. 7년 만에 여는 단독 콘서트인 만큼, 태양은 무대에서 선보인 지 오래된 본인의 초기작을 여러 곡 소환했다. 솔로 데뷔 앨범 '핫'(Hot) 수록곡인 '기도'를 오프닝 곡으로 배치한 그는 같은 앨범의 '메이크 러브'(Make Love)는 물론, 솔로로서는 두 번째 작품이었던 디지털 싱글 '웨어 유 앳'(Where u at)과 그다음 곡 '웨딩드레스'(Wedding Dress), 첫 정규앨범 '솔라'(Solar)의 타이틀곡 '아이 니드 어 걸'(I Need A Girl)의 무대를 펼쳤다. 2009년 작인 '웨어 유 앳'을 무대에 올리기에 앞서, 태양은 "웬만해선 저도 공연을 끊고 가는 걸 안 좋아한다"라면서도 "준비가 좀 필요"한 곡이라고 소개했다. "진짜 오랜만에 들려드리는 옛날 노래"라고 기대감을 불러일으킨 그는 "2009년도에 발매한 노래라고 한다"라며 객석을 향해 2009년생 팬도 있는지 물어보기도 했다. 이어 마이크와 캡모자를 착용한 태양은 "사실 이거(곡) 제가 잘 많이 안 한 이유가 있다. 쉽지 않다"라며 웃었다. 그러면서 "이 노래 안무 짠 친구와 최근 같이 챌린지도 하고 그랬는데 그 친구가 그러더라. '너 도대체 이걸 어떻게 했니?'"라고 덧붙였다. 자기도 당시 어떻게 했는지 모르겠다고 한 태양은 모처럼의 '웨어 유 앳' 무대에서 에너지를 쏟아냈다. 앞서 태양은 "여러분들이 듣고 싶어 하시는 여러 많은 곡과 제가 그동안 무대에서 잘 보여드릴 기회가 없었던 곡들로 구성해 봤다"라고 설명한 바 있다. '새벽한시'(1AM) '눈, 코, 입' '스테이 위드 미'(Stay With Me) '아름다워'(Body) '링가 링가'(RINGA LINGA) 등 2014년 작 '라이즈'(RISE) 앨범 수록곡과 방탄소년단(BTS) 지민의 피처링으로 화제를 모았던 '바이브'(VIBE)와 '인스퍼레이션'(Inspiration) '슝!' '나의 마음에'(Seed) 등 지난해 발매한 최신곡이 고루 어우러졌다. 두 번째 미니앨범 '다운 투 어스'(Down to Earth) 타이틀곡 '나의 마음에' 라이브는 발매 당시 열렸던 청음회에 이어 이날 두 번째로 듣는 것이었는데, 두 번 다 다른 느낌으로 인상적이었다. 이날 세트 리스트 중에서 정적인 계열의 노래이기도 하고, 영어 한마디 없이 한국어로만 된 서정적인 가사를 호소력 있게 전달하는 모습을 보고 새삼 '보컬리스트 태양'의 면모를 되새길 수 있었다. 태양은 솔로곡뿐 아니라, 본인의 출발점이 된 빅뱅의 곡도 세트 리스트에 포함했다. 객석에서 가장 열광적인 반응이 터진 순간도 빅뱅 노래가 등장했을 때였다. 태양이 "아시다시피 제 솔로곡 외에도 들려드리고 싶은 많은 노래도 있다. 저희 빅뱅 노래들을 앞으로 부를 건데"라고 운을 떼자, 환호성이 튀어나왔다. '블루'(BLUE) '이프 유'(IF YOU) '루저'(LOSER)를 혼자 소화한 태양은, '눈물뿐인 바보' 때 관객들에게 주목해 달라며 대성이 등장하는 쪽을 가리켰다. '눈물뿐인 바보'를 함께 부른 두 사람은 반가운 인사를 나눴다. "큰 대(大) 소리 성(聲) 자를 쓰고 있다"라고 스스로를 소개한 대성은 듀엣 무대를 두고 "역사적인 날이다. 감회가 새롭다. 너무 감격스럽다"라고 자평했다. "바쁜 와중에 제 콘서트라고 도와주러 왔다. 큰 박수 부탁드린다"라고 태양이 말하자, 대성은 "오래 하셨으니까 좀 쉬어라. 제가 하겠다"라고 너스레를 떨었다. 태양이 퇴장해 숨 고를 동안, 대성은 본인의 한국 팬 미팅 때 태양이 와 줘서 너무 감격했다며 "태양은 항상 그 자리에 있다. 이번 무대로 조금 더 뜨거운 우정을 다지는 시간이 아닐까. 행복하다"라고 밝혔다. 대성은 빅뱅 다섯 번째 미니앨범 '얼라이브'(ALIVE)에 실린 솔로곡 '날개'를 불렀다. 그 후로는 빅뱅 메들리였다. '뱅뱅뱅'(BANG BANG BANG) '판타스틱 베이비'(FANTASTIC BABY) '위 라이크 투 파티'(WE LIKE 2 PARTY)까지 세 곡을 연달아 선보였다. 앙코르 때도 '배드 보이'(BAD BOY)를 선곡했고, 빅뱅 4인 완전체의 마지막 곡이었던 '봄여름가을겨울'(Still Life)로 대미를 장식했다. '솔로 가수'로서 오랜만에 단독 콘서트를 연 태양은 "팬 여러분들의 얼굴 표정 감정이 다 느껴지는 걸 느껴본 지가 너무 오랜만인 거 같은데 너무 행복하다"라며 "이 콘서트 만들면서 제가 느낀 지금까지의 감정들, 만들어 가면서 느꼈던 생각을 여러분이 많이 공유해 줬으면 좋겠다. 오늘 그렇게 된 거 같아서 너무 행복하다, 진짜로"라고 털어놨다. 그는 "제가 하고 싶었던 것들, 원하는 것을 우리 회사 더블랙레이블에서 다 해 주셨다. 첫 번째로 테디 형 진심으로 감사드린다"라며 회사에도 감사 인사를 전했다. 이어 "무대 뒤에서 저랑 같이 준비하면서 몇 주 전부터 진짜 잠을 안 주무시면서 제 공연 준비해 주셨던 더블랙레이블 스태프분들, 연출분들, 제가 무대 준비하면서 많이 예민해가지고 좀 힘들게 했던 것도 같은데 이 자리를 빌려서 죄송하고 너무 감사하다"라며 큰절을 올렸다. 관객들에게도 "무엇보다 여러분들 덕분에 오늘 이 콘서트가 행복한 추억으로 남을 거 같고 너무 기분 좋은 스타트가 될 거 같다"라고 말했다. 총 28곡, 2시간 20분가량 진행된 태양의 '더 라이트 이어' 서울 공연에는 같은 소속사 가수인 전소미가 게스트로 출연해 '패스트 포워드'(Fast Forward)와 '아이스크림'(Ice Cream) 무대를 선물했다. 건반·베이스·키보드·드럼·기타로 이루어진 밴드의 라이브 연주가 돋보였다. 댄서 리정은 짧은 솔로 퍼포먼스를 펼쳐 환호를 받았고 '슝!' 무대에서도 태양과 호흡을 맞춰 눈길을 끌었다. 2024 태양의 단독 콘서트 투어 '더 라이트 이어'는 오늘(1일)까지 이틀 동안 서울 공연을 마친 후, 오사카·도쿄·홍콩·타이베이 등에서 공연할 예정이다. 2024.09.01 09:00

청량하게 흥 돋우며 모두를 '응원'하는 '빅토리'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   청량, 흥, 귀여움 그리고 응원이라는 단어로 요약할 수 있는 '빅토리'는 우리는 모두 누군가의 응원을 받고, 또 응원하며 살아가는 존재임을 다시금 보고 들려주는 영화다. 무엇보다 '빅토리'라는 영화 제목처럼 관객들의 어깨를 들썩이게 만드는 데 성공했다.   1999년 세기말, 거제의 댄스 콤비 필선(이혜리)과 미나(박세완)는 댄스 연습실을 마련하기 위해 서울에서 전학 온 치어리더 세현(조아람)을 내세워 치어리딩 동아리를 만든다. 그렇게 9명의 멤버들이 모여 얼렁뚱땅 탄생한 '밀레니엄 걸즈'는 치형(이정하)의 만년 꼴찌 거제상고 축구부를 우승으로 이끌어야만 한다.   '빅토리'(감독 박범수)는 노스트라다무스가 세계 멸망을 예언한 1999년, 대한민국의 남쪽 끝 거제도를 배경으로 오직 열정만큼은 충만한 생판 초짜 치어리딩 동아리 '밀레니엄 걸즈'가 신나는 댄스와 가요로 모두를 응원하는 이야기를 그린 작품이다.   한국 영화 최초로 치어리딩이라는 소재를 가져온 '빅토리'는 시작부터 거제 바다의 푸른 빛 청량함을 머금은 채 신나는 음악으로 관객들을 '흥'의 세계로 이끈다.   서태지와 아이들의 '하여가'로 본격적인 문을 여는 '빅토리'는 관객들에게 선언한다. 과연 이 영화를 보고 듣고도 어깨를 들썩이지 않을 수 있겠냐고 말이다.   응원의 민족이자 흥의 민족을 자극하는 영화 속 노래들은 말 그대로 '흥 파티' '댄스파티' '내적 싱어롱 파티'를 유발한다. 마치 관객들을 향해 '앉아서 볼 수 있을까?'라고 도발적으로 묻는 듯이 흥이, 요즘 말로 도파민이 넘쳐흐른다.   시작부터 신나게 문을 연 '빅토리'의 기본 이야기는 힙합댄스에 진심인 두 명이 응원에 진심이 되어가는 이야기다. 그 사이로 우정과 사랑, 부모와의 관계는 물론 '나'라는 세계가 조금씩 넓어지며 '학교'가 아닌 더 넓은 세상으로 나아가는 이야기가 담겼다.   치어리딩이라는 소재를 갖고 온 영화답게 밀레니얼 걸즈가 진정한 한 팀으로 성장하는 과정에서 '빅토리'는 수많은 사람을 응원한다.   밀레니엄 걸즈가 찾는 곳은 시장이 될 수도, 병원이 될 수도 있다. 그 어느 곳이라도 응원이 필요한 곳, 응원이 필요한 사람이 있다면 달려가 응원하는 게 밀레니엄 걸즈의 치어리딩이 갖는 의미다. 노조의 투쟁 현장에도 이들의 응원은 계속된다.   응원이 필요한 곳은 모두의 주목을 받는, 영화를 빌려 이야기하자면 축구장의 축구선수 등도 있지만 사실 우리 사회 혹은 우리가 주목하지 않는 곳곳에도 응원을 필요로 하는 사람이 존재한다. 영화는 '치어리더'와 '치어리딩'을 우리가 흔히 아는 사전적 정의에 따르지 그려내지 않고, '응원'이라는 보다 보편적인 개념에 따라 보여준다.   이 과정에서 팀이 아닌 개인으로 존재하던 아이들은 '치어리딩'이 '팀'으로 움직여야 한다는 것을 점차 함께하며 스스로 깨달아 간다. 그렇게 '빅토리'는 '우리'를 응원하는 영화, 서로가 서로를 응원하는 영화가 된다.   결국 '빅토리'는 우리는 누군가에게 밀레니엄 걸즈이며, 나는 또 다른 밀레니엄 걸즈의 응원을 받는 존재임을 신나고 귀엽게 보여준다.   무엇보다 앞서도 이야기했듯이 치어리딩을 영화의 핵심 소재로 가져온 만큼 전개되는 내내 어깨를 들썩이며 내적 싱어롱을 자극하는 다양한 곡들이 나온다.   특히 영화의 시대 배경인 1990년대 인기를 끌었던 서태지와 아이들의 '하여가', 디바의 '왜 불러' 듀스의 '나를 돌아봐', 김원준의 '쇼', NRG의 '할 수 있어', 터보의 '트위스트 킹', 지니의 '뭐야 이건' 등이 등장한다.   공들인 사운드 믹싱을 통해 완성된 영화는 극장의 스피커 시스템을 통해 1990년대 가요를 아는 사람은 물론 모르는 사람의 심장까지도 쿵쿵 울린린다. 러닝타임 내내 밀레니엄 걸즈의 응원과 함께하다 보면, 마치 수능 금지곡처럼 영화관 밖을 나와서도 머릿속에서 자동 재생되는 것을 느낄 수 있다.   영화가 여러 갈래의 이야기를 품은 것은 어느 한 가지 이야기에 집중하지 못하고 산만하다는 단점으로 작용할 수 있다. 그러나 우리들의 삶, 특히 하루에도 몇 번씩 롤러코스터를 타는 고등학생 청춘의 삶 안에는 수많은 이야기가 함께한다. 학교, 또래 그룹, 부모님, 사랑과 우정, 꿈과 미래 등 말이다. 그렇기에 이 복잡성은 어쩌면 우리가 지나쳐 온 고등학생 내지 청춘 시절 그 자체인지도 모른다.   영화 속 신나는 음악과 힘이 나는 치어리딩 외에 관객들의 마음을 사로잡는 또 다른 존재가 있다. 귀여운 신스틸러 봉구 역의 강아지 배우는 영화의 완벽한 '힐링' 담당이다. 스크린에 등장할 때마다 마음을 녹이며 극 중 인물들과 관객들을 응원하는 역할을 톡톡히 해낸다. 119분 상영, 8월 14일 개봉, 12세 이상 관람가. 2024.08.26 08:00

'SF 호러' 명성 되찾을 7번째 시리즈 '에이리언: 로물루스'[노컷 리뷰] ※ 스포일러 주의   SF 호러 '에이리언' 시리즈가 가진 폐쇄 공포, 에이리언의 위협과 긴장을 기억하는 관객에게 '에이리언: 로물루스'는 만족스러운 시리즈일 것이라 확신한다. 특히 시리즈의 덕후를 자처하는 감독이 만든 영화인 만큼 '에이리언' 시리즈 덕후들에게는 덕력을 점검할 수 있는 작품이다.   1979년 리들리 스콧 감독은 '에이리언'은 H. R. 기거의 그로테스크한 디자인과 함께 독창적인 SF 호러 영화를 선보였다. 이후 '에이리언 2'(감독 제임스 카메론) '에이리언 3'(감독 데이비드 핀처) '에이리언 4'(감독 장 피에르 쥬네) 그리고 프리퀄 '프로메테우스'(감독 리들리 스콧), '에이리언: 커버넌트'(감독 리들리 스콧)를 거쳐 7번째 시리즈 페데 알바레즈 감독의 '에이리언: 로물루스'로 이어졌다.   '에이리언: 로물루스'는 1편의 2122년과 2편의 2179년 사이인 2142년을 배경으로, 보다 나은 삶을 찾기 위해 식민지를 떠난 청년들이 버려진 우주 기지 로물루스에 도착한 후 에이리언의 무자비한 공격에 쫓기기 시작하면서 생존을 위한 치열한 사투를 벌이는 작품이다.   저예산 공포 영화 '맨 인 더 다크'로 뛰어난 실력을 보였던 페데 알바레즈 감독은 오프닝 시퀀스부터 '에이리언: 로물루스'가 '에이리언'처럼 SF 호러의 색으로 강하게 채색됐음을 드러낸다. 특히 영화의 전반적인 톤은 물론 사운드 디자인을 영화 색채에 맞게 잘 구현한 만큼 시각적인 것 이상으로 청각적인 공포와 긴장 역시 상당하다.   '맨 인 더 다크'에서 한정된 공간 안이 가진 효율을 극대화해서 공포감을 자아냈던 감독은 '에이리언: 로물루스'에서도 이러한 강점을 마음껏 발휘한다.   도망갈 곳도 없는 우주에서 영화 속 인물들이 발 디딜 곳이라고는 우주정거장뿐이다. 우주를 배경으로 한 '에이리언' 시리즈가 공포와 절망감을 자아내는 방법의 하나는 도망칠 수 있는 곳이 없다는 공간적 특성에 있다. 이번 영화는 이러한 공간적인 특수성을 잘 살리면서도 호러 영화가 가지는 분위기를 덧대어 공포감을 한껏 살렸다.   시·청각적인 요소 또한 뛰어나다. 현재의 VFX(시각특수효과) 기술력을 통해 완성된 '에이리언: 로물루스'는 시각적인 부분에서도 높은 완성도를 보이며 그동안 시리즈에서 보지 못했던 페이스허거나 제노모프 등을 이용한 다양한 액션 시퀀스를 선보인다. 여기에 우주라는 공간이 지닌 특성을 활용한 액션 신은 또 다른 볼거리를 선사한다.   쉽게 벗어날 수 없는 공포, 한정된 공간에 대한 공포는 에이리언으로 가득 찬 우주정거장뿐만이 아니다. 영화에서 주인공들은 기존 시리즈 주인공들보다 낮은 연령대로 구성됐다. 그들은 식민지 행성에서 노예처럼 생활하는 것은 물론 그곳을 벗어나는 것조차 기약이 없는 존재들이다.   영화 초반, 레인(케일리 스패니)과 앤디(데이비드 존슨)의 발걸음 내내 '웨이랜드의 노예'라는 구호가 따라붙는다. 레인과 앤디는 노예처럼 사는 삶을 벗어나기 위해 위험한 제안을 받아들이게 된다.   레인과 앤디에게는 식민지 행성과 웨이랜드는 우주정거장 르네상스와 에이리언만큼 자신들의 삶을 핍박하고 위협하는 요소다. 발 디딜 곳 없이 살아가던 레인과 앤디에게 자신들이 진정한 의미에서 살아갈 곳을 찾는 것은 중요한 일이다. 이처럼 영화는 '발 디딜 곳' 없다는 공포를 두 가지 의미에서 진행해 나간다.   영화에서 레인과 앤디의 행보만큼 눈여겨봐야 할 지점은 바로 둘의 관계다. '에이리언: 로물루스'에서 보이는 독특한 지점 중 하나는 그동안 시리즈에서 등장했던 합성인간(안드로이드)과 인간의 관계가 사회적이었던 것과 달리 인간 레인과 합성인간 앤디를 남매 같은 존재로 그린다는 것이다. 인간과 합성인간이라는 다른 종이지만 두 존재를 친밀한 관계로 묶어낸 것이다.   이는 영화의 부제 '로물루스'와도 이어진다. 우주정거장 르네상스의 모듈인 '로물루스'와 '레무스' 중 하나인 '로물루스'에서 따온 것으로, 로물루스와 레무스는 로마 건국 신화에 등장하는 쌍둥이 형제의 이름이다.   로물루스 레무스 전설과는 다르게 레인과 앤디는 다른 결말을 가져간다. 또 다른 레무스라 할 수 있는 존재가 어떤 결말을 맞이하는지는 영화를 통해 확인할 수 있다. 이처럼 로물루스와 레무스 신화가 영화 안에서 어떤 식으로 작용하고 어떻게 비틀어지는지 보는 것도 관전 포인트 중 하나다.   무엇보다 '에이리언: 로물루스'는 '에이리언' 시리즈의 덕후들을 위한 종합선물세트이자 보물 상자 같은 영화다. 영화의 시간적 배경은 1편과 2편 사이지만, '에이리언: 로물루스'는 '에이리언' 전 시리즈를 아우르는 오마주를 통해 바치는 헌사다.   특히 페데 알바레즈 감독은 스스로 '찐팬'임을 밝힌 바 있는데, 팬이 만든 영화라는 게 구석구석에 묻어난다. 덕분에 '에이리언' 시리즈 덕후들의 승부욕을 자극하는 덕후의 영화로 완성됐다.   영화의 완성도를 높인 건 감독의 덕후력과 연출력 그리고 VFX와 사운드만이 아니라 배우의 연기력도 크다. 특히 소피아 코폴라 감독의 '프리실라'에서 프리실라 역으로 열연을 펼치며 베니스마저 사로잡았던 케일리 스패니는 주인공 레인 역을 맡아 다양한 감정선을 압도적인 연기로 펼쳐내며 스크린을 수놓는다.   페데 알바레즈 감독은 '맨 인 더 다크'에 이어 성덕이 되어 만든 '에이리언: 로물루스'까지 성공적으로 마무리하며 '맨 인 더 다크'의 성공이 운이 아닌 실력임을 입증했다. 더 많은 영화의 크레딧에서 '페데 알바레즈'라는 이름을 발견할 수 있길 바랄 뿐이다.   혹시나 '에이리언: 로물루스'가 R등급을 받은 미국과 달리 국내에서 '15세 이상 관람가' 판정을 받았다고 실망할 필요는 없다. 영화에 대한 심의 기준이 다를 뿐 미국과 동일한 버전이니 안심하고 보면 된다.   119분 상영, 8월 14일 개봉, 쿠키 없음, 15세 이상 관람가. 2024.08.14 10:00